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UN CUENTO DE CINE

2012-01-30T13:24:00.001+01:00

Cuando Alba llegó aMadrid no podía imaginar mejor lugar para vivir. Había soñado con llegar a laciudad desde su Villarejo natal para repetir las aventuras que su ídolo, ConchaVelasco, vivía en ‘Las chicas de la cruz roja’. Empezó su andanza madrileña conun trabajo de costurera que sólo le permitía ir abriéndose camino. Pero elcamino resultó bastante espinoso, sin asfaltamiento posible. Su casera laincordiaba con dureza cada vez que subía las escaleras con sus gastadostacones. “¡Me vas a estropear la madera, niñita de pueblo!” le decía. Su únicorefugio, claro está, era ir al cine. El día en que asistió al estreno de‘Ben-Hur’ no pudo ser más feliz. Ni casera, ni jefa ni remiendos de vestidos. Loúnico que visitaba su cabeza aquel día era el hercúleo Charlton Heston y susfuertes brazos remando. Aquel judío heróico de la ficción parecía salir de lapantalla y llevara a ella misma a Judea, a otros tiempos, a otros mundos en losque las túnicas y los brillos de las miradas de Hollywood la hacían volar tanlejos como fuese posible.

Al salir de aquelestreno, Alba entró en una librería dedicada al cine. El lugar era cálido,acogedor, con enormes lámparas y bonitas columnas del siglo XIX. Un paraísopara una adicta a los sueños que necesitaba buenas dosis de su droga.“¡Cuántasestrellas voy a encontrarme aquí!” pensó, como si aquella librería fuese unasuperproducción que englobase a todas sus estrellas favoritas a través delibros y estampas de colores. Justo cuando miraba una de la Garbo entró unseñor mayor. Debía tener más de cuarenta años pero resultaba enormementeatractivo. Para Alba, tras radiografiarlo desde las uñas al último pelo nohabía duda: era una versión castiza del mismísimo Trevor Howard. Y como en lapelícula más famosa del actor británico, ‘Breve encuentro’, el señor se acercóa ella para quitarle algo del ojo. El verano era tan caluroso en Madrid que laciudad era un criadero de molestos mosquitos que finalizaban su mareante vuelo en los lugares más insospechados. Ese lugar,para aquel mosquito torpe, era su ojo. Pero si ello servía para conocer más aaquel cuarentón disfrazado de galán de Hollywood, daba igual. Porque sí, todoera un disfraz…

Aquel galán se llamabaRamón y trabajaba en la oficina de Correos. Su padre había sido republicano yansiaba el día en el que dejaría España para unirse a su familia, exiliada enMéxico, lejos de tanta penuria y tanto horror. Tenía una mujer ciega, Clarisa,diez años mayor que él. Lo había acogido tiempo atrás, cuando la guerra y elconsecuente exilio lo dejaron sin familia. Ahora él era la familia de ella. Apesar de sus compromisos matrimoniales y agobios de toda índole, conectóinmediatamente con Alba y juró verla el martes siguiente en la librería.

Allí fue donde seencontraron y hablaron de ‘La strada’. A Alba le gustaba Giuletta Massina yRamón creía que su pantomima era demasiado parecida a las de Chaplin. A Alba lepareció que le llevaba la contraria como eficaz método de conquista. Cada tardequedaban en la misma esquina de la librería, junto al escaparate lleno deviejas reliquias del séptimo arte. A menudo compraban libros y jugaban a saberqué sección tenía nuevas páginas para disfrutar. Con el tiempo, un beso sellósu romance. Cada día, Ramón le traía un objeto diferente como guiño muyparticular. Un día le trajo el bastón de su adorado Chaplin. Otro, un lazo delvestido de Scarlett O’Hara; el siguiente, la pajarita de Bogart en‘Casablanca’. Alba había pillado la broma de Ramón, y esperaba su objetofetiche casi tanto como a su amado. Pero llegó una triste tarde para los dos. Comotambién ocurría en las películas que Alba veía, como ocurre muchas veces en lavida real…En la sección de biografías, junto a la de David Wark Griffith, Albarecibió la inesperada noticia: Clarisa había decidido irse a México paraoperarse y recuperar la vista. Para Ramón era una nueva oportunidad dereencontrarse con los suyos…Para Alba era el fin, la hora de poner un amargo‘The End’ a su primer resquicio de ilusión madrileña.

Ahogada en lágrimas,Alba despertó de un largo sueño. Se había quedado frita mientras leía unaspáginas de un libro de Román Gubern en la librería ‘Ocho y medio’. Toda aquellahistoria era producto de su afilada imaginación de señora anciana. Aquellatarde había elegido la librería madrileña, su rincón cinéfilo favorito, paraesperar a sus nietos, que venían a verla a su enorme piso en la calle Martín delos Heros.

Impaciente, viendo que volvíana llegar tarde como de costumbre, Alba salió del local sonriendo, impresionadaante las imágenes que su ya torpe cerebro podía crear. A la salida, la estabaesperando, radiante como de costumbre, su nieta Eva. Al abrazarse, Alba nopodía creer lo que sus genes habían hecho con aquella jovencita. Cada vez quela veía estaba más alta y con los ojos más llenos de pestañas. Al avanzar elcamino hacia su casa, su nieta le hizo una curiosa pregunta: “Abuela, ¿no fueen una librería así donde conociste al abuelo?”. Alba la miró extrañada y elcorazón le bailó en el pecho. Parecía que, después de todo, los sueños no sóloestaban hechos de celuloide…

'Los descendientes' (2011): La familia y la muerte según Alexander Payne

2012-01-27T17:34:00.001+01:00

Saber mezclar la dosis justa de humor y pathos dentro de la sencillez. Esa ha sido desde siempre la gran cualidad del cine de Alexander Payne, capaz de radiografiar, siempre desde el minimalismo, a los personajes más diversos: desde una universitaria arribista dispuesta a enfrentarse con un profesor sinónimo del fracaso ('Election') a un divorciado que sufre la crisis de los 40 ('Entre copas') o a un jubilado que siente el arrepentimiento final propio de una trayectoria vital errónea ('A propósito de Schmidt'). Esta última era seguramente la más floja de todas sus obras al centrarse demasiado en las peripecias de ese hombre en el otoño de su vida, magníficamente interpretado por Jack Nicholson. A pesar del lucido papel para Kathy Bates, el carácter unilateral de la historia la perjudicaba en comparación con la riqueza coral de sus otras películas.

Quizá sea ese el principal problema para que 'Los descendientes' no se salga demasiado de lo que uno espera ver en una película 'indie' norteamericana gustosamente protagonizada por una estrella de Hollywood. Y es que esa estrella, George Clooney, realiza uno de los mejores trabajos de su vida en esta película. Comparando su personaje con otro de sus más destacados, el de la película 'Up in the Air', en donde casi parodiaba su imagen de triunfador para desenmascararnos las capas más débiles de su personaje, el de 'Los descendientes' supone toda una novedad. Aquí Clooney no es un guapo seductor sino un padre de familia acosado por las venta inminente de unas tierras heredadas en su Hawai natal y por la responsabilidad educativa de sus dos hijas tras el coma irreversible de su esposa que, para colmo, le era infiel. Y en esa faceta, Clooney está soberbio, aguanta como nadie primeros planos inmisericordes y obvia, pese a todo, el camino más fácil, el de su lado más seductor.

La cinta suma todos los parabienes del cine de Payne: una estructura a lo 'road movie' en la que el protagonista irá descubriendo no sólo al amante de su mujer, sino su capacidad para enfrentarse a la muerte y también la sabiduría de su, a priori, inmadura hija adolescente. Además, el gusto por la banda sonora minimalista (apenas unos acordes de guitarra que, en muchas escenas, son innecesarios) y la planificación fija y sin estridencias. Eso sí, a pesar de que los golpes de humor (desde la imposible bronca con una comatosa al enfrentamiento en seco a toda una familia) están magníficamente entrelazados con los momentos más dramáticos (incluída una espectacular secuencia sumario sin diálogos concerniente a la hija más pequeña de Clooney) la película pasa muy de puntillas por el personaje de la adolescente encarnada por Shailene Woodley o del primo encarnado por Beau Bridges. Los personajes cirdundantes al protagonista, al contrario que en la novela, están tratados con pocos matices, lo cual convierte a la cinta en el 'show de Clooney', un buen show pero no lo suficiente como para que la película contenga la intensidad de muchas de las escenas que nos regaló, por ejemplo, 'Entre Copas'. A pesar de todo, 'Los descendientes' es un magnífico film sobre las cosas que nos callamos durante años, sobre nuestra capacidad para perdonar, y sobre las responsabilidades que retrasamos una y otra vez hasta que nos estallan en la cara.

CALIFICACIÓN: *** 1/2

Cecilia, mi querida Equilibrista

2011-12-18T17:19:00.002+01:00

Aunque este blog fue, es y será de cine...muchos de los que entráis estos días en él probablemente lo hacéis porque se cita en la contraportada de un libro, mi primer libro, uno de los sueños de mi vida: la primera y única biografía de la cantautora Cecilia, de la que soy autor. Describir mi afecto por Cecilia es imposible de explicar con palabras. Su voz, su mirada, sus ropas a menudo estrafalarias para la época en la que cantaba...La descubrí con 13 años y desde entonces no he dejado de quererla, de apreciar sus canciones, de enamorarme de aquellos temas que escribió y cantó una joven española que, sin embargo, vivió por todo el mundo desde los 3 años.

Mucho ha sido lo que he descubierto sobre Eva Sobredo, como en realidad se llamaba, a lo largo de estos años de preparación del libro...He descubierto a una niña que tenía miedos, que era hiper sensible y no encajaba en un ambiente de diplomáticos, a una pequeña que viajaba continuamente debido a la profesión de su padre, y a una cantante famosa que no se sentía merecedora del afecto que le profesaban miles de personas. Yo siempre intuí que tras el alma que había creado 'Un ramito de violetas' se escondía alguien muy especial. Qué paradoja que una mujer que se veía a sí misma fea crease una de las canciones más representativas de lo que consideramos belleza.

Te debo mucho Eva. Has sido el tema de mi primer libro (espero que vengan muchos más) y me has acompañado media vida regalándome tu música. Lo menos que podía hacer por ti, desde mi profesión de periodista, era empeñarme en que la gente te conociese, en que tu sensibilidad no se quedase anclada en aquel 2 de agosto de 1976 en el que perdiste la vida en un accidente de tráfico. Era muy injusto que las nuevas generaciones no se enamorasen de una rebelde sensible como tú, de una luchadora que a veces tenía que vérselas con sus propias inseguridades y ansiedades y con las imposiciones de una discográfica que no siempre te trató bien.

Quiero recordarte emocionada, agachando la cabeza mientras entonas el final de tu 'Ramito de violetas' en este vídeo, mientras la cámara sube y te muestra así, ovacionada, aclamada por un público que te debió y te sigue debiendo tanto. Muchas gracias vieja amiga. Sabes que te quiero y sabes que eres la mejor de entre todas las amigas que nunca llegaré a conocer. Allá donde estés...GRACIAS.

http://www.ochoymedio.com/articulo.php?isbn=978-84-96582-76-7

'EL ÁRBOL DE LA VIDA' (Terrence Malick, 2011): Divinamente extraordinaria

2011-09-18T19:10:00.003+02:00

En el principio de los tiempos hubo una nebulosa que dio lugar a un planeta, y ese pequeño planeta, a su vez, vio nacer a un hombre muy especial. Le bautizaron con el nombre de Terrence Malick y el destino quiso que acabase estudiando filosofía. Los caprichosos designios del universo lo acabaron convirtiendo en cineasta. Amante de Heidegger, del trascendentalismo americano y de los mil y un destellos de poesía que la creación ha dejado tras de sí, Malick se propuso filmar todas esas pasiones, filmar la poesía. A lo largo de cuarenta años, desde los primeros 70 hasta la segunda década del siglo XXI, las plasmó en el cine, ese gran invento del siglo anterior que tan felices hizo a los humanos, a lo largo de cinco películas. La última de las cinco, 'El árbol de la vida', con una superestrella como Brad Pitt de protagonista, habló al público de lo humano y lo divino, de lo pequeños y triviales que resultan los problemas de una familia norteamericana de los años 50 frente al milagro de la creación, frente a ese Dios presente en cada rincón de la naturaleza. No importa que uno de los hijos de esa familia muera, que el padre sea un músico frustrado que paga con sus hijos viejas rencillas con el decepcionante y aleccionador destino y que otro hijo, ya adulto, sea incapaz de recuperar el asombro de su infancia y de superar el trágico fallecimiento de su hermano. La naturaleza, ese Dios presente en lo bello y ausente en las feas desgracias, sigue prevaleciendo sobre todos ellos, transformando su fragilidad en una tierna y hermosa evocación de infancia.

El público asistente a esa historia trivial y divina osciló entre aquellos que la amaron y aquellos que no pudieron afrontar el encantador manierismo de su director. No era fácil por entonces apreciar un lenguaje cinematográfico contemplativo, a base de recursos como la voz en off, el montaje desigual y sin linealidad narrativa o los fluidos movimientos de una hipnótica steadycam. Tampoco era fácilmente asimilable esa escena grandilocuentemente bella en la que el espectador es testigo del origen del Universo con el 'Lacrimosa' de Preisner como gloriosa banda sonora: una mezcla de la 'Fantasía' de Disney con la solemne trascendencia del '2001' de Kubrick. Era natural que gran parte de ese público dejase pasar detalles tan significativos como la belleza extrema de cada plano, la simbología de una vela azul que equivale a amargo recuerdo, la mirada de odio registrada en primerísimo plano de un niño que no encuentra a Dios ni razón alguna para seguir sus supuestos dictámenes, la grandeza del dinosaurio que se arrepiente de oprimir al de otra especia o el plano detalle de un faro callejero que se convierte en metáfora del acercamiento o alejamiento a la fe según se mueva la cámara que lo graba.

Quizá, como sugiere esta crítica, estemos en un futuro reconciliador, inmersos en una enorme playa en la que nos hemos reencontrado con nuestros seres queridos y aceptamos por fin nuestro minúsculo papel en el universo dando, simplemente, las gracias por la belleza que nos ha regalado. Quizá en esta playa podemos asumir, junto a aquel público reacio del siglo XXI, que 'El árbol de la vida' fue la mejor película de un 2011 lleno de amargos sinsabores humanos que apenas tuvieron o tienen eco en mitad de un universo gigantesco e hiperbólicamente bello.

CALIFICACIÓN: **** 1/2

HABLEMOS DE TELEVISIÓN: 'David el gnomo' (1985)

2011-07-27T10:13:00.000+02:00

Corrían los años 80 y tomábamos pan con nocilla. Nuestras tardes eran una eternidad de juegos y televisión. Un sábado de octubre de 1985 un señor pequeñito que curaba a los animales y llevaba como atuendo un puntiagudo gorro rojo nos llamó especialmente la atención. Por aquel entonces ignorábamos que tras él se encontraba el mallorquín Claudo Biern Boyd. Por aquel entonces no imaginaba que algún día le entrevistaría y que me preguntaría: ¿Tú también lloraste con el último capítulo? Este es el resultado de aquella entrevista de hace un año para el Instituto Cervantes. Mi mejor homenaje a una serie que marcó la infancia de muchos:

http://cervantestv.es/2010/06/01/espacio-cervantes-395/ (Tercer vídeo de la barra lateral derecha)

HABLEMOS DE TELEVISIÓN: 'Celia' (1992)

2011-05-18T18:32:00.000+02:00

Gran serie televisiva y gran adaptación de la obra de Elena Fortún, sobre la que tuve el placer de realizar un reportaje para Cervantes TV. Aquí está:

/http://cervantestv.es/2011/04/12/espacio-cervantes-571/

Querida Miss Taylor

2011-03-23T20:15:00.001+01:00

Querida señorita Taylor. A mis ojos llegaron hoy, redes sociales mediante, la noticia de su muerte a los 79 años de edad. Como siempre que muere una estrella de cine de su calibre, hago un repaso mental de las imágenes de la misma que, desde la gran pantalla, se han mezclado con las alegrías y miserias de mi propia vida. Y no puedo evitar reconocer que mi primer recuerdo se debe a aquel infecto telefilme de los 90 en el que intentaban resumir su vida de joyas, innumerables matrimonios y enfermedades varias. Tampoco olvido la eterna anécdota que, muchas madrugadas, me contaba mi madre delante de un buen chocolate: cómo se había escapado siendo una niña para ir al cine a ver 'Gigante' , una de sus grandes películas, una y otra vez. Cuando me hice mayor (y no voy a decir cuándo creo que lo fui) comprendí que sus ojos violeta, carnosos labios y radiante belleza escondían algo más. Una noche de tantas me dispuse a ver 'Un lugar en el sol', aquella película en la que George Stevens contaba una historia de ascensión social y diferencia de clases. El uso de los primeros planos de su rostro y el de Montgomery Clift resultaron para mí una de las mejores expresiones del amor adolescente que jamás se hayan visto en una pantalla. No me extraña que todas las jóvenes que vieron la película en 1951 quisieran imitar el vestido que Edith Head, la mítica diseñadora de la Paramount, había diseñado para usted. También fueron muchas las navidades que pasé viendo 'Mujercitas' en su versión de 1949, aquella en la que usted era la estirada y presumida Amy March. Aunque sus fans jamás le perdonasen la peluca rubia, para mí fue la versión definitiva de ese personaje. Nunca me creí a Kirsten Dunst repitiéndolo muchos años después al lado de Winona Ryder.

Sin embargo, mi gusto por la 'divina' Garbo y por otras damas de la escena como la Hepburn me impidió verla como una gran actriz. Al igual que los críticos de principios de los 50, me costó tomarla en serio entre tanto chisme acerca de sus dos matrimonios con Richard Burton, tantas joyas horteras y tanta foto de esa pareja encantadoramente freak que formó junto a su amigo Michael Jackson. Sin embargo, ¡cuál fue mi sorpresa al verla en 'Gigante' (George Stevens, 1956) y en 'La gata sobre el tejado de zinc ' (Richard Brooks, 1958)!! En la primera, epopeya larguísima que ocupó mi tiempo varias tardes de verano, usted estaba reluciente y encarnaba como nadie la figura de la nueva mujer del siglo XX, esa que no se doblegaba ante las machistas imposiciones de un fornido Rock Hudson. En la segunda, me identifiqué con sus ansiedades sexuales, inspiradas en la pluma de Tennessee Williams. Yo también habría enfermado de represión sexual, como un auténtico felino, teniendo como marido a ese gay reprimido que encarnaba un hercúleo Paul Newman; ese hombre que no quiere hacerme el amor. No olvide usted desde allá arriba que Williams también le hizo el favor de escribir el texto de 'De repente, el último verano' (Joseph Leo Mankiewicz, 1959). ¿Se acuerda usted de su monólogo en primerísimo plano, cuando narra al resto de personajes y a los espectadores cómo fue la muerte de su primo en una playa española?. Esa escena, expresionista y retorcida donde las haya, constituyó uno de los más agradables traumas de mi adolescencia.

Sin embargo, también confieso que tuve ocasión de odiarla. Sí, señorita Taylor, tras mi admiración llegó el rechazo frontal y sin concesiones. Aquella tarde de Semana Santa en la que intenté sin éxito ver su 'Cleopatra' (Joseph Leo Mankiewicz, 1963) de un tirón sin éxito alguno fue el germen de esa antinpatía. Larga, teatral en el mal sentido de la palabra, la versión del director de 'Eva al desnudo' sobre la reina del Nilo, provocó en mí incontables bostezos. No me extraña que en su momento fuese un caro desastre para la Fox y un buen negocio para usted, que fue la primera actriz en cobrar un millón de dólares por semejante infortunio fílmico. Pero del amor al odio hay un paso, y me bastó verla como una esposa malhablaba y realista en '¿Quién teme a Virginia Wolf?' (Mike Nichols, 1966) para volver a enamorarme de usted. En aquella película por la que le dieron su segundo Oscar dio vida a una esposa que se salía de los irreales clichés matrimoniales de Hollywood. Con ella también hacía que especímenes como yo nos identificásemos más con su figura. ¿Sabe por qué? Porque con ella se apuntó a la modernidad, en lugar de quedarse en el confortable paraíso perdido de un Hollywood irrecuperable. Supo adaptarse a los tiempos, ser solidaria cuando el término ni siquiera era popular, bautizar a Jacko como el 'Rey del Pop' y apoyar a su amigo Rock Hudson en su lucha contra el SIDA. Aquella lucha la convirtió en suya y con ella hizo más por el término 'gay friendly' que todas las canciones de Elton John o Barbra Streisand. Por eso, ni sus imitaciones en el programa 'El informal', ni las continuas bromas sobre el oropel que rodeaba su vida de vieja estrella decadente hicieron mella en mi admiración.

Sin embargo, hoy, día de su muerte, prefiero recordarla, más que como a una vieja gloria, como a una niña en su primer gran éxito fílmico. Prefiero pensarla como la joven 'jockey' de 'Fuego de juventud' (Clarence Brown, 1944) que soñaba con sus ojos violeta lo maravilloso que sería montar a caballo en una competición de carreras. Era maravillosa aquella niña que enamoró a una América en guerra y al mismísimo Louis B.Mayer, que la acabó contratando. Aquella pequeña que miraba hacia arriba, hacia una imposible utopía metaforizada en un cine maravillosamente irreal, es la que más me reconforta a la hora de pensar en una gran señora como usted y en un día como hoy, el día en el que me doy cuenta de que he perdido a una amiga a la que jamás llegaré a conocer.

La Red Social (David Fincher, 2010) : Hazte fan

2010-10-04T22:03:00.002+02:00

Orson Welles tuvo su 'Ciudadano Kane', Martin Scorsese su 'Aviador' y Oliver Stone su 'Alejandro Magno'. Ahora le toca el turno a David Fincher con su Mark Zuckerberg, cuya ambición, capacidad creativa y oscuridad moral bien podrían asemejarse a la de esos otros personajes que, a menudo de la nada, construyeron imperios aun a costa de su propia integridad y felicidad. ¿Cómo hacer que una película sobre algo tan inmaterial y reciente como Facebook sea viva, interesante y uno de los más originales biopics de los últimos años? La respuesta está en la sencillez de un Fincher alejado de las florituras visuales de 'El club de la lucha' o 'Seven' y en un guión, el de Aaron Sorkin, que a base de flashbacks y diálogos rápidos, irónicos y vibrantes, construye una dura y muy objetiva metáfora del mundo en que vivimos.

Las primeras dos secuencias de 'La red social' ya nos dan una idea de lo que vamos a ver a continuación: el joven rechazado por su novia que se venga hackeando la red mientras sus compañeros de universidad celebran a lo grande la entrada en una de esas hermandades a las que él quiere pertenecer: el impuslso creador que nace del ostracismo social y el montaje paralelo que hará que, más adelante, veamos pasado y presente, litigios legales y recuerdos acerca de la creación de la que ya es la red social por antonomasia: Facebook. En una especie de 'Rashomon' en el que se da un repaso al creador y a su tridimensionalidad desde varios puntos de vista, Fincher habla de la amistad traicionada, de la ambición sin límites y del muy adolescente deseo de integración social, solo que esta vez esa integración supone unos cuantos dividendos y unas cuantas enemistades. Y si algo sabe David Fincher es que, en este cuento de avaricia y genialidad, no se deben buscar culpables. Las traiciones de Zuckerberg están expuestas sin emitir juicio alguno y el espectador es testigo de las consecuencias de sus actos más que de la ejecución de los mismos. Además, de forma objetiva. Somos testigos de su lado oscuro pero también de su genialidad, de su falta de empatía y de su infantil ansia de poder; en definitiva, de su antipática pero identificable humanidad.

Mucho tiene que ver en ese distanciador retrato la interpretación de Jesse Eisenberg, que amplia su sempiterna imagen de Woody Allen 'nerd' del siglo XXI hacia una oscuridad y una dimensión que, paradójicamente, necesita de muy pocos diálogos para manifestarse en una película llena de ellos. Basta verle cabizbajo en una escena crucial, mientras su equipo celebra el millón de usuarios, para convencerse de su crecimiento como actor. Igualmente bien nos encontramos a Justin Timberlike, que por fin se gradúa como sólido intérprete gracias a un personaje, el del creador de Napster, cuya energía es capaz de arrastrar al protagonista y al propio espectador. Ayuda también una banda sonora que nos 'dispara' y nos mete de lleno en la sinergia de una película que propone unas cuantas verdades sin adoctrinar: que en tiempos de interconexión planetaria seguimos estando solos y que uno de los mayores inventos del nuevo siglo nació del neurótico narcisismo de un adolescente. Guste o no guste Facebook, este retrato generacional va a llenar muchos de los 'muros' de su página y va a hacer que del botón 'Me gusta' salgan chispas virtuales.

CALIFICACIÓN: **** (sobre *****)

Terrence Mallick: El cine como experiencia sensorial

2010-03-01T14:33:00.001+01:00

El ahora tan de moda concepto de inmersión en lo que a cine se refiere no es algo que se limite al 3D o a la capacidad de asombrar del James Cameron de "Avatar". Si Hitchcock decía que lo importante no era lo que se cuenta sino cómo se cuenta, directores como Stanley Kubrick o Gus Van Sant siempre han valorado más la experiencia del espectador a la hora de ver una película por encima de los diálogos brillantes o las tramas complejas (a pesar de esa peculiar forma narrativa que poseía la hipnótica "Elephant" en el caso de Van Sant).Sin embargo nadie ha llegado tan lejos como Terrence Malick. En sus cuatro películas ha buscado complacer los sentidos del espectador. Cine hecho de sonidos, una cuidada fotografía y un tempo que invita a lo comtemplativo han sido las características fundamentales de sus cuatro películas rodadas a lo largo de cuatro décadas.

"Malas tierras" (1973) redefinía el concepto de road movie de pareja criminal convirtiéndose en el universo caótico y bello de una adolescente llevada por el mal camino y la más reciente "El nuevo mundo" (2005) se convertía en un poema visual sobre Pocahontas y el doloroso nacimiento de América. Entre ambas películas se encuentra "La delgada línea roja" (1998) y "Días del cielo" (1978) que ha supuesto mi gran experiencia cinematográfica de esta navidad. Si la fotografía del español Néstor Almendros ya es para quitarse el sombrero, la historia, una especie de cuento bíblico de amor y avaricia narrado desde el punto de vista de una niña, se mete en los sentidos. Los sonidos del viento, las imágenes de los campesinos al atardecer o la sensación de nostalgia dan forma a una película única y espectacularmente bella. Las señas de Mallick se dejan ver: a pesar de la belleza, no hay lugar para la cursilería. De hecho, la ambición de una pareja de campesinos que intentan hacerse pasar por hermanos para quedarse con la herencia de un capataz enfermo de cáncer es bastante perversa. Y el final, catárquico y triste, es una gran oportunidad interpretativa para su protagonista, un jovencísimo Richard Gere.

En un 2010 en el que los últimos estrenos dan una imagen algo caótica y deficiente del cine norteamericano actual, revisionar a un autor como Mallick es una especie de reconciliación con Hollywood. Al contrario que otros "lumbreras" del cine de los 70 como Coppola o Scorsese (por no hablar de Bogdanovich o Cimino, "expulsados" para siempre de la primera fila de esa generación), Mallick ha sabido conservar su esencia sin dejarse intimidar por unas majors que, cada vez más, buscan la rentabilidad y las ganancias de una forma feroz.

70 años sin llevársela el viento

2010-01-03T15:26:00.002+01:00

Si me preguntasen por la película descubierta en televisión que más me ha impactado mi respuesta sería inmediata: "Lo que el viento se llevó". En estos días navideños se ha celebrado el 70 aniversario de su puesta de largo en Atlanta, el 15 de diciembre de 1939. Para mí el aniversario no será tan extenso, ya que el 30 de septiembre de este recién nacido 2010 celebraré los 15 años que hace que la vi. Fue una tarde de otoño mientras pasaba el fin de semana con mis padres en un pueblo de Granada donde tenemos una casa. La luz rojiza que entraba por la ventana era como la de aquel impresionante Tecnicolor de Tara, la hacienda de Escarlata (siempre me gustó llamarla así en lugar del original Scarlett) y, de alguna forma, aquella historia épica tuvo un enorme efecto en mí. Tanto que, durante las siguientes navidades, corrí a comprármela en vhs. Comprando la nueva edición en dvd por su 70 aniversario y revisando extras tan interesantes como la película televisiva "La guerra por Escarlata O'Hara"´(una recreación más humorística que real de cómo David O'Selznick buscó a la actriz perfecta para interpretar al personaje ideado por Margaret Mitchell) no puedo evitar recordar aquella lejana tarde de sábado y preguntarme por qué esta grandilocuente historia sobre la Guerra de Secesión sigue siendo la película más popular de todas cuantas se han rodado. Muchas de sus coetáneas envidiarían la longevidad de esa fama. De hecho, aunque todavía celebramos clásicos de los años 30 como "Jezabel" o "La diligencia", la mayoría de los espectadores que ven "el viento" siempre que es emitida por alguna televisión los desconocen por completo.

Desde un punto de vista puramente académico, la cinta producida por Selznick y dirigida por un rosario de directores entre los que predominan George Cukor y Víctor Fleming, ha sido rechazada por su exagerado kitsch, su melodramático e irreal sentido histórico y por la predominante correción política que ve negativa la visión de los esclavos felices mostrada en pantalla. Sin embargo, no se paran a pensar en lo potente de sus imágenes arquetípicas (esos espectaculares contraluces al lado del árbol que, a través de la narración, muestran la evolución del personaje principal antes, durante, y después de la Guerra de Secesión) en un tempo que avanza fluidamente, en muchas ocasiones mediante sobretítulos o cartas que tienen que ver con lo que les pasa a los personajes, y en un dominio magistral de cada encuadre para sacar el máximo partido a unos lujosos decorados y a un exquisito vestuario. No en vano, Selznick desafió la duración de las películas de la época, el hecho de que la mayoría fuesen en blanco y negro y la moral predominante. Eso es precisamente lo que deberían ver los cinéfilos más gafapasta. El hecho de que Escarlata sufre una odisea al más puro estilo homérico, para aprender la lección que su padre le da al inicio de la historia ("La tierra es lo único por lo que merece la pena luchar, porque es la única cosa que perdura") y que lo hace siendo amoral, sin una serie de principios éticos que eran básicos para el conservador Hollywood de los 30. Además, el uso metafórico del color sería envidiado por el mismísimo Douglas Sirk, y el de las ventanas o escaleras tan queridas por el melodrama de antaño, por el mejor William Wyler

Pero no nos engañemos, es la cínica, luchadora y bellísima Escarlata de Vivien Leigh la que nos sigue conquistando. En sus ojos verdes y en ese afán de superación que no siempre implica elegir el mejor camino, nos vemos reflejados. También en el arrogante y sarcástico Rhet Butler encarnado por Clark Gable. Si la dinámica de la relación entre ambos ha resistido siete décadas es porque contiene toda la ironía envenenada de la mejor comedia de sexos, esa pletórica de diálogos geniales. Sin embargo, lo que los más duros intelectuales no pueden entender es que ésta, mejor que ninguna otra, es la película que mejor ejemplifica lo que fue el sistema de estudios. En ese Hollywood que confiaba en la inteligencia y la sensibilidad de sus espectadores, la sublimación visual y sonora de las emociones era tan habitual como lo es hoy el pudor hacia ellas. A ese Hollywood sí que se lo llevó el viento. Tal vez fue eso lo que yo vi en aquella tarde de hace 15 años y lo que hace que, para un servidor, "Lo que el viento se llevó" sea aún una cinta adolescente de la que seguiré enamorado hasta su ancianidad...y durante mucho más tiempo.

Uno de los trailers de reestreno de esta obra maestra ganadora de 10 Oscar que sigue siendo, en número de entradas vendidas, la película más vista de la historia del cine.

"AVATAR" (James Cameron, 2009): Vieja y cara novedad

2009-12-22T04:31:00.002+01:00

Hace ahora 12 años una película cautivó a espectadores de todo el planeta no sólo con su presupuesto desorbitado, sino con una banda sonora capaz de tocar hasta al más cínico, una lujosa recreación histórica, unas imágenes que recurrían al kitsch más fastuoso y unos actores creíbles incluso con los pobres diálogos que salían por su boca. Esa película tenía nombre de trasatlántico tocado por la tragedia y se llamaba "Titanic", cinta por la que siento una pasión que va más allá de sus muchas e indudables cualidades cinematográficas. Que su director, el autoproclamado "rey del mundo" James Cameron, haya tardado 12 años en volver a hacer una película suponía un plus de excitación ante una nueva obra que se ha anunciado como revolucionaria y capaz de cambiar el curso de la historia del cine. Esta es una verdad a medias. La historia de un ex marine parapléjico enviado al planeta de Pandora para convertirse en un avatar e introducirse en la cultura indígena que la puebla es ciencia ficción asombrosa desde las gafas 3D pero épica ya vista desde un punto de vista argumental.

La gama cromática del planeta imaginario, la sorprendente utilización del "capture emotion" que hace verosímiles a los personajes digitales previamente interpretados por Sam Worthington y Zoe Saldana, y los espectaculares movimientos de cámara tanto de las secuencias de acción como de las más poéticas, suponen todo un avance en cuanto a efectos especiales y tecnología punta. Sin embargo, cualquiera que haya visto "Pocahontas", "El Nuevo Mundo"o "Bailando con lobos" se dará cuenta de que este cuento ya nos lo habían contado antes. Utilizar las historias de siempre para hacer algo diferente es la base de muchas (las mejores) obras artísticas. La propia "Titanic" no era sino un clásico cuento de hadas épico, con amor y una tragedia final de proporciones bíblicas. Sin embargo, en la que sigue siendo la cinta más taquillera de todos los tiempos, Cameron lograba emocionar y conseguía que el espectador empatizase con sus protagonistas, algo que se echa de menos en este colosal e inflado videojuego. Porque eso es lo que parece en ocasiones.

La absoluta previsibilidad de la historia, incluída su nada creíble parte amorosa, esconde también defectos garrafales como la monolítica interpretación de Worthington, el patético uso de la cámara lenta en situaciones presuntamente dramáticas o una mediocre banda sonora del autoplagiador James Horner. Si a eso le añadimos casi tres horas de duración con unas gafas enormes que producen dolor de cabeza, la sensación de querer abandonar Pandora es irresistible para muchos. Y no es que la película no posea méritos. La voz en off del protagonista y el expositivo montaje paralelo del principio sitúan de una forma convicente al espectador. La defensa ecológica y la parábola antimilitarista, aunque poco originales, son loables en una superproducción que dicen ha costado la friolera de 500 millones de dólares. Pero el final está cantado desde el principio, algunos diálogos ("Yo también tengo armamento, capullo" o alguno similar suenan a cinta proculturismo de los 80) son indescriptibles y, lo peor de todo, los personajes dan absolutamente igual. Un servidor duda mucho que a la gente le importe el destino del pueblo navi' en lo que parece ser un reflejo de la población india que ha poblado westerns como la estupenda "El gran combate" de John Ford.

Lo que importa en "Avatar" es el avance técnico. El ansia de Cameron por hacer que su obra sea circular lo lleva a iniciar y finalizar la película con un primer plano de los ojos del protagonista en dos mundos completamente diferentes. De eso se trata. De saltar del mundo real al de Pandora, del realismo al otro lado del espejo de Alicia, del cine de siempre a otro megapixelado en donde el ordenador es el supremo creador de la historia. Y en ese sentido, la película cumple con creces su cometido. Pero también "El cantor de jazz", "La feria de las vanidades" o "La túnica sagrada" introdujeron importantes novedades (el sonido, el color y el cinemascope) y hoy pocos se acuerdan de ellas o mencionan su grandeza. Y es que para contar cuentos de siempre, hay que contarlos bien, y parece que el rey del mundo se ha olvidado de hacerlo.

CALIFICACIÓN: ***

ERROL FLYNN: 50 AÑOS SIN UN VIVIDOR DE CINE

2009-10-15T23:20:00.004+02:00

Seguramente sería bonito decir que descubrí a Errol Flynn en una de esas sesiones televisivas de sábado por la tarde en TVE, o que me quedé maravillado ante su descaro y sus bravuconas interpretaciones en 'Robin de los bosques' o 'El capitán Blood'. Sin embargo, si dijera eso mentiría como un bellaco. Conocí al señor Flynn cuando leí que Marilyn Monroe le vio tocar el piano en una fiesta con su miembro viril, y cuando un amigo cinéfilo me contó los dobles espejos que colocaba en su mansión para espiar las orgías que él mismo organizaba. Conocí, por tanto, el lado más pendenciero y pasado de rosca del galán aventurero por excelencia de Hollywood, admirado ante los desenfrenos sexuales en su yate, donde llegó a colocar una filibustera bandera con un pene erecto dibujado en ella como símbolo de su absoluta libertad.

Después llegó el Flynn actor, y cuando vi la perfección técnica y el encanto de películas como 'Dodge City' o 'Murieron con las botas puestas' no pude más que desear vivir dentro de una de esas aventuras espectaculares y reconocer que muchas de ellas eran auténticas obras maestras. Aquellas cintas de sabor añejo eran preparadas en serie por la Warner y siempre contaban con el mismo equipo: el galante Errol, su eterna compañera, la dulce Olivia de Havilland, y el malhumorado pero genial director Michael Curtiz. Las leyendas acerca de la preparación de las mismas dan buena cuenta del carácter socarrón de su protagonista. Como si de leyendas persas se tratase, cuentan que Flynn dirigía toda clase de improperios a Curtiz, que metía serpientes en los vestidos de su compañera de reparto, bromeaba continuamente sobre el tamaño de su pene, y no dudaba en inyectar alcohol a las naranjas que comía entre toma y toma para desafiar la prohibición de beber alcohol en el set. Como reza el tópico, para el actor tasmano la interpretación era una aventura más. Quizá por eso, esa edad dorada del swabuckler, del cine de capa y espada, comenzó a declinar en 1941 cuando, tras estrenar 'Murieron con las botas puestas', la buena de Olivia prefirió la senda marcada por personajes de peso como el que había llevado a cabo en 'Lo que el viento se llevó' y Warner sustituyó a Curtiz por Raoul Walsh. Entre ese declive y una acusación por violación a una menor, la estrella de Flynn se fue apagando y de nada sirvieron sus intentos de producir y protagonizar una película sobre 'Guillermo Tell' o la ilusión de ser tomado en serio interpretando a otro emblema del escándalo, John Barrymore.

Tras su prematura muerte a los 50 años un 14 de octubre de 1959, fueron muchos los que vieron un cadáver que parecía el de una anciana momia. Otros se apresuraron a pontificar asegurando que el peor enemigo del actor era él mismo. Muchos fueron los que olvidaron que Warner se hizo de oro con sus aventuras. La propia Olivia de Havilland volvió a ver sus películas con Flynn en la intimidad y se dio cuenta de que muchas de ellas eran joyas y de que sus damiselas en peligro tenían mucho más corfaje y tridimensionalidad que otras muchas bellezas de ese tipo de cine. Quiso llamarlo por teléfono, reanudar una relación que en su día casi fue amorosa, pero se arrepintió en el último momento. El granuja de Errol la habría tomado por una vieja sentimental...Días más tarde, el actor había muerto y la actriz siempre lamentó no haber hecho esa llamada. ¿Cuál era entonces el mejor Flynn, el hombre o el actor? Personalmente, me habría encantado perderme por los bosques de Sherwood o dirigir el Séptimo de Caballería como él hizo en la ficción. Pero, qué duda cabe, prefiero al hombre que conocí gracias a las truculentas anécdotas que leí sobre su vida. Y es que, en el fondo, el bravucón del cine por antonomasia no estaba tan alejado de figuras patrias como Carmina Ordóñez. Su prematura muerte y su absoluta falta de disciplina remiten a la eterna niñez de la que beben sus películas; a la belleza de la autodestrucción. Es de justos reconocer que, hipocresías y moralinas aparte, hace falta mucho valor para autodestruirse, para vivir la vida como uno quiere, para beberse el mundo sin ese fantasma del miedo que tal vez nos convierte en seres sanos y aburridos por decreto... Reconozcámoslo, a todos nos gustaría ser Errol Flynn.

FELICIDADES, DORITA

2009-09-27T13:30:00.003+02:00

Porque Dorita es como se llamaba Judy Garland en ese rocambolesco pero genial doblaje en castellano de 'El mago de Oz'. Ya hablé hace tiempo de la película. No tengo mucho más que añadir ante una de las fantasías cinematográficas que capturaron la imaginación del público del siglo pasado y lo seguirá haciendo este siglo. La película de la Metro cumplió el mes pasado 70 años. Así pues, nada mejor que recordar ese 'Over the rainbow' eregido por derecho propio la canción cinematográfica por excelencia. ¡Felices 70, 'Mago de Oz'!

MALDITOS BASTARDOS (Quentin Tarantino, 2009): El arte del (buen) pastiche

2009-09-25T17:55:00.002+02:00

La duda es tan vieja como el propio cine o el arte en general: ¿se puede ser un gran artista sin tener referencias artísticas? Yo, que siempre he valorado el camino vital y cultural de las personas, creo que no. Las vivencias cinéfilas son las que hacen al director y lo engrandecen por mucho que tenga un talento innato. Nadie lo ejemplifica mejor que Quentin Tarantino, que hizo de las novelas pulp cine de culto con 'Pulp Fiction' y de las viejas películas de artes marciales un auténtico 'revenge explotation' llamado 'Kill Bill' con el que hasta el más cínico disfrutó. Con su eterna cara de demente y su apuesta por la irrealidad del medio, Tarantino ha vuelto a confeccionar una obra de remiendos que demuestra que la única forma de innovar es la de utilizar lo viejo, valerse de los referentes, para convertirlos en algo completamente nuevo. Y su monstruo, su Frankenstein, es quizá su criatura más valiosa.

La historia de una chica judía a la que se le presenta la ocasión perfecta para vengar a su familia y la de unos 'malditos bastardos' judíos que se dedican a cazar nazis en plena Segunda Guerra Mundial confluyen en una trama de clímax explosivo en la que Tarantino hace uso del anacronismo, de la música retro y de sus vivencias cinéfilas para dar vida a un auténtico (perdón por la pedantería) orgasmo cinematográfico. A nadie pasa desapercibido el talento del director para unir música e imágenes o alargar unos diálogos ingeniosos que, en esta ocasión, suponen un auténtico rosario de tensiones para el espectador en boca de unos malos 'de película', exagerados e hiperbólicos como ese Hitler gritón mezcla de Chaplin y del cine de Lubitsch. No es su único homenaje al séptimo arte en una cinta que hace de un cine su localización crucial. Los primeros minutos, ricos en el uso de los silencios y de unos tensos primeros planos, recuerdan al mejor spaguetti western de Sergio Leone. La presentación de los bastardos (a la postre mucho menos protagonistas e importantes en la trama de lo que desearía el espectador) podría pertenecer a un buen thriller de serie B de la década de los 70, y la escena en el café (en la que King Kong simpatiza con Greta Garbo, metafóricamente..) hace de Diane Kruger una digna heredera de la Carole Lombard que combatía a los nazis en 'Ser o no Ser'. Todos esos momentos, de una originalidad e inventiva sin límites tanto en la puesta en escena como en el guión (grandes los guiños al espectador repitiendo el recurso del vaso de leche o el de la cruz gamada grabada en la frente), desembocan en un quinto capítulo violento, divertido e incluso poético. Es entonces, en esos últimos minutos que reinventan a gusto la historia, cuando el homenaje y el pastiche quedan plenamente justificados. Ante ese clímax de auténtica dinamita cualquiera se puede dar cuenta de que Tarantino hace suyo este recital hecho de remiendos.

A esas alturas a nadie le importa que los bastardos estén poco definidos o que su misión no acabe de encajar del todo con la venganza de la chica judía. Tampoco que Brad Pitt se limite a mostrarnos una histriónica vis cómica, que haya escenas innecesariamente alargadas o que el plano inserto que nos repite a los alucinados espectadores que Mélanie Laurent es la chica que huyó de la masacre del coronel Landa (grandioso Christoph Waltz). Lo único que nos importa es el reconocimiento ante dos de las mejores horas que se pueden pasar en una sala oscura. Dos horas que demuestran que el pastiche es quizá la única vía para hacer buen cine.

VALORACIÓN: ****

Trailer en español de la película

John Hughes (1950-2009): el 'alter ego' de los adolescentes

2009-08-08T16:53:00.003+02:00

El hecho de que el instituto que aparecía en 'No es otra estúpida película americana' (otro de esos refritos sobre la vida en los 'high school' norteamericanos) se llamase 'Instituto de secundaria John Hughes' da una idea de lo importante que fue este nombre para ese cine de animadoras, fiestas de fin de curso y romances a golpe de canciones pop. En los años 80, en plena era Reagan , la idea que Hollywood tenía de los jóvenes era la de los descerebrados de 'Porky's' o las aterrorizadas féminas que huían del cuchillo de un psicópata en sagas de terror como la de 'Halloween'. Por eso fue tan refrescante la llegada de este hombre fallecido el pasado jueves a los 59 años de edad. Cuando escribió y dirigió 'Dieciséis velas' en 1984, hizo que sus personajes hablasen, vistiesen y se comportasen como cualquier adolescente de Estados Unidos. Al año siguiente, cuando se estrenó 'El club de los cinco' ya estaban claras las directrices de ese cine en el que solía aparecer la pelirroja Molly Ringwald: localizaciones en su Chicago natal, humor a raudales y la identificación absoluta con unos personajes que discutían las verdades absolutas de sus padres, vestían ropa ancha y escuchaban grupos de la new wave de moda durante aquellos años. No es de extrañar que esa representativa película fuese preseleccionada por el American Film Institute para figurar como una de las 100 mejores de la historia del cine yankee.

Tras ella vinieron 'Todo en un día', que convirtió a Matthew Broderick en un fenómeno adolescente y por supuesto 'Solo en Casa', historia que, a pesar de no dirigir él mismo, partió de su creatividad. Se le ocurrió cuando, en un centro comercial, perdió por unas horas a su hijo pequeño. Este incidente fue la base de la película más taquillera de 1990, aquella que convirtió en estrella a Macaulay Culkin, generó dos secuelas y estableció un nuevo clásico navideño gracias a la banda sonora de aires tchaikovskianos de John Williams. El mayor éxito de Hughes significó también el principio del fin de su racha creativa. Ni el remake de 'De ilusión también se vive' ni sus intentos por enriquecer sagas familiares (la del perro 'Beethoven' y su humor absurdo, por ejemplo) fueron demasiado fructíferos. Y después, llegó un retiro en el que, al más puro estilo Garbo, no quiso conceder entrevistas ni ejercer de mesías salvador del cine adolescente. Viendo películas de finales de los 90 como 'El diablo metió la mano', o sofisticados productos 'teen' de esta década como la hemoglobínica y rica en efectos especiales 'Crepúsculo' o musicales de moda como 'High School Musical', tal vez se dio cuenta de que su época, la de la comedia sobre personajes de corta edad, había terminado en apenas 20 años. Resulta curiosa la calurosa despedida que se le ha rendido en su país natal. Y es que, como el del difunto Michael Jackson o el de la clásica Nintendo, el deceso de John Hughes hace un poco más viejos a aquellos que fueron jóvenes en los 80, antes de que todo cambiase, antes de que el cine de adolescentes mutase en anciano producto prefabricado.

Los vestigios del Código Hays

2009-08-08T16:29:00.005+02:00

Aquí os dejo un artículo que escribí hace justo un año sobre el 40 aniversario de la desaparición del Código Hays...

Para un Hollywood que mide el contenido de sus películas según la clasificación por edades, impuesto en noviembre de 1968, es difícil recordar que, hasta hace 40 años, el ´Código Hays´ regía lo que era moralmente aceptable y lo que no en la meca del cine. Durante varias décadas, en plena Edad de Oro de Hollywood, fue imposible ver besos que durasen más de 30 segundos, relaciones interraciales o cualquier mínima simpatía hacia los criminales o los comportamientos ilegales mostrados en la gran pantalla.

El Hollywood previo al Código, el de los ´felices´ años 20 fue un nido de escándalos. Uno de los más sonados fue el del cómico Roscoe ´Fatty´ Arbuckle, que violó con una botella a la aspirante a actriz Virgina Rappe hasta matarla. El incidente, unido a varias muertes de actores por sobredosis, convenció a los norteamericanos de que la ciudad californiana era un nuevo Sodoma y Gomorra en donde imperaba la inmoralidad.
Todo ello condujo a la creación de la Asociación de Productores y Distribuidores en 1922, regida por un político republicano, Will Hays, que redactó un escrito en 1927 que debía ser seguido por los grandes estudios de Hollywood si querían que sus películas fuesen distribuidas y aceptadas por organizaciones tan conservadoras como la Legión de la Decencia. Así fue como, a partir de 1934, y con la asociación presidida por Joseph I. Breen, el Código amplió sus tentáculos en la industria y consiguió que sus rígidas normas estuviesen presentes en cada cinta estrenada.
Desde ese mismo año, la Jane de Tarzán tuvo que alargarse la falda, Mae West tuvo que controlar su procaz vocabulario y hasta un dibujo animado como Betty Boop pasó de ser una sexy provocadora a una buena chica de moral intachable. Lo que un año antes era aceptable (el lésbico beso de Greta Garbo a su doncella en ´La Reina Cristina de Suecia´), ahora era totalmente inadmisible.

Sin embargo, con la ley llegaron aquellos que se disponían a desafiarla. Howard Hughes insistió en acrecentar los pechos de Jane Russell como reclamo publicitario de su película ´El Forajido´, y Alfred Hitchcock alargó inteligentemente el beso entre Ingrid Bergman y Cary Grant en ´Encadenados´. La llegada de los 50, con la competencia de la televisión y el fin del monopolio de los estudios, vio la llegada de un nuevo tipo de cine de corte realista influido por las vanguardias europeas. Cuando el público y la crítica elogiaron la interpretación de Frank Sinatra como heroinómano en ´El hombre del brazo de oro´ (1955), las leyes del Código empezaron a parecer absurdas.

Muchos directores temían que sus películas fuesen boicoteadas en varios estados a consecuencia del imcumplimiento de las normas, pero otros las incumplían con humor. Una de las leyes más estrictas se refería a la insinuación de cualquier atisbo de homosexualidad en la pantalla, justo lo que hizo Billy Wilder al travestir a Jack Lemmon y a Tony Curtis en ´Con faldas y a lo loco´(1959). La Asociación de Productores le denegó su sello, pero el éxito fue tal que a nadie le importó. Lo mismo le ocurrió a Hitchcock con su visionaria ´Psicosis´ (1960). La revolución sexual y los derechos civiles que marcaron a la sociedad de los 60 hicieron el resto. Para cuando se estrenó ´¿Quién teme a Virginia Woolf´(1966), las normas redactadas por Will Hays se caían de viejas. Un año después de ser abolido en 1968, ´Cowboy de medianoche´, una película que hablaba sobre la prostitución masculina, rompió taquillas, y las restricciones del viejo Hollywood dieron paso a un nuevo cine en el que todo era posible.

Artículo original:

http://www.laopiniondemalaga.es/secciones/noticia.jsp?pRef=2008083100_11_202134__Luces-de-Malaga-Codigo-puso-jaque-Hollywood

'BEN-HUR': 50 años después

2009-08-08T16:22:00.004+02:00

Aquí dejo un artículo que escribí hace unos meses en 'La Opinión de Málaga' con motivo del 50 aniversario de la famosa película de William Wyler...

La película bíblica más famosa de la historia del cine nació de la necesidad. La Metro Goldwyn Mayer ya no era el imperio perfecto y rentable que había supuesto durante la época de la Depresión, cuando Louis B. Mayer ejercía de comandante jefe del estudio más grande de Hollywood. La televisión comía terreno a la pantalla grande, el estudio del león estaba en crisis y la solución fue recurrir a la novela del general Lee Wallace de la que habían comprado los derechos en los años 20, cuando Fred Niblo rodó su propia versión, muda y con un atlético Ramón Novarro.

El primer paso fue encontrar la localización adecuada, y son muchos los italianos que recuerdan con afecto y sopor como medio Hollywood se trasladó a los estudios romanos de CineCitá, donde se rodaría esta historia de un judío rebelde que busca vengarse de un amigo de la infancia, el romano Messala, cuando éste destruye la vida de su familia y lo condena a él a la esclavitud. El presupuesto ascendió a los 15 millones de dólares y los problemas no habían hecho más que empezar. El estudio tuvo que pasar pos sus propias horcas caudinas. Pensaron una y mil veces en qué director habría de ser el elegido para manejar semejante mamotreto. El que acabó haciéndolo, William Wyler, no era el más idóneo a la vista de dramas como ´La loba´, que lo habían convertido en uno de los realizadores señeros de Hollywood. Wyler, en cambio, lo tenía clarísimo: "Siempre quise rodar una película como las de Cecil B. DeMille", dijo en alusión al mítico creador de espectáculos bíblicos ´bigger than life´. En cuanto al actor, fue Charlton Heston el elegido. Paul Newman había rechazado el personaje por considerar que sus piernas no eran "lo suficientemente bonitas" como para lucir la falda corta de los romanos. Y en cuanto a Rock Hudson, homosexual ´armarizado´, sus agentes le previnieron del peligro de rodar semejante historia, que no ocultaba ciertas ambigüedades sexuales en la amistad y enemistad entre el protagonista y su némesis, Messala.

Un patriota convencido como Heston no podía ser consciente de algo que le habría parecido una aberración. Después de todo, la censura del Código Hays tampoco hubiese dejado pasar a un ex Moisés reconvertido en el amor de otro hombre. Por eso el guionista Gore Vidal, que nunca figuró en los títulos de crédito, el propio director y el coprotagonista Stephen Boyd fueron cautos a la hora de engañar a Heston, poco hábil en cuanto a sutilezas interpretativas.

Semejante ir y venir de guionistas, aumentos de presupuesto y agotadoras reconstrucciones de la época de Cristo (se tardó más de un año en construir el circo romano que sirve de telón de fondo a la famosa carrera de cuádrigas) se cobraron unas cuantas víctimas. Uno de los extras resultó gravemente herido en la más famosa escena del filme, rodada por el mítico especialista Yakima Canutt. La otra víctima fue el productor Sam Zimbalist, fallecido a causa de un infarto tras el crispado rodaje. El resultado fueron 11 Oscars que supusieron un récord, y la mitificación de una cinta que ha inspirado a cineastas como George Lucas y sigue siendo la favorita de los que, en su mesa camilla, prefieren revivir la Antiguedad en el sofá de su casa, lejos del bullicio, más o menos festivo, de las procesiones.

Artículo original:

http://www.laopiniondemalaga.es/secciones/noticia.jsp?pRef=2009040500_11_249671__Luces-de-Malaga-coloso-cine

Quince años de quinceañeras

2009-07-16T01:39:00.003+02:00

Decía Pilar Miró que defendería hasta la muerte 'Mujercitas' como una de sus películas favoritas. Se refería la difunta al clásico de 1949 que la crítica de gafapasta ha denostado durante décadas en beneficio de la película del mucho más reputado George Cukor de 1933 que también adaptaba la novela de Louise May Alcott. El archiconocido libro contaba la historia de cuatro hermanas adolescentes durante los años de la Guerra Civil americana que se enfrentan no sólo a un conflicto bélico que hace añicos su familia sino a la dura y poco agradable tarea de crecer. El sólo título de 'Mujercitas' ya produce una especie de sarpullido en todo aquel que se enfrente a semejante volumen o a la tarea de ver la película. No fue mi caso. Hace ya 15 años comprendí lo que la Miró quería decir.

Sucedió una tarde de sábado en la que una saneada y socialista TVE colocó en su parrilla de programación la película de Mervyn LeRoy, la joyita de la Metro de 1949, con sus idílicos colores de postal navideña y su bien entendida ñoñería. Para Pilar Miró, aquel mundo irrealmente feliz y añejo hablaba de manera profunda de la adolescencia femenina y de la frustración de abandonar el hogar para enfrentarse a lo desconocido. Para mí fue el descubrimiento del Hollywood dorado, con sus bienes y defectos, con su inalcanzable perfección y su osado sentido de la felicidad. Recuerdo como si fuera hoy que mandé callar a mi padre cuando nos interrumpió a mi madre y a mí, extasiados ante la gama de colores y sentimientos desaforados que inundaban la pequeña pantalla y que, al ir al colegio a la mañana siguiente, me hicieron rebobinar el vhs y volver a ver a esa madre encarnada por Mary Astor que, bajo una luz anaranjada, va entrando en la habitación de cada una de sus hijas (una de ellas la entonces pizpireta Elizabeth Taylor) para darles las buenas noches. Al hecho innegable de que yo deseaba una familia así para mí también, se unía el florecimiento de la cursilería preadolescente que imagino que ha padecido todo mortal.

Con los años me di cuenta de que no era la mejor película del mundo, vi auténticas obras maestras que me hicieron replantearme mi propia vida y sufrí demasiados sinsabores como para creer que la Nueva Inglaterra de estas cuatro chicas ideada por el director artístico de la Metro Goldwyn Mayer existía realmente. Incluso llegué a cogerle cariño a la versión de 1994, aquella que protagoniza Winona Ryder y que contiene una de las bandas sonoras más elaboradas y bellas de Thomas Newman. A pesar de los años transcurridos y de todo ese itinerario vital, sigo afirmando mi amor por el recuerdo de aquella tarde de sofá junto a mi madre y por las palabras de Pilar Miró. Lo que ella defendía, a mi parecer, es algo tan anticuado y obsoleto como la magia del cine; el derecho del espectador, tantas veces incomprendido, de evadirse y disfrutar con algo simple, tan atávico como el sentimiento de hogar tan genuinamente americano y ejemplarmente ilustrado en esta cinta; el derecho de ver la belleza sin adulteraciones y de disfrutarla y hacerle justicia. Louis B.Mayer, jefe del estudio durante aquellos años, decía que quería hacer "películas bonitas sobre gente bonita". No puede haber un comentario más reaccionario que ese en un arte polivalente y ambiguo como es el cine, pero el regodeo en la cursilería y en la falsedad del Hollywood añejo y dorado que eterniza 'Mujercitas' es algo que enmudece incluso al campeón de los cínicos. Yo me alegro de haberlo descubierto a la tierna y precínica edad de 11 años...hace ahora tres lustros. ¡Feliz aniversario, quinceañeras!.

Una de las escenas más divertidas de la película: aquella en la que Amy, interpretada por Elizabeth Taylor, es castigada y acaba presumiendo delante de sus compañeras de clase.

"WILD BOYS OF THE ROAD"(William A. Wellman, 1933) & "EL LIMPIABOTAS" (Vittorio De Sica, 1946): Infancias miserables

2009-06-18T22:51:00.002+02:00

Probablemente la edad de oro de Hollywood y la etapa de posguerra que dio origen al neorrealismo italiano nunca estuvieron tan hermanadas como a través de estas dos joyas del cine, pocas veces vistas y pocas veces juzgadas por la prensa especializada. Tanto la una como la otra cuentan historias crueles, llenas de desesperanza, sobre la infancia y la juventud en tiempos de penuria. Sin embargo, intenciones y resultados no siempre van de la mano y las diferencias entre ambos tipos de cine son bastante notables. Una cosa si tienen en común: la maestría de sus narradores y el valor de mostrar esa edad de ilusiones como un gran infierno relacionado directamente con el aparato económico de dos países muy diferentes.

WILD BOYS OF THE ROAD (1933): **** 1/2

La película de Wellman, al que nunca se consideró más que un artesano aventurero (de ahi su apodo "Wild Bill") que expresaba sus quiméricas bravuconadas en forma de celuloide y sin un estilo definido, es quizá una de sus obras más personales, si es que alguna vez las tuvo. La historia de dos amigos que ven como su feliz mundo de fiestas a ritmo de jazz y de filtreos con chicas se vienen abajo con el desempleo de sus padres y la quiebra económica, es una road movie que se acerca a la propia juventud itinerante de Wellman. Los dos jóvenes de la cinta se cuelan en el tren y se unen a un grupo de vagabundos juveniles que buscan trabajo, se escabullen de la policía y tratan de sobrevivir en un mundo que se destruye al mismo tiempo con destruirlos también a ellos.

Lo curioso de esta cinta protagonizada por Frankie Darro (que años después colmaría su popularidad siendo el doblador de 'Polilla' uno de los personajes más populares del "Pinocho" de Disney) es que, un año antes de la implantación del Código Hays, habla de temas escabrosos y muestra la dureza de la Gran Depresión que afectó a Estados Unidos a través de una fotografía hiperrealista que no es ajena al rodaje en exteriores denostados por la pobreza. Además, aunque intenta evitar dejar mal al aparato policial y con ello a todo un país que depositaba su confianza en sus instituciones, uno no puede evitar sentir la presencia de esa masa anónima de hombres armados como un ente negativo. La prueba más palpable de esa visión de conjunto de los policías es el hecho de que tan sólo tengan dos líneas de diálogo en toda la película ("Yo también tengo hijos", le dice un compañero a otro mientras dispersan a los chicos a través del agua) Precisamente esa secuencia finaliza con el plano de la pierna ortopédica de uno de los chicos protagonistas tirada en el suelo, todo un símbolo de la desesperanza. A ese momento clave para entender la película, rodado con una gran precisión y con un enorme dominio en las escenas de masas, lo precede otro no menos cruento: la terrible secuencia en la que nos toca ver cómo ese chico pierde la pierna a manos de un tren; secuencia ésta que, por su montaje y uso de los primeros planos, envidiaría el mismísimo Hitchcock. Ni siquiera el impostado final feliz puede arruinar momentos así, que dan forma a una de las películas más duras y más originales que se hayan rodado jamás sobre la Depresión.

"EL LIMPIABOTAS" (1946): *****

Aunque VittorioDe Sica fuese uno de los grandes maestros del cine italiano, pocas veces se le incluye en listas de prestigio que sí cuentan con nombres como los de Federico Fellini o Luchino Visconti. En ese aspecto seguramente tiene mucho que ver con William Wellman. Sin embargo, el neorrealismo italiano estaba lejos de cualquier atisbo hollywoodiense. Esta película la protagonizan también dos chicos, pero éstos limpian botas a los norteamericanos que pululan por una Italia de posguerra y su gran sueño no es el de devolver el trabajo a sus padres sino el de comprar un caballo que se convertirá en la gran metáfora de su libertad y sus ilusiones.

Nada más comprar ese caballo, los dos niños se verán envueltos en una trama de corrupción para vender unas mantas procedentes del mercado negro a una incauta señora. Eso hará que pasen sus días en un reformatorio penal y que el espectador vea las míseras condiciones en las que vivían los pequeños que pasaban por allí. Hambre, necesidad, falta de afecto...con todo eso se las tendrán que ver. Incluso su amistad se acaba rompiendo ante el chivatazo de uno de ellos, lo cual hará que se conviertan en enemigos acérrimos y que uno acabe destruyendo al otro en una de las escenas finales más poéticas y tristes que se hayan visto jamás en la gran pantalla. En ese final, rematado por un plano del caballo de los niños cabalgando solo en plena noche, los sueños rotos no son solamente los de ellos dos, sino los de todo un país. Lo mejor de la película de De Sica es que no se ceba en nadie, los dos actores, Franco Interlenghi y Rinaldo Smordoni, aparte de ser dos magníficos actores no profesionales no son buenos ni malos, y los encargados de mantener el orden en la prisión se debaten entre la dureza del cargo y la fe ciega en la ley sin caer en el maniqueísmo caricaturesco de los alemanes de "Roma, ciudad abierta" (ejemplo de una película clave del neorrealismo con muchísima mejor prensa que ésta). A veces se ha discutido la valía de esta obra maestra por cuestiones absurdas. El efecto poético de su final rodado en decorados, el uso de la banda sonora o de las grúas metafóricas en las escaleras de la prisión han sido vistos como recursos formales ajenos al realismo puro y duro del movimiento neorrealista, como si una obra de arte tuviese que adscribirse ciegamente a cualquier dogma. "El limpiabotas" es, fuera de toda duda, una de las grandes películas del movimiento a la par que un magnífico y desolador retrato social que encuentra poesía en lo mundano y alcanza una emoción universal ajena a épocas o a movimientos cinematográficos. Alcanza la verdad de los sueños rotos de la infancia, de la amistad corrompida por la sociedad; la de la destrucción del alma más sensible que existe: el alma de un niño.

ENTREVISTA A DIEGO FALCÓN, actor

2009-06-05T23:47:00.000+02:00

Diego Falcón ha vuelto a sus orígenes, nunca mejor dicho. Malagueño que tuvo que proceder a un autoexilio madrileño para encontrar trabajo como actor, representa uno de los papeles fundamentales de ‘Hoy no me puedo levantar’, el musical inspirado en las canciones de Mecano que estos días se representa en el Teatro Cervantes.

1.-¿Qué se siente al volver a su tierra con un trabajo fundamental en su carrera?

Muy contento. Después de los años que estuve aquí intentando sacar la cabeza sin conseguirlo, volver aquí tras 10 años es una alegría.

2.-¿Cómo lleva la paradoja de hacer camarero en la obra cuando lo fue en la vida real?

Creo que bien. De hecho, el primer papel que hice en el instituto era también de camarero. Mi teoría es que después de muchos años trabajando detrás de una barra puedes ser dos cosas: o actor o psicólogo, porque haces de confidente con todo el que pisa el bar. Lo bueno de eso es que detrás de una barra ves la vida pasar y eso te sirve mucho después.

3.-¿Era duro ser actor en una ciudad como Málaga?

Ser actor es duro en cualquier sitio pero en ciudades en las que hay pocos teatros o no hay costumbre por parte del público de ir a ver obras lo es aún más. Era difícil serlo en Málaga, y eso que yo soy promalagueño y hasta tengo mi peña malaguista en Madrid. Por eso creo que es una pena que el orgullo que yo siento por mi ciudad no lo pueda aplicar al teatro y a la cultura.

4.-Además de camarero fue una especie de ‘chico para todo’

Sí, de hecho, antes de esta buena racha tuve que hacer de Santa Klaus en un centro comercial...¡yo que soy más de los Reyes Magos!

5.- ¿Encontró apoyo en su familia?

A mi familia le costó mucho aceptar que fuese actor. Imagina cuando les dije a mis padres, que eran humildes, que quería ser actor...Pero los pobres se sacrificaron mucho. Aprecio eso tanto que le dedico cada noche la función a mi padre, que era peón de albañil. Tenía su entrada comprada para verme pero murió hace poco. La otra noche saqué su camiseta del Málaga al escenario y fue durillo...

6.- Aparte de esos homenajes públicos que se puede permitir un intérprete, ¿cuál es la mayor recompensa para un actor?

Hacer que el público lo pase bien. El otro día, por ejemplo, un hombre en Córdoba me dio las gracias por sacarle tres horas y media de su vida. Que una persona te diga eso no tiene precio.

7.-¿Qué cree que ha pervivido del grupo Mecano para que a las nuevas generaciones les siga gustando su música?

Mecano es un icono y una parte fundamental de la música española. De hecho, yo, aunque no viví la movida madrileña sino la malagueña, y aunque tenía poco tiempo porque trabajaba mucho, sentí lo especial de su música y de la forma tan original que tenían de vestir en los 80, aunque yo nunca fui muy escandaloso vistiendo jaja. Es curioso que muchos adolescentes nos dicen que vienen al musical porque habían oído las canciones gracias a sus padres y porque es un musical eminentemente español en el que se saben las canciones.

8.- En más de una ocasión ha declarado que el teatro es lo que más le gusta, ¿no se atreve con el cine y la televisión?
Yo siempre he sido muy de pueblo y no me gusta el fenómeno fan que despierta la televisión, por ejemplo. En Madrid me aconsejaron centrarme en un medio pero en estos tiempos de crisis hay que diversificar y sí que tengo alguna que otra cosa a la vista en esos medios..

FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA 2009

2009-04-30T20:44:00.006+02:00

Han sido 8 días de intenso trabajo, de ir y venir entre alfombras rojas, fiestas llenas de caras conocidas, ruedas de prensa llenas de anécdotas, conocidos del año pasado y cine, mucho cine. ¿Buen cine? En algunos casos sí, en otros no. Pero si el motivo de que el nivel de este festival de cine español sea más o menos mediocre es la cantidad de óperas primas que se ven en el mismo, o la cantidad de películas de autores más o menos noveles que participan, bienvenida sea esa mediocridad....bienvenida sea porque supone una gran plataforma para todos ellos, y muchos la merecen. También supone una esperanza para aquellos que soñamos con hacer cine algún día. En estos enlaces se puede resumir mi trabajo de estos días en el diario 'La Opinión de Málaga' . Tanto ese trabajo como el que he realizado para Canal Sur Radio (soy el de la izquierda en esta foto superior, horripilante, pero único recuerdo visual de mi trabajo en las ondas durante la semana..) ha sido un auténtico lujo y un auténtico placer realizarlos. No tengo más que palabras de agradecimiento para los que han hecho posible que yo sea un intermediario entre el Festival t el lector o el oyente que quería conocer sus contenidos. Espero vivirlo también el año que viene.

-'Bullying':

http://media.laopiniondemalaga.es/festivaldecine2009/?p=1097

-Homenaje a Gregorio Ros (maquillador):
http://media.laopiniondemalaga.es/festivaldecine2009/?p=1207

-'El Niño Pez':
http://www.laopiniondemalaga.es/secciones/noticia.jsp?pRef=2009042400_11_253728__Portada-de-Malaga-Amores-dificiles-criaturas-celestiales

-Homenaje a 'Viridiana':
http://media.laopiniondemalaga.es/festivaldecine2009/?p=1165

-Entrevista a Pilar Castro, protagonista de '7 minutos':
http://www.laopiniondemalaga.es/secciones/noticia.jsp?pRef=2009042300_11_253470__Luces-de-Malaga-Pilar-Castro-Ahora-eres-actor-television-eres-alguien

-Entrevista al director homenajeado con el premio Eloy de la Iglesia (Nacho Vigalondo, director de 'Los Cronocrímenes'):
http://www.laopiniondemalaga.es/secciones/noticia.jsp?pRef=2009042500_11_254033__Luces-de-Malaga-Nacho-Vigalondo-tengo-mucho-tiempo-para-fastidiarla

-'7 pasos y medio':
http://media.laopiniondemalaga.es/festivaldecine2009/?p=1333

-'Agallas':
http://www.laopiniondemalaga.es/secciones/noticia.jsp?pRef=2009042000_11_252839__LucesdeMalaga-Agallas-drogas-arribismo

LA CASA INVISIBLE CUMPLE 2 AÑOS

2009-03-14T15:00:00.001+01:00

Cuando en la noche del 10 al 11 de marzo un grupo de artistas y disidentes se decidieron a ocupar un viejo edificio de la capital malagueña, poco podían imaginar que la ocupación duraría dos años y se convertiría en un motor cultural para la ciudad. Lo hicieron durante el Festival de Cine de 2007, la antítesis de sus intenciones, reaccionando contra a política institucional llena de grandes proyectos faraónicos que no llegaban ni significaban nada para el ciudadano de a pie. Se trata de “La casa invisible”, un viejo edificio que antes fue la discoteca “Metropol’ y que en su largo vivir llegó a ser un colegio de curas. “El otro día nos visitó un anciano de 80 años que recordaba cómo se partió un diente en este mismo patio”, recuerda Santiago Fernández Patón, responsable de comunicación de un proyecto que nació dentro del movimiento “okupa” pero con un fín muy distinto, el de proporcionar una alternativa cultural que hoy se materializa mediante talleres, una más que interesante programación y el apoyo del Museo Reina Sofía o la Universidad Internacional de Andalucía, que ya tienen convenios para que el sueño de un grupo heterogéneo de personas entre las que se encuentran profesores de universidad o jóvenes artistas se convierta en una perdurable realidad.

El lema era “descubrir la cultura sin fosilizar” según recuerda Santiago, que resalta el lujo de poseer un espacio abierto para cualquier tipo de iniciativa artística en la que todo aquel que lo desee puede proponer algo y autogestionarlo sin ningún tipo de traba institucional u organizativa. De hecho sus participantes definen la “casa” como un “organización en la que no existen las jerarquías”. La política de la ‘invisible’ es la de la participación y nunca la de la representación. “Tenemos hasta un taller de grabado y continuamente hay gente que viene a proponernos cosas”, recalca Mafe Bilbao, otra de las responsables de que esta realidad cultural que cuenta con pocos medios pero con mucho entusiasmo. “El hueco de que mucha gente se una diariamente a nosotros nos da fuerza y energía para seguir adelante”, recalcan. Lo cierto es que la reacción al principio de esta ocupación fue la clásica de muchos vecinos e incluso del Ayuntamiento; la reacción que suele suscitar en la sociedad el movimiento okupa. “Cuando vieron que nuestro fín era cultural y que cumplíamos con ello, todo cambió”. De hecho, con el Ayuntamiento malagueño se constituyó una mesa negociadora y se intentó explicar bien el proyecto. El hecho de que sea algo único en Andalucía eliminó cualquier estigma que pudiese existir hacia esta ocupación un tanto especial. “Actualmente existe un protocolo de intenciones para conseguir un convenio de cesión del inmueble, lo cual supone una política pionera para el Ayuntamiento”. Y es que pocos quieren quedarse sin pasar por esta visible casa, a pesar de su nombre. “Ha venido incluso gente de Japón y grupos tan importantes como Amparanoia han actuado aquí de forma desinteresada”, dice Santiago. Y es que sus propuestas son sólidas; desde ciclos seminariales hasta una investigación sobre Producción cultural anómala. Todo ello ha llamado la atención de una figura clave del software libre como Richard Stalman hasta el politólogo Giuseppe Cocco, de la Universidad de Rio de Janeiro.

Una de las propuestas más interesantes y más necesarias de esta “casa” es la Oficina de Derechos Sociales, que supone una “herramienta de sindicalismo social” que incluye una asesoría jurídica dos días a la semana o clases de español. Es, fundamentalmente, un área dirigida a los inmigrantes que se encuentran desprotegidos a su llegada a la ciudad; algo que convierte a este lugar en un lugar que une la cultura con el compromiso social. Lo que más urge en esta casa es, precisamente, su reparación, bastante ardua y económicamente difícil para un inmueble con más de 130 años de vida. “Aceptamos la ayuda de cualquier filántropo” asegura Santiago entre risas. Y es que la rehabilitación es necesaria y cara en un edificio de tres plantas. Por ahora solo existe la autofinanciación de todo aquel que propone hacer algo en el inmueble y deja algo de dinero para el mismo. La tetería, que casi siempre cuenta en sus paredes con una exposición artística, es una de las zonas que más recauda en beneficio de este viejo caserón cuyas paredes han vivido y sufrido las inclemencias del paso de los años. Lo más llamativo es que cualquier persona ajena a la arquitectura puede entender e incluso modificar el proyecto, lo cual acarrea un apoyo voluntarioso de gente ajena al lenguaje técnico y a la planimetría.

A pesar de que sus integrantes tienen muy clara su política de huir del mercantilismo, siempre existe el riesgo de que lo que empieza como una propuesta alternativa dirigida a hacer ver la cultura sin trabas de ningún tipo se acabe institucionalizando; la vieja historia del pez gordo que se come al pequeño y le hace olvidar sus viejos ideales. “Se debe instituir para asentarse pero no institucionalizarse para un interés privado o para una institución pública que esté atada y evite la cultura de la calle y de la propia sociedad” , asegura Santiago. Y es que si la Casa Invisible ha evidenciado algo es que la sociedad tiene mucho que ver con una cultura que, en demasiadas ocasiones, está manejada por los grandes y ata la cultura de la calle. “Hay un descontento general hacia la política institucional y nosotros queríamos cambiar eso”, afirma Santiago. Dos años y más apoyo del que podían soñar les dan la razón y convierten la Casa Invisible en una realidad que ni el más ciego podrá obviar.

OSCAR 2009: Todos contentos

2009-02-24T13:25:00.006+01:00

Mis cuatro puntos sobre una ceremonia que será recordada por su espectacularidad y por el Oscar como mejor actriz secundaria para nuestra Penélope Cruz:

1.-AUDIENCIA Y CAMBIOS: Mucho se ha hablado sobre la tendencia de la Academia de Hollywood a premiar películas no demasiado populares. La consecuencia ha sido una gran bajada de la audiencia televisiva que ve la ceremonia. Este año se ha remontado en un 13 % a pesar de que "Slumdog Millionaire", una cinta independiente (no del todo, como suele ser habitual cuando se etiquetan de tal forma y tienen a la división "indie" de la Fox detrás) sobre un adolescente indio que gana el concurso "¿Quién quiere ser millonario?", ha ganado 8 estatuíllas incluyendo las de Mejor Película y Mejor Director. Este triunfo prueba que también el público puede ser inteligente y apreciar el cine "pequeño" que se viene premiando desde "Million Dollar Baby". También demuestra que Hollywood ha recuperado el buen gusto, ya que la cinta nos ofrece una manera original, visualmente impactante (al más puro estilo Danny Boyle, pero mezclando el tono de videoclip con ángulos rebuscados con una música y un toque Bollywood que ha cautivado a medio planeta) de enseñarnos lo dura que puede llegar a ser la infancia en un país como la India. Los cambios introducidos en el show, como la forma de incluir cinco presentadores de lujo para las categorías interpretativas en lugar de uno, no sólo es original sino que convierte el premio en algo mucho más vivo...Notable también la presentación de showman de Hugh Jackman.

2.-PENÉLOPE, CON SU OSCAR DE PIEL DORADA..

Esta chica de Alcobendas, como muy bien se encargó de recalcar, hizo que el público de nuestro país no se perdiese la gala. Hasta el mismísimo Almodóvar, que la ha convertido en su nueva musa, reconoció no parar de llorar cuando la protagonista de su "Volver" recogía el ansiado premio por "Vicky Cristina Barcelona". La película de Woody Allen no tiene la energía y el aire de otros de sus clásicos, plagados de diálogos ingeniosos y de una agridulce visión de la vida, pero cada vez que Pé aparece en pantalla, sube el nivel de la misma. Y eso hay que agradecérselo a una chica que no siempre ha tenido buena suerte en la meca del cine. Su emocionado discurso de agradecimiento no sólo supone un gran lavado de imagen en un país (esta España nuestra) que tiende a menospreciarla, sino también un magnífico empuje a su carrera y a la comparación con otras divas europeas que recalaron en el Hollywood de los 50 y los 60, como Sophia Loren. ¡Bien por Penélope!

3.-KATE WINSLET Y SU ANSIADO OSCAR:

La protagonista de "Titanic" lleva años demostrando su versatilidad y su valía como actriz. Nadie puede discutirle eso ni tampoco que muchas de sus películas estén diseñadas para congraciarse con el "tío Oscar". Pero la actriz británica une a sus méritos una humildad que sólo puede despertar simpatías, también entre una Academia que la había nominado en 6 ocasiones a pesar de sus juveniles 33 años. "El Lector" le ha dado un Oscar que ella comparó con un bote de champú cuando de pequeña, gordita y maltratada por sus compañeros de colegio, soñaba con llegar a ser una gran actriz. Kate lo ha conseguido y lo mejor que se le puede desear es que no sufra la maldición que ha acarreado la estatuilla a otras compañeras de oficio como Nicole Kidman o Halle Berry.

4.-EL LOBBY GAY HACE ESCALA EN HOLLYWOOD:

El emocionado discurso de Dustin Lance Black , guionista de "Mi nombre es Harvey Milk" y su reivindicación del matrimonio homosexual, a la que se unió Sean Penn, ganador del Oscar al Mejor Actor justamente por esa película, hacen que la meca del cine esté cada vez más sensibilizada con la problemática homosexual. Todos aplaudieron mostrando al mejor Hollywood liberal, el mismo que hace más de 60 años se enfrentó a la Caza de Brujas. Lo cierto es que la película de Gus Van Sant peca de cierto aire hagiográfico, pero la serie de recursos documentales, su tono amable y su contínuo ritmo la convierten en todo un éxito al que no es ajena la gran interpretación de Penn, que ya tiene dos Oscar en su haber.

Hollywood se ha portado este año con unos premios justos, a pesar de que muchas de las nominadas ("El curioso caso de Benjamin Button") no pasaban de ser productos correctos y bien elaborados. Y no cabe duda de que algo está cambiando en Los Ángeles para que películas como "Slumdog Millionaire" sean las grandes triunfadoras. Sea lo que sea, el que esto escribe no puede más que alegrarse...

WINSLET, KATE WINSLET

2009-01-12T18:28:00.007+01:00

Anoche se celebró en Los Ángeles una nueva ceremonia (y van más de 60) de los Globos de Oro, esos premios que entrega la Asociación de la Prensa Extranjera en Hollywood y que, hasta hace pocos años, eran considerados la antesala de los Oscars. La gran triunfadora fue "Slumdog Millonaire" del siempre prolífico y muchas veces malentendido Danny Boyle, que se llevó el premio a la mejor película dramática además de otros tres. Así fue como desbancó a favoritas como "Doubt" o "El curioso caso de Benjamin Button". Como suelo escribir menos estos meses y ya habrá crónicas que relaten los premios de ayer con bastante mejor tino que yo, me voy a detener en la que es una de mis actrices favoritas, la británica Kate Winslet. Esta buena moza de 33 años, que cuenta en su haber con el récord de ser la chica más joven más veces nominada al Oscar, ganó dos premios: el de mejor actriz secundaria y el de mejor actriz principal en la categoría de drama. El esquivo Globo de Oro por fín recompensó una de las carreras más brillantes que la meca del cine recuerda en los últimos tiempos.

"¿Quién es esa inglesa gordita?". Muchos debieron hacerse esa pregunta en los Globos de Oro celebrados en enero de 1998, cuando la entonces pelirroja y robusta Kate iba acompañada de la estrella del momento, Leonardo DiCaprio, y defendía la que a la postre sería la cinta más taquillera de todos los tiempos, la omnipresente "Titanic". Era la estrella de un fenómeno de masas como no había visto Hollywood en mucho tiempo, y la actriz más criticada por sus kilos de más y sus formas rubensianas. No había salido de la nada. En 1994 había sido la implacable y loca Juliet Hulme en ese cuento lírico, terrible, divertido y hermoso que es la "Criaturas Celestiales" de Peter Jackson. Al año siguiente ya recibía su siguiente nominación por "Sentido y sensibilidad" y, durante aquel rodaje, lloraba de emoción al leer el guión de la película del barco. Fue ella la que convenció a James Cameron de que era su Rose y la que hizo que DiCaprio se lanzase a rodar una película que no iba con su forma de ver el cine. Y aunque fue él el que consiguió convertirse en una supestar, la Winslet cimentó un prestigio que nunca la ha abandonado en películas de bajo perfil comercial como "Holy Smoke" o "Iris".

Sin importarle ir de guapa o de fea, la británica criticó el Photoshop usado en una de sus sesiones de fotos para una revista de modas que pretendía bajarla de peso artificialmente. Esos mismos parámetros en torno a su aspecto la hicieron aparecer descuidada y neurótica en otro de los personajes de su vida, el de la desquiciadamente encantadora Clementine en la maravillosa y original "Olvídate de mí", probablemente la mejor película de amor de la última década. Después defendió ardientemente el personaje de Madamme Bovary en "Little Children". Era el espejo en el que se miraba su personaje de Sarah, un ama de casa aburrida y adúltera de los suburbios norteamericanos. En la ceremonia de los Oscars en la que recibía su quinta nominación por ese papel, convenció a su amigo Leo DiCaprio de llevar a la pantalla una novela de la que se declara rendida admiradora: "Revolutionary Road". Y esa novela y su traslación al cine por parte de su marido Sam Mendes ha sido la que le ha dado uno de los dos premios que anoche cosechó (el otro es por "The Reader", en donde encarna a una mujer que se relaciona con un adolescente y es acusada de nazi años después)

Lo mejor de esta "rosa inglesa", como la llaman sus compatriotas, no es su cristalina y expresiva mirada; ni siquiera su camaleónica expresividad y su capacidad para llegar al alma de sus personajes. Lo mejor es que casi nunca ve sus películas, abomina de las formas de Hollywood y es tan sencilla y directa que reconoce querer ganar un Oscar después de haber sido candidata en tantas ocasiones. La prueba de su humildad la da una entrevista que le realizaron en un programa televisivo en 2006. Al querer sorprenderla, el presentador le puso imágenes de un vídeo en el que tan sólo contaba con 5 añitos. Todo perfecto si no fuese porque la niña del vídeo no era ella. Sin embargo, la actriz no dijo absolutamente nada presintiendo que algún pobre infeliz sería despedido si descubrían que había elegido unas imágenes incorrectas. Toda una lección de humanidad que demuestra que los actores pueden controlar su ego y que, los artistas (y ella lo es) no tienen porqué ser insoportables seres llenos de demonios internos para ser grandes.

Los dos Globos de Oro de la actriz. El segundo de ellos se convirtió en uno de los grandes momentos de la ceremonia, con Winslet dedicando el premio a su marido y a su amigo y compañero Leo DiCaprio.

30 noches de HALLOWEEN después

2008-11-02T22:37:00.004+01:00

Cuesta trabajo valorar la calidad de una película que ha sido saqueada con innumerables secuelas, imitaciones, y hasta un remake que, visto por segunda vez, no resulta tan malo. Es el caso de "Halloween", la obra de John Carpenter que hace ya 30 años se convirtió en la cinta independiente más exitosa de la historia del cine americano hasta la llegada de "El proyecto de la bruja de Blair" en 1999. Los críticos odiaron la historia de una niñera perseguida por un maníaco con máscara blanca durante el día y la noche de un 31 de octubre de 1978. Una cinta de terror que apenas costó 300.000 dólares y recaudó más de 50 sólo en Estados Unidos.

Las razones del éxito están claras. Desde el plano secuencia que abre la película y que nos pone en los ojos del asesino (nunca hubo mejor homenaje a la utilización del plano subjetivo de Hitchcock) que resulta ser un niño en apariencia inocente, hasta la utilización de una inquietante banda sonora compuesta por el propio Carpenter, la película es un modelo de maestría narrativa. Escenas tan inolvidables como aquella que encierra a la protagonista, una debutante Jamie Lee Curtis, en un armario que el psicópata Michael Myers intenta abrir a toda costa, lo certifican. Pero más allá de su pericia técnica para causar auténtico pavor en el espectador, lo que "Halloween" (mal llamada "La noche de Halloween" por los lumbreras de la distribución española) hizo es alertar a la sociedad americana de los peligros que subyacen en sus pequeñas y tranquilas ciudades. No descubrimos nada nuevo al decir que Michael Myers encarna el mal en estado puro, aquel que jamás se puede destruir, casi una metáfora de la dualidad de América: un lugar maravilloso (la plácida ciudad protagonista en la película) lleno de confusión moral.

La única pega es que lo que en aquella película independiente suponía novedad narrativa, en pleno siglo XXI, tras los Jason, Freddy Krugger y Screams que vinieron después, se ha convertido en puro cliché. Para una generación acostumbrada (según algunos estudios) a ver una imagen que no dura más de 30 segundos, ver esta película debe ser tan soporífero como visitar un museo lleno de piezas de arqueología. Sin embargo, más allá del valor histórico, es la ausencia de sangre y de violencia explícita la que hace que la malsana e inquietante atmósfera de la que hace gala la cinta la conviertan en una pieza viva que nos advierte de los peligros y la esquizofrenia que rodean al ser humano y a la sociedad. ¿Qué es si no el propio género de terror? Por eso mismo, feliz cumpleaños para "Halloween", y esperemos que no lo celebren con muchas secuelas más...

"PINOCHO" vuelve en alta definición

2008-10-20T11:34:00.005+02:00

10 de marzo de 2009; una fecha clave para cualquier fan de la animación, ya que se reestrena "Pinocho" en una edición Platino de 2 discos y en BluRay. Las novedades son muchas para la que sigue estando considerada la gran obra maestra de Walt Disney, desde escenas eliminadas hasta canciones que se han descubierto hace poco. Y por si todo eso fuera poco un audiocomentario en el que participan expertos como Leonard Maltin, uno de los críticos de cine más publicitados y populares de Estados Unidos.

Aunque se diga que se celebra el 70 aniversario de la película, ésta se estrenó en 1940 y fue un gran fiasco para los estudios Disney después del enorme éxito que había supuesto su primer film, "Blancanieves y los siete enanitos". La historia del muñeco de madera que deberá sortear toda serie de pruebas morales para acabar siendo un niño de verdad había sido creada por Carlo Collodi en la Italia de finales del siglo XIX y supuso todo un desafío económico y artístico para Disney llevarla a la gran pantalla. El resultado pudo no ser popular, pero para la crítica especializada, "Pinocho" es el "Ciudadano Kane de los dibujos animados", una maravilla por su animación tridimensional, el ritmo de la historia, la oscuridad lejos de ñoñerías disneyanas y una música merecedora de 2 Oscars. En resumidas cuentas, un reestreno digital de lo más apetecible.

REVOLUTIONARY ROAD, regreso a la América suburbana

2008-10-06T12:06:00.004+02:00

En primer lugar quiero saludar a los pocos o muchos que lean este blog..Durante estos meses mis ocupaciones laborales y un viaje a Londres han impedido que tuviese el suficiente ánimo como para escribir o seguir adelante con este pequeño espacio personal dedicado al cine. Muchas cosas han ocurrido desde entonces, siendo la muerte de Paul Newman la que quizá me parezca más destacable y de la que escribiré durante estos días. También me parece sorprendente el contraste brutal entre el éxito norteamericano de "El Caballero Oscuro", una de las mejores películas de superhéroes (yo diría que de terrorismo) de la historia del cine, y la algo indiferente reacción del público español ante la cinta.

Sin andarme por las ramas, lo que me lleva a renovar este espacio es el trailer de "Revolutionary Road", la nueva película de Sam Mendes protagonizada por su esposa, Kate Winslet y por Leonardo DiCaprio. O sea, la unión, más de una década después, de la pareja protagonista de "Titanic" aún hoy y tras los intentos fallidos del hombre murciélago, la película más taquillera de todos los tiempos. Aquellos que esperen dulzura y romance almibarado se encontrarán con una sorpresa, ya que la novela de Richard Yates en la que se basa dicho film fue la primera en retratar la desesperanza de los suburbios norteamericanos en la década de los 50. Lo que hoy es tópico tras éxitos como "American Beauty" (primera gran película del propio Mendes) o series como "Mujeres desesperadas", en su día era un análisis profundo de la desilusión del sueño americano, ese que promocionaba el presidente Eisenhower al término de la Segunda Guerra Mundial y que enfocaba la felicidad marital en torno a lavadoras, televisiones y casas con jardines simétricamente perfectos. Toda una ironía para la infelicidad que habían de encontrarse sus habitantes. DiCaprio y Winslet, a los que admiro y defiendo desde hace ya bastantes años, parecen no decepcionar en unas imágenes acompañadas de la atosigante y maravillosa canción de Nina Simone "Wild is the Wind", un tema sobre el amor desesperado e inalcanzablemente perfecto que puede ser el sueño de esta joven pareja condenada a la imperfección y a la insatisfacción permanente.

"LOS INÚTILES"(Federico Fellini, 1953):El miedo a crecer

2008-06-22T20:24:00.003+02:00

Entre los fans más aguerridos del director italiano hay una clara división: aquellos que prefieren al Fellini más absurdo y barroco (sin que estos calificativos sean peyorativos) y los que gustan del más clásico, el que tiene sus raíces en el neorrealismo. En esas raíces habría que clasificar "Los inútiles", una de las mejores películas italianas de la década de los 50. La historia se centra en cinco veinteañeros de una aburrida ciudad de provincias: el intelectual que escribe obras de teatro amateur, el sobreprotegido por su madre que ve cómo su hermana busca una vía de escape, el mujeriego obligado a casarse con la chica que ha embarazado y el hermano de ésta, que parece ser el punto de vista de la narración y la voz en off que nos guía a través de ella. Ésta es bastante episódica y sólo la historia de Fausto, el mujeriego, parece tener un principio, un nudo y un desenlace, quedando las otras dibujadas a través de simples pero efectivas pinceladas.

La melancólica música de Nino Rota (que colaboraba con Fellini por primera vez y que lo acompañaría para siempre poniendo música al resto de su filmografía), las calles semivacías como ejemplo de desolación y el retrato provinciano se corresponden con el movimiento neorrealista. Sin embargo, leyendo un poco más allá, hay elementos "felliniescos" en toda la película. La forma de presentar a los personajes al inicio con un trávelling o los movimientos de cámara durante toda la película en momentos como el de la boda, que pudiendo ser una escena moralista se convierte en una escena cómica gracias al paso de ésta por el rostro de una serie de mujeres lloronas y beatas, son marcas genuinas del director. Si a eso le unimos su gusto por la representación de "mujerzuelas", la escena del carnaval en la que no deja de sonar el mambo o el gusto por las imágenes cuasioníricas (la talla religiosa de madera colocada en la arena de la playa por el tonto del pueblo) nos encontramos con que este relato autobiográfico tiene muchas más huellas de la posterior carrera del italiano de lo que se podría imaginar.

A título personal, aparte de la perfección en el ritmo y en la descripción de ambientes y personajes, lo que más valoro es la voluntad de no juzgar a los mismos, unos niños grandes, unos nuevos adultos que se resisten a madurar y cambiar de vida. Ni ellos ni sus familias y vecinos, que representan la injusta y arcáica moralidad de la época, son jamás envueltos en diálogos o escenas aleccionadoras, algo que nunca hizo un director enamorado de los perdedores de vida alocada o ingenua, como la Gelsomina de "La strada" o el Mastroiani de "La dolce vita". La idenfiticación personal con los personajes, con ese chico que acaba huyendo de una ciudad que no tiene nada que ofrecerle, es absoluta. Si tienes o has tenido 25 años, has ido a la deriva a la espera de un trabajo mejor, de dejar el hogar paterno en busca de nuevos objetivos en la vida y has necesitado crecer de una vez por todas, el final de esta película te afectará de manera especial. Esa era la intención de Fellini hace más de medio siglo cuando la rodó, y lo sigue siendo hoy, cuando la película no ha enjevecido ni un ápice. Si hubiese una lección en una película tan impresionista sería la de que el propio director, al igual que el protagonista, cogió ese tren que le abría nuevos horizontes.

VALORACIÓN: ****1/2

"EL PRECIO DEL PODER"(Brian De Palma, 1983): América y el crimen organizado

2008-06-15T21:34:00.004+02:00

Las críticas a Brian De Palma pueden argumentarse con toda justicia en los últimos años. "La dalia negra" fue el ejemplo perfecto de que cuando los manierismos visuales no están apoyados por un guión consistente, se convierten en un recurso grotesco y ridículo. A pesar de ese bajón en su cine, De Palma debe ser tenido en cuenta como uno de los autores más vigorosos y atractivos de entre los surgidos en la década de los 70. La historia del ascenso y la caída del inmigrante y narcotraficante Tony Montana debe ser el poderoso argumento a esgrimir para los más cínicos. El guión de Oliver Stone se basaba en el "Scarface" dirigido por Howard Hawks a principios de los años 30 y convierte al gángster, en esta ocasión, en un ser acomplejado y vulgar que sólo encuentra su razón de ser en la opulencia. Stone, que por aquel entonces libraba su propia batalla contra las drogas, hizo que muchas de las líneas de diálogo de la película se convirtiesen en memorables y dictaminasen como pocas veces la personalidad del protagonista, interpretado por un inmenso y justificadamente histriónico Al Pacino.

Ante un guión de semejante riqueza, De Palma echó el resto en una puesta en escena que envidiaría el mismísimo Orson Welles. Ésta incluye las largas tomas que filma las conversaciones que definen al personaje (con la madre que lo repudia, con la policía que lo trata como a una basura o observando a una etérea Michelle Pfeiffer bajando de un ascensor) los planos subjetivos a cámara lenta (su intocable hermana bailando con un desconocido ante su furiosa mirada) o los planos secuencia tan queridos por el director (la cámara que "sale" de una ventana en la que se perpetra un sangriento crimen con una sierra mecánica o la caída de Montana en su propia piscina mientras vemos ese eslogan, "El mundo es tuyo", que parece ser toda una ironía sobre su descenso a los infiernos) Todo el artificio desemboca en una hipérbole que roza la comidad en la sangría final, lo que quizá impida que el film sea una obra maestra, pero de lo que no hay duda es de que pocas películas del género son tan entretenidas y están tan bien rodadas. Si De Palma es, como se suele decir, el mayor imitador de Hitchcock, el genio del suspense estaría encantado de ver una película en la que, como en las suyas, la forma y el fondo forman un estupendo matrimonio.

VALORACIÓN: ****1/2

El joven Hollywood de los 90 (I): DEVON SAWA

2008-06-14T19:17:00.010+02:00

Si eres chica, tenías 14 ó 15 años en 1998 y te gustaba comprar las revistas adolescentes, es probable que en la portada te encontrases uno de estos rostros: el de Leonardo DiCaprio o el de Devon Sawa. Sobre el segundo ha caído una espesa nube con forma de olvido que no empequeñece el recuerdo de sus antiguas fans. La mayoría de ellas ronda hoy los veintitantos y siguen admirando el rostro anguloso, los ojos azules y el pelo castaño claro de este canadiense nacido en 1978, uno de los miembros más destacados de esa camada de niños y niñas que protagonizaron la moda de películas infantiles y juveniles de los 90.

A Sawa lo conocimos cuando el fantasma "Casper" (Brad Silberling, 1995) cobraba forma humana y sacaba a bailar a Christina Ricci. Con ella también protagonizaría un casto beso ese mismo año en la sesentera "Amigas para siempre". El chico lo tenía todo para convertirse en el nuevo ídolo de las chicas y explotaba con su físico una moda inaugurada por el mismísimo James Dean: la preferencia por los efebos de rostro aniñado y tierno que durante la última década del pasado siglo alcanzó cotas irrisorias en la figura de muchos actorcillos hoy olvidados. Lo cierto es que Devon trató de huir del estereotipo y fijó sus metas en el cine independiente. Aunque interesantes, "A cool, dry place" (1998) o "Around the fire" ni siquiera se llegaron a estrenar en España y, mucho menos, fueron mencionadas por la revista SuperPop. Sí se habló de "Jóvenes aventureros" (William Dear, 1997), paisajista fábula en torno a los hermanos Stouffer, famosos documentalistas de la naturaleza durante los años 60. En todas esas películas, la función del chico era la de lucir su candoroso rostro. Sin embargo, en "El diablo metió la mano" (Rodman Flender, 1999), endiablada sátira adolescente de las películas de serie B de los 80, Sawa demostró que podía ser (salvando las distancias) un Cary Grant del cine teen. Al encarnar a Tobías, un chaval cuya mano está poseída por el mismísimo diablo como castigo a su pereza, Sawa probó que la comedia era lo suyo y que los guapos que se saben reir de sí mismos no abundan.

En 2000 llegó su mayor éxito comercial, "Destino final". Película sobre jovencitos en apuros que tratan de burlar a una muerte que viene en forma de accidentes marcadamente " gore", "Destino final" se beneficiaba de un Sawa sufridor y de un negrísimo sentido del humor. Sin embargo, con el éxito también llegó el fracaso. De ser visto como el nuevo Brad Pitt al olvido había un paso. Su cambio físico ya se dejaba notar en el videoclip "Stan" del rapero Eminem, pero se hizo del todo notorio en "Slackers"(2002), infumable bodrio que mostraba sus kilos de más tras dos años de ausencia de las pantallas. El cambio físico se debía a una adicción a las drogas que se manifestó de forma violenta la noche que le dio una paliza a su novia y acabó en la comisaría de Los Ángeles. Su única relación con el cine ha consistido en protagonizar cine de terror de baja estofa cada dos años; películas que tampoco hemos podido ver en nuestro país y que él sigue rodando a la espera de que alguien lo recupere. El éxito de las Lindsay Lohan y los Zac Efron de turno lo han convertido, a sus veintinueve añitos, en una prematura gloria del universo "teen" del Hollywood de los 90. Quedan para el recuerdo el bonito baile que se marcaba con la Ricci y los innumerables posters con su figura que seguro llevan años durmiendo el sueño de los justos en los cajones de más de una persona.

Vídeo hecho por una fan

PAUL NEWMAN: ¿Otra muerte en directo?

2008-06-14T18:39:00.006+02:00

Que los medios de comunicación tienen pocos escrúpulos ya lo comprobamos todos a diario. Que no respetan ni a las celebrities más asentadas en su trono, también. La agonía de Rocío Jurado con un arsenal de periodistas acampados a las puertas de su casa fue el terrible ejemplo de que la prensa debería revisar cuanto antes su lista de prioridades. Rumor o no, esta semana ha saltado a la palestra la noticia de que nuestro admirado Paul Newman tiene cáncer de pulmón y le quedan seis meses de vida. Una foto en la que el actor aparece bastante desmejorado junto a la periodista Martha Stewart han dado la voz de alarma. Sin embargo, la vetusta estrella ha asegurado que "está bien" a través de un escueto comunicado. Sea o no verdad, habría que preguntarse hasta qué punto es noticia la agonía de una "star" de la categoría de Newman, y también si los medios norteamericanos son tan capaces como los patrios de poner sus cámaras delante de la casa del personaje en cuestión, a la espera de la mala nueva. Muchos se justificaron en el caso de la Jurado asegurando que era ella la que alimentaba ese tipo de fama. Alimentada o no, ese tipo de informaciones no deberían ser consideradas de interés general. Primero, porque dan lugar a errores tan lamentables como el del caso de Newman, que tiene que salir al paso de múltiples rumores cuando de ser cierto su mal estado lo único que le apetecerá es compartirlo con sus seres queridos. Segundo, porque desvirtúan una figura de la talla del actor. El protagonista de "El buscavidas", al que todos deseamos vida aún más larga dada su talla interpretativa y su demostrada calidad humana, merece que lo recordemos por sus ojos azules, los más famosos del mundo, y no por una ridícula disputa entre medios que sólo buscan, desgraciadamente, llenar sus arcas amparándose en la tan manida libertad de expresión.

"LAS AVENTURAS DE TOM SAWYER"(Norman Taurog, 1938): La literatura de David O' Selznick

2008-06-06T12:19:00.006+02:00

Como muy bien dijo él mismo, David O'Selznick será siempre recordado como el productor y alma mater de la que quizá siga siendo la película más famosa de todas, "Lo que el viento se llevó". Sin embargo, durante los años 30 su estilo de producción se convirtió en el ejemplo de Hollywood trasladando material literario a la gran pantalla. Primero lo hizo en la RKO, con producciones como "Mujercitas" (George Cukor, 1933) y después en la Metro, donde dio vida a las palabras creadas por Dickens en "David Copperfield" (George Cukor, 1934) o "Historia de dos ciudades" (Jack Conway, 1935) , y a las de Tolstoi en uno de los míticos films de la Garbo, la "Ana Karenina" dirigida por Clarence Brown en 1935. Para las empobrecidas audiencias que veían esas lujosas adaptaciones durante la década de la Depresión, éstas eran una forma de cultura, una afirmación hollywoodiense para paliar y desafiar el tópico sobre la incultura de la América profunda.

En el año en que produjo "Las aventuras de Tom Sawyer", Selznick ya tenía su propio estudio y no necesitaba el mecenazgo de ninguna de las "majors". Seguía siendo tan audaz como de costumbre. Era uno de los pocos productores que utilizaban el Tecnicolor, y la adaptación de la famosa novela de Mark Twain le servía como un test de vestuario y dirección artística para "Lo que el viento..." que ya se encontraba en fase de preproducción. El célebre y travieso niño que vive a las orillas del Missisipi fue siempre el símbolo de la infancia norteamericana de espíritu indomable, tan rebelde y luchador como la naturaleza agreste y marcadamente yankee que lo rodeaba. El guión era el adecuado, ya que se beneficiaba del carácter episódico de la novela sin pasar por alto las muchas travesuras del pequeño: como testigo de un crimen en el cementerio, molestando continuamente a su primo o fingiéndose muerto mientras contempla divertido su propio funeral. Acaso el episodio más recordado sea aquel en el que Tom y su amiga quedan atrapados en una cueva. En esa escena que sirve de memorable clímax a la cinta, los planos generales y la música de Max Steiner ayudan a crear un ambiente de claustrofobia rematado con imágenes tan atractivas como la de la silueta de Tom recortada a contraluz cuando encuentra una salida, o su huída del indio y granvillano de la historia. Gran parte de los aciertos visuales del film se centran en el color, que parece sacado de las ilustraciones del propio libro, en el lujoso diseño de producción de William Cameron Menzies y en el continuo uso del "slapstick", con gags visuales que añaden humor incluso a las escenas más cursis y a los horrendos primeros planos de los (exageradísimos) niños llorando. La ironía que conllevan los momentos melodramáticos al ser fruto de las gamberradas infantiles hacen que el azúcar no acabe por estropear la película.

Para encontrar al Tom Sawyer perfecto, Selznick hizo un cásting entre cientos de niños. El elegido fue Tommy Kelly. Sus rizos, su cara de travieso y sus pecas lo convirtieron en la viva imagen del personaje. Lamentablemente, su carrera posterior fue insignificante y acabó en Chicago ejerciendo de profesor , mostrándose reacio a comentar su breve paso por Hollywood. Si la de Kelly es una digna interpretación, no se puede decir lo mismo de otros niños del reparto, como la cursi e histriónica Ann Gillis en su encarnación de Becky. Afortunadamente, los secundarios adultos son un lujo y entre ellos se encuentran nombres tan ilustres como los de May Robson (la abuela de "Ha nacido una estrella" ) el mítico y oscarizado Walter Brennan o Margaret Hamilton (la bruja de "El mago de Oz" ) Es una pena que una película tan correcta no tenga una digna edición en DVD ni siquiera en Estados Unidos. También lamentable fue su discreto paso por las salas en 1938. Quizá sea esa la razón por la que Selznick sigue siendo, simplemente, el creador cinematográfico de Scarlett O'Hara para muchos espectadores. Sin embargo, este clásico a reivindicar sirve de valoración de su figura como productor y de recuerdo hacia Mark Twain, escritor y feroz oponente del puritanismo y el aburrimiento del tiempo que le tocó vivir mediante la espontaneidad de sus personajes. Decía Twain que la alegría y la risa son las que siempre nos han de acompañar, y sus creaciones son un buen ejemplo de ello. Puede que ese sea el legado de este colorido Tom Sawyer para los espectadores de un siglo XXI a las puertas de una incierta crisis económica.

VALORACIÓN:****

JAMES STEWART: Más que un chico bueno

2008-05-20T22:44:00.002+02:00

Hoy hubiese cumplido 100 años de no morir aquel caluroso día de julio de 1997, nonagenario y con un sinfín de problemas de salud que lo acuciaban desde la muerte de su querida Gloria tres años antes. Con ella había compartido la mitad de su vida tras ser uno de los grandes seductores de Hollywood. Sin embargo, su rol nunca fue el de galán irresistible. La necesidad de la meca del cine de etiquetarlo todo convirtió a "Jimmy" Stewart en el hombre bueno, en el americano medio reconocible para todo el mundo. Sus torpes andares, su voz ordinaria y su mirada lánguida contribuyeron bastante al realce de esa imagen. Un repaso por la filmografía de esta estrella intachable que nunca dio escándalos ni jugó al juego de Hollywood, nos desvela el lado más oscuros de ese prototipo que tan bien encarnó.

Llegó a Broadway de la mano de su amigo y compañero de Princeton, Henry Fonda, y de ahi dio el salto a un Hollywood que lo recibió con los brazos abiertos. Frank Capra lo convirtió en la estrella de "Vive como quieras" y de "Caballero sin espada", en donde dio una lección magistral de interpretación. Su lado cómico quedó mostrado y recompensado con un Oscar en "Historias de Philadelphia" y con un trabajo para el gran Lubitsch en la genial "El bazar de las sorpresas". Entonces llegó la Segunda Guerra Mundial y fue el primer actor en intervenir en el conflicto. Cuando pocos de nosotros podríamos imaginar a un Brad Pitt luchando codo con codo junto a los soldados de Irak, no nos cuesta creer que Stewart fue un piloto condecorado que se había ido al frente antes incluso del bombardeo a Pearl Harbor. Tras la guerra quiso dejar el cine pero su amigo Lionel Barrymore lo convenció de lo contrario. Así llego esa fábula navideña repuesta incesantemente cada año llamada "¡Qué bello es vivir!" y ese George Bailey que se convertiría en su personaje favorito y en el de todos los americanos. En esa película a prueba de diabéticos ya se dejan ver las aristas oscuras de un Stewart que vive para los demás pero que, casi siempre, duda de lo fructífero de su carácter bondadoso. Lo verdaderamente negro de aquellos años no fue su personaje, sino su participación activa y delatora en la nefasta Caza de brujas del senador McCarthy. Fue justo el momento en el que Hitchcock nos descubrió su lado más psicótico (aunque siempre redimido por la bondad o la simpatía cargada de humor) en "La Soga" y lo convirtió en uno de sus actores predilectos en películas de prestigio intachable como "La ventana indiscreta" o "Vértigo".

Así, en la década de los 50, la figura alta y desgarbada del actor estaba ya por encima del bien y del mal. Los mejores, los grandes genios, siempre contaban con él: Anthony Mann, John Ford e incluso Billy Wilder se rindieron a sus pies. De esas colaboraciones surgieron maravillas como la desmitificadora "El hombre que mató a Liberty Valance" que lo convirtieron en el actor con más obras maestras en su currículum. Pero como toda gran estrella del Hollywood dorado sucumbió a la modernidad. Aunque fuese secundario de lujo en cintas catastrofistas de los 70, el Jimmy adorado por América ya no brillaba con la misma luz. Así fue como, poco a poco, se fue apagando un hombre que jamás estudió interpretación en escuela alguna y que, seguramente, fue tan humano y cometió tantos errores como cualquiera de nosotros. Pero como rezaba el final de Liberty Valance, "lo que queda es la leyenda", y la de Jimmy aún tiene cuerda para rato.

Estrellas de Hollywood explican el valor de james Stewart en un programa especial

MICKEY MOUSE: el ratón que se merendó al dominio público

2008-05-18T13:47:00.004+02:00

Todo el mundo sabe que las obras culturales pasan a ser propiedad pública, bien de todos, conforme pasan los años. Lo que no es tan evidente es que, a partir del siglo XX, esos bienes culturales tardan en llegar, siendo exprimidos por multinacionales y copyrights con vocación de eternidad. En Estados Unidos hace falta que transcurran 90 años desde la muerte del autor, o 95 si la obra está registrada por una compañía, para que sea de todos. ¿Y quién es el responsable de tan exagerada cantidad de tiempo? Nada menos que ese simpático ratón símbolo de un imperio que Walt Disney creó hace ahora 80 años.

La historia comienza en 1998, con la administración Clinton a las puertas de sufrir el "caso Lewinski". Por aquel entonces, los derechos de una obra cultural registrada bajo el copyright de una compañía caducaban a los 75 años de su estreno. Esto hacía peligrar los derechos de imagen del ratón y fuente de ingresos de la poderosa multinacional, que hubiesen expirado en 2003. Si tenemos en cuenta que la Disney había ayudado a financiar la campaña que llevaría a Clinton al poder con 6 millones de dólares, y que le pidieron "por favor" que alargase el copyright, nos daremos cuenta que dos más dos son cuatro. Así es como los demócratas alargaron 20 años el copyright y como esa Disney usurera (las malas secuelas, los desorbitados precios de su cine en DVD o su empeño por sacar dinero de donde sea, hacen válido ese calificativo) salió triunfante e hizo que muchos de los clásicos del Hollywood de los años 30 que ya podrían estar al alcance de cualquiera, esperen otros 20 años en el baúl y sigan siendo beneficiosos para unos estudios que no dejan de rentabilizarlos en la era del DVD.

La cuestión es porqué el capitalismo acaba venciendo a lo cultural. La cuestión es que la propia Disney se sirvió de obras de dominio público para crear películas como "Pinocho" o "Blancanieves", personajes salidos de la imaginación de Collodi y del floclore popular recopilado por los hermanos Grimm. ¿Se ha olvidado la Disney de que hacer cine es algo más que pasar por la caja registradora? Seguramente sí y con lo sumiso que es el gobierno norteamericano ante tales chantajes, puede que el bueno de Mickey siga siendo propiedad privada durante todo el siglo XXI...Esperemos que no descubran que he enlazado una imagen del célebre roedor en este artículo o ya me veo en Alhaurín de la Torre....

"AMENAZA EN LA SOMBRA" (Nicolas Roeg, 1973): Venecia inquietante

2008-05-11T12:29:00.005+02:00

Un retaurador de iglesias y su esposa pasan la tarde tranquilamente en su mansión de la campiña inglesa. En esos momentos, los niños juegan en el jardín. Un montaje paralelo nos muestra una diapositiva manchada de sangre y a la niña ahogándose en el lago. La muerte de la pequeña deja a unos padres traumatizados que viajarán a Venecia por el trabajo de él y por la búsqueda de una imposible catársis. Allí se sucederán los misterios y los sucesos inquietantes: una medium ciega que parece ver a la niña muerta, una iglesia dirigida por un sacerdote que parece ocultar algo y un asesino serpenteando entre los míticos canales. Ni el espectador más avezado podrá adivinar el final, trágico y sorprendente. Eso convierte a esta mezcla de thriller y drama naturalista en una experiencia única.

Tan sólo dos años después de que Visconti nos diese la visión más bella de Venecia en el cine (si dejamos aparte las "Locuras de verano" que realizó David Lean), Roeg nos muestra una ciudad invernal, nublada y peligrosa por las noches, en donde la paranoia y la tristeza hacen que nunca sepamos si estamos ante un complot contra la pareja protagonista o ante los delirios que provoca en ésta la muerte de su hija. El director orquesta la duda utilizando el montaje paralelo, la cámara al hombro y un estilo visual naturalista y moderno en el que los zooms y el look descuidado aúnan terror y drama. El drama de encontrar una muñeca abandonada a las orillas de los canales venecianos o el terror de sufrir un accidente desde un andamio que, rodado con cámara subjetiva e inestable, supone una escena desagradable y claustrofóbica como pocas. El final atará cabos sueltos y nos dará una idea de lo que hemos visto durante la hora y media que lo precede.

Por el camino nos dejaremos una gráfica (y muy célebre por su alto voltaje) escena de sexo entre el matrimonio que fue fruto de la "confianza" que existía entre unos estupendos Julie Christie y Donald Sutherland, los protagonistas de este cuento macabro, de esta narración agónica y dramática que se resiste a cualquier intento de definición y que supone toda una lección para los amantes del cine de culto y de lo diferente.

VALORACIÓN:****

HATTIE MCDANIEL (1895-1952): La dicha de Mammy

2008-05-09T14:33:00.003+02:00

Hattie McDaniel es un caso aparte dentro de las actrices olvidadas. Su figura se ha reivindicado con el paso de los años y es célebre por ser la primera actriz negra en conseguir un Oscar justamente por su celebérrima interpretación en "Lo que el viento se llevó". Sin embargo, hay datos acerca de su vida que no son tan conocidos por el gran público. Si fue pionera en ganar esa estatuilla dorada, también lo fue siendo la primera negra que cantó en la radio. Su primerizo trabajo de vocalista en una banda de música afroamericana (ese término tan de moda en nuestros días) la condujo al cine de Hollywood, donde no tardó en hacerse un hueco interpretando a sirvientas, lo único que un intérprete de color podía hacer en aquellos días. Sin embargo, a pesar del encasillamiento atroz al que se veía sometida una y otra vez sus personajes no eran el estereotipo blando y facilón que tuvieron que soportar muchas de sus coetáneas. Con una poderosa voz, casi siempre malhumoradas y cargadas de ingenio, las criadas interpretadas por Hattie hacían uso de una mala baba muy especial que las hacía brillar. Un primer ejemplo lo encontramos en "Sueños de juventud"(George Stevens, 1935) en donde su personaje le aguaba a una jovencísima Katharine Hepburn la posibilidad de fingir un estatus social ante Fred McMurray. Hasta en la película ("La pequeña coronela") que protagonizó con la inefable Shirley Temple ella era la nota más divertida y atípica en un conjunto dominado por la cursilería más kitsch.

Para cuando llegó su personaje más famoso, el de Mammy, ya había servido más mesas que nadie en la gran pantalla al lado de estrellas como Jean Harlow o Barbara Stanwyck. Nunca esperó ganar un Oscar por esta interpretación y, cuando ocurrió, no pudo evitar unas lágrimas que hacen de la suya la más emotiva de las fotos de la historia de la Academia de Hollywood. Pocos saben que durante aquella ceremonia tuvo que sentarse en las fila de atrás del teatro como correspondía a los de su raza; o que Clark Gable intentó boicotear el estreno de la película en Atlanta al enterarse de que a su amiga Hattie no la habían invitado por ser negra. Triste excusa que la alejó de un apoteósico festín aquel 15 de diciembre de 1939. Fue la propia Hattie la que convenció a Gable para que renunciase a tal acto de solidaridad. Era consciente de que la negativa a ser invitada al acto poco importaba en medio de la expectación sin precedentes que había generado la megapelícula. McDaniel siguió trabajando en Hollywood con películas como "Murieron con las botas puestas" (Raoul Walsh, 1941) o la preciosista "Canción del Sur" (Harve Foster y Wilfred Jackson, 1946) para finalizar su carrera en la radio y la televisión con el show "Beulah", en donde coincidía con su compañera de servidumbre en Tara, Butterfly McQueen. El cáncer de pecho la sorprendió muy joven, con 54 años, y se la llevó para siempre. Hoy, las asociaciones contra el racismo que en su día la criticaban por perpetuar estereotipos raciales en el cine la consideran eterna heroína de una época difícil en la que, como muy bien dijo ella, "si no eres criada en el cine puedes acabar siéndolo en la vida real".

Hattie McDaniel recogiendo su histórico Oscar entre lágrimas

NICOLE KIDMAN SERÁ DUSTY SPRINGFIELD

2008-05-03T17:04:00.005+02:00

Lo admitamos o no, la Kidman no levanta el vuelo desde que ganó el Oscar a la mejor actriz encarnando a Virginia Woolf en "Las horas". Tras su divorcio de Cruise, "Moulin Rouge" y "Los otros" la convirtieron en la gran dama del Hollywood del siglo XXI. Un par de fracasos a la altura de "Embrujada" o "Las mujeres perfectas" rompieron el espejismo creado en torno a esta australiana de mirada felina, maneras elegantes y dotes sobradas para la interpretación.

¿Qué mejor que protagonizar un nuevo biopic musical ahora que están tan de moda? Si Ray Charles o Edith Piaff los han tenido, ¿por qué no Dusty Springfield? ¿Y quién mejor para encarnarla que Nicole?? La película podría suponer su ave fénix y hacerla resurgir de las cenizas, dado que en los últimos meses (y más aún con el batacazo que supuso "La brújula dorada") la estrella ha sido más noticia por su cuarenta cumpleaños, su embarazo o sus rumoreadas sesiones de bótox que por sus películas. Dusty Springfield lo tuvo todo para hacer una película interesante (y algo tópica también): adicciones, buena voz, una declarada bisexualidad dentro de una época poco dada a las confesiones de ese tipo, y un aura mítica. Veremos que tal se maneja nuestra Nikky con la gran estrella del pop británico de los 60.

Dusty Springfield no sabía qué hacer consigo misma en esta maravillosa canción. Un vídeo de una de sus míticas actuaciones en una televisión llena de decorados psicodélicos.

CHARLTON HESTON (1924-2008): El héroe anacrónico

2008-04-26T12:24:00.002+02:00

"Tengo un rostro de otro siglo". Así justificaba John Charles Carter, más conocido como Charlton Heston, la tendencia a encarnar personajes épicos e históricos. Ciertamente, el pasado lo trataba bien. Fue el Moisés definitivo (y el más sexy) en "Los diez mandamientos" (Cecil B.deMille, 1956) y el judío que se rebela ante su ex-amigo(y dicen que más cosas) romano en la mastodóntica "Ben-Hur" (William Wyler, 1959). Estas dos encarnaciones , junto a las del Cid o la de Miguel Ángel en "El tormento y el éxtasis" le garantizaron la perpetuidad y sellaron su imagen de especialista en personajes "bigger than life". Pero pocos recuerdan que ayudó a la financiación de obras maestras como "Sed de mal" de Orson Welles o que su política era liberal antes de tornarse reaccionaria y adicta a las armas. Tampoco que, en sus inicios, las cintas de aventuras que protagonizó (ahí están las hormigas asesinas de "Cuando ruge la marabunta" para demostrarlo) son una auténtica reliquia.

Pétreo, héroe de una pieza, su secreto estaba en la mirada franca y animal, en su torso desnudo, su cuerpo atlético y en una voz profunda que otorgaba autoridad a cada personaje. El presente nunca pareció ser atractivo para él. Tras ser el héroe de los grandes espectáculos de los años 50 y principios de los 60, Heston fue el héroe de películas futuristas como "El planeta de los simios"(Franklin J. Schaffner, 1968) o "El último hombre vivo". Los 80 relegaron su espectacular físico a culebrones como "Los Colby" y a apariciones públicas que lo convirtieron en una parodia de sí mismo. Convencido patriota y presidente de la Asociación Nacional del Rifle, encarnó el lado más conservador de los americanos y se convirtió en objeto de mofa por parte de liberales como Michael Moore, que lo dejó en pañales en su "Bowling for Columbine" (2002)

Nada de esa imagen quedará para las futuras generaciones y, probablemente, las chicas se seguirán admirando del erotismo que desprenden sus personajes históricos; los chicos querrán ser como él, un héroe aguerrido y épico; y los nostálgicos recordarán que una de las etapas más imborrables de un Hollywood que aún se tomaba muy en serio a sí mismo, estará para siempre unida a su anacrónico rostro.

Charlton Heston falleció el 5 de abril a los 84 años

"LOS JUNCOS SALVAJES"(André Téchiné, 1994): Jóvenes confusos

2008-04-24T20:48:00.002+02:00

Cuando se estrenó Los juncos salvajes a Techiné llegaron a compararlo con Eric Rohmer o Jean Renoir. La película, que iba a ser un telefilme, acabó convirtiéndose en un fenómeno en el país galo, ganando el César a la mejor película. La guerra de Argelia es bastante desconocida para aquellos que no la vivímos y, en cierta forma, eso podría dar lugar a un distanciamiento con el hilo argumental de este film. Sin embargo, todos entendemos la confusión política de la historia, la que afecta a unos jóvenes que viven en esa Francia rural de 1962, que se mueven entre altos ideales y un despertar sexual que muchas veces no entienden.

Un joven que empieza a advertir su homosexualidad, un atleta que sufre la muerte de su hermano en la guerra, una chica que teme al sexo tanto como a la influencia que su madre, comunista de pro, ha ejercido sobre ella, un cínico que reniega de la Argelia desocupada...Todos ellos se enfrentan al mismo dilema: la ideología frente a las relaciones humanas con chicos de su misma edad que parecen tan diferentes. Techiné elabora un discurso de la poesía de la juventud con numerosos primeros planos y unos minutos finales en los que las localizaciones (un lago en mitad de un frondoso bosque) son tan bellas como los propios protagonistas. Utiliza canciones de la época y música clásica en contadas ocasiones, otorgando una profundidad y una seriedad difíciles de encontrar en cintas que hablan de la adolescencia.

Sin embargo, son los silencios, entre tanta charla política y sexual, los que adquieren un valor especial: el de la profesora que ve alejarse el coche de un colega tras descubrir que está casado con una argelina (presumiblemente, una contrincante ideológica), el del joven argelino que descubre su atracción física por la joven comunista...Son momentos tan sinceros como los del joven que se repite a sí mismo "Maricón" delante de un espejo. La película no juzga a sus personajes, deja que veamos cuáles son sus dudas y sus miedos y nos da tiempo para que los observemos como sólo el mejor cine europeo sabe hacer. La interacción entre todos ellos demostrará que los adultos están tan confundidos como ellos a la hora de posicionarse en el conflicto bélico.

"Los juncos salvajes" podría haber sido el "Amarcord" de André Téchiné, dadas las numerosas referencias autobiográficas, pero, al contrario que en el bizarro mundo de la obra maestra de Fellini, en esta oda francesa a la juventud lo excéntrico se sustituye por lo más hermoso que se puede sentir siendo joven: la belleza del deseo.

VALORACIÓN: ****

Escenas para la medianoche: "LA NOCHE DEL CAZADOR" (Charles Laughton, 1955)

2008-04-22T20:03:00.005+02:00

Ese niño que huía de un ogro sentado en una barcaza, que vio la luna reflejada en los campos y se dejó querer por las aguas del río. ..fuí yo.

La estampa: una noche de verano, ya tarde, y un jovencito de dieciocho años mirando embelesado y atemorizado un bello cuento de horror.

La película: La Noche del Cazador, única dirigida por ese genio de la interpretación llamado Charles Laughton.

La escena: Una de las más maravillosas de la historia del cine. Me habría gustado rodarla y perderme por esos campos a medianoche, encontrando magia en cualquier orilla de ese río.

Monólogo para recordar: DUBLINESES (John Huston, 1987)

2008-04-21T00:21:00.002+02:00

Caía nieve en cada zona de la oscura planicie central y en las colinas calvas, caía suave sobre el mégano de Allen y, más al oeste, suave caía sobre las sombrías, sediciosas aguas de Shannon. Caía, así, en todo el desolado cementerio de la loma donde yacía Michael Furey, muerto. Reposaba, espesa, al azar, sobre una cruz corva y sobre una losa, sobre las lanzas de la cancela y sobre las espinas yermas. Su alma caía lenta en la duermevela al oír caer la nieve leve sobre el universo y caer leve la nieve, como el descenso de su último ocaso, sobre todos los vivos y sobre los muertos

(James Joyce, "Los muertos", relato perteneciente a "Dublineses", que John Huston adaptó al cine en la que sería su última película)

"MUJERES AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS" (Pedro Almodóvar,1988):Gazpacho dopado y terroristas chihitas

2008-04-16T15:13:00.005+02:00

Tras el Festival de Cine español de Málaga nos encontramos con el vigésimo aniversario de Mujeres al borde de un ataque de nervios, la comedia que abrió las puertas del mercado internacional a Pedro Almodóvar. A su vuelta a los cines he visto como para algunos jóvenes no significa tanto como significó para mí cuando la vi hace tres años. Claro que yo soy veinteañero y ellos adolescentes, y tal vez no han sufrido los zarpazos del amor de manos de un falso camelador. Y así, con el dolor del engaño, comienza ésta, la historia de Pepa, una mujer desesperada que espera la llamada de teléfono del hombre que la acaba de dejar, Ivan. Mientras alguien descuelga el teléfono sabremos que es dobladora, como su ex-amante, que tiene una amiga que huye de la justicia por culpa de su relación con un terrorista chihita, un hijastro tartamudo y que su ruptura da pie a un sinfín de enredos que, cual camarote de los hermanos Marx, explotarán en el lujoso ático que habita.

El enredo es cien por cien almodovariano, con felices casualidades que sólo podrían ocurrir en su universo particular (que el hijastro y su novia quieran alquilar ese piso o que Ivan vaya a coger el vuelo que van a secuestrar los terroristas chihitas...¿más coincidencias??) y con diálogos ingeniosos que tienen segundas y hasta terceras lecturas. Lo más asombroso de todo es que las piezas sueltas del puzzle acaban confluyendo y tienen lógica, desde el divertido mambo taxi hasta el gazpacho que Pepa prepara con un buen número de somníferos. En los grandes guiones hasta el más mínimo detalle acaba teniendo una razón para existir, y todos los personajes brillan con luz propia. Así, no sólo Carmen Maura, capaz de dar risa y llanto en una misma mirada, sino María Barranco, Rossy de Palma o Chus Lampreave forman parte de un engranaje perfecto. Y como en toda película del Almodóvar de los 80, hay cabida para el spot televisivo ajeno a la trama (Ecce Omo, el detergente) y homenajes a cintas tan dispares como Johnny Guitar o La ventana indiscreta.

Pero en el fondo de la risa subyace la tristeza. Entre los rojos y azules intensos del más puro kitsch geométrico y almodovariano se deja ver la pena del desamor, la locura que conlleva ser traicionado por la persona amada. Almodóvar apuntó dos cosas fundamentales a la hora de explicar el porqué de su película: las mujeres aman más y mejor y por eso temen más la pérdida amorosa; y el guión salió de su odio irremediable al teléfono tras su paso por la compañía Telefónica. Hoy en día no existen los contestadores automáticos que se ven en el film, Pedrito ya no innova tanto con la cámara buscando ángulos imposibles (el del plano detalle bajo la cinta del contestador es mi favorito) ni Carmen Maura es ya su musa a pesar de la simulada reconciliación que supuso Volver. Sin embargo, en las ya desaparecidas cabinas telefónicas del Madrid de los 80, en los altos tacones de Pepa o en la hitchcockiana banda sonora de Bernardo Bonezzi, encontramos la alquimia de las grandes obras maestras: aquellas que nos transportan a un lugar y a un universo, aquellas que se ríen de nosotros mismos, de las miserias y las debilidades que produce nuestro loco amor.

VALORACIÓN:****1/2

Pepa se desespera con el contestador automático...

Festival de Cine Español de Málaga 2008

2008-04-06T18:33:00.002+02:00

Pronto mostraré fotos, recuerdos y anécdotas de este festival al que estoy asistiendo. Si queréis leer todo lo que vamos viendo, con fotos incluídas, os invito a entrar en:

http://canaldeestreno.blogspot.com

Y para oirnos: Canal Sur radio

Está siendo un placer acudir a un evento de tal magnitud desde el lado profesional. No me olvido del fallecimiento de Charlton Heston y el centenario de Bette Davis, dos gigantes de los que me gustaría escribir algo en este espacio personal en cuanto me sea posible.

¡Nos vemos en el Festival!

EL SILBIDO DEL TREN A LO LEJOS: La Gran Depresión en el cine

2008-03-28T11:24:00.010+01:00

El tren de Dumbo siempre viaja hacia la melancolía. Mientras los vagones recorrían parajes desérticos, los estudios Disney situaban por primera vez una de sus historias en una América por la que vagabundeaban gentes sin techo ni trabajo. Eran los mismos silbidos de tren que oía Gary Cooper en Juan Nadie o Claudette Colbert en Sucedió una noche, títulos imprescindibles para entender la dureza de la Gran Depresión. Como Dumbo, ellos también recorrían paisajes nocturnos. Frente a la melancólica sombra del tren en mitad de la noche, el viajero errante busca un futuro mejor.

El crack del 29 convirtió el mundo de la fantasía en el reino de la impostura. Hollywood descubrió que una cierta mentira resultaba imprescindible para transformar en ilusión la pesadilla cotidiana. Durante la década de los 30, la evasión fue el lugar común de casi todos los filmes. La magia del celuloide convertía la pobreza y desolación en poesía. Sólo de vez en cuando la realidad conseguía colarse en el argumento con un halo de romanticismo. Lejos de desvanecerse, esa imagen ha traspasado las barreras del tiempo y aparece de vez en cuando en las películas ambientadas en aquél tiempo. El Tom Hanks que deambula por los estados del Sur en Camino a la perdición o el Russel Crowe que boxea para sobrevivir en Cinderella Man repiten un éxodo en el más puro estilo de la Odisea. Sí, mucho antes de los viajes iniciáticos de los 60, Dumbo ya veía pasar tras la ventanilla campos desiertos y coches que circulaban con torpeza por carreteras polvorientas. El sueño americano era entonces algo más que un logotipo de McDonalds.

CENTENARIO BETTE DAVIS: "A merced del odio" (Seth Holt, 1965)

2008-03-26T11:14:00.005+01:00

Los años 60 supusieron una segunda carrera para la que había sido reina de la Warner en los 30. Tras el enorme éxito de "¿Qué fue de Baby Jane?", la Davis se convirtió en recurso habitual de películas grotescas que mezclaban el terror y el patetismo en dosis iguales. "A merced del odio" o "La nanny", como se titula originalmente la cinta, cuenta la historia de una vieja institutriz enfrentada a un niño malcriado al que tiene que cuidar. Mientras que la actitud del pequeño es odiosa, la de la niñera parece ser siniestramente pacífica, siendo ese uno de los aciertos de un guíón que nos tiene preparados varios giros inesperados al final.

En la época del terror posmoderno, en la que hemos visto todo tipo de finales sorprendentes, el de "la Nanny" es bastante previsible. Lo que no es previsible es la actitud de la protagonista, por la que el espectador llega a sentir auténtica pena y compasión. Ese logro pertenece por completo a la interpretación de Bette Davis, cuyos primeros planos pasan de lo aterrador a lo conmovedor con una facilidad pasmosa. Además, la puesta en escena del director es lo suficientemente expresiva como para no despegar los ojos de la pantalla. Así, la fotografía árida, los agudos contrapicados o la cámara al hombro capaz de seguir a una moribunda que se arrastra por los suelos, dan énfasis a una historia de emociones difíciles, de infancias trastornadas y de crítica feroz al esquema familiar británico. Como muy bien observó un analista, esta es una de las pocas películas de la Hammer( el estudio británico que resucitó a Drácula e hizo algunas de las mejores películas de terror de los años 60) en las que aparece la institución familiar y la visión no puede ser más feroz: todos los niños aparecen alejados de sus padres y con carencias emocionales. El film es, además, un tour de force para una Davis que dimensiona un personaje algo esquemático convirtiéndolo en un adorable monstruo cuya pena interior se exterioriza a través de un servilismo con ramalazos criminales.

VALORACIÓN:*** 1/2

"ESPARTACO"(Stanley Kubrick, 1960): El peplum inteligente

2008-03-21T14:57:00.003+01:00

De "Espartaco" se ha dicho de todo. Unos la ven como la obra más impersonal de Stanley Kubrick, otros como un icono gay por la famosa escena de las otras y los caracoles (insinuación entre amo y esclavo con la simbología de ambos alimentos) y hay quien dice que es una anomalía dentro de el cine épico de la Antiguedad al no estar relacionada en ningún momento con lo religioso.

Lo que sí es cierto es que "Espartaco" nació de un sueño de Kirk Douglas. El actor quedó tan decepcionado al no ser elegido como el protagonista de "Ben-Hur" que quiso llevar la vida del esclavo que se rebeló contra el imperio romano a la gran pantalla. Tuvo el apoyo de la Universal y de su propia productora, pero lo que no sabía es que el set de rodaje se convertiría en una batalla entre egos. El del propio Kubrick, que había dirigido a Douglas en la magnífica "Senderos de gloria", estaba mancillado ya que ésta no era una "criatura" suya, siendo él el sustituto del director Anthony Mann, que había sido despedido de la filmación. El de los actores tampoco se quedaba atrás, con los contínuos altercados verbales entre dos gigantes de la escena británica: Sir Laurence Olivier y Charles Laughton, que se llevaban tan mal en la pantalla como fuera de ella. Por si todo este caos fuese poca cosa, el guionista elegido por el propio protagonista era Dalton Trumbo, que había estado en la nefasta lista de los 10 de Hollywood, aquellos que se negaron, ante el senador McCarthy, a responder si eran o no miembros del Partido Comunista durante la tristemente célebre "Caza de brujas".

Pero como ocurre con muchos alumbramientos cinematográficos, este vino al mundo convertido en un niño con el pan bajo el brazo. "Espartaco" cuenta la historia del esclavo y también la lucha de poderes entre dos senadores de Roma. Cuenta el deseo entre el protagonista y la esclava Varinia a través de miradas y posee algunos de los mejores diálogos que se puedan imaginar en este tipo de películas. Así, las trifulcas y maquinaciones políticas de Roma dan dimensión a personajes como los de Graco y Craso, y contrastan con la sana ingenuidad de los esclavos, que sólo desean ser libres. La visión corrupta del poder es de todo menos simple, narrada sin maniqueísmos y con brillantez a través de todos y cada uno de los actores de un reparto de lujo: desde Douglas o Laughton pasando por Peter Ustinov, Jean Simmons, Tony Curtis o John Gavin. Todos ellos están extraordinarios.

Si el guión es sobresaliente, otro tanto puede decirse de la puesta en escena. Aunque se aleja de los parámetros cien por cien kubrickianos (las cámaras de Technirama pesaban demasiado como para andar moviéndolas mucho)y una utilización genial de los grandes espacios abiertos. Acaso el plano más característico del director sea aquel de la batalla final, en el que las masas de ejércitos forman enormes cuadrados que parecen colocados en un tablero de ajedrez. Esta imagen casa con el gusto por las composiciones geométricas de Kubrick. También los travellings laterales dentro de la prisión de los esclavos (detrás de las rejas, como dura metáfora de la falta de libertad) o aquel que recorre un campo enorme de muertos (que recuerda, y mucho, a otro parecido de la reciente "Expiación") Y por supuesto la efectividad de colocar la cámara en un lugar o en otro (los esclavos a punto de salir a la arena, en silencio, y escuchando como sus compañeros se baten a muerte fuera, dándoles más sensación de claustrofobia al no ver lo que sucede en el exterior más que a través del sonido) Lo que sí se sale del cine de su autor es el sentimiento que impregna toda la película. Lejos de ser panfletaria, la cinta habla con sinceridad de la necesidad de libertad individual, aquella que puede afectar a una masa de personas, y que se ejemplifica con momentos inolvidables. Nunca sentiremos más por el protagonista de una historia que en el momento en el que todos los esclavos se levantan al grito de "Yo soy Espartaco" para apoyar a su recién derrotado líder. Esa secuencia y la de la crucifixión final son verdaderamente emocionantes en la filmografía de un director que siempre prefirió narrar con frialdad sus historias. Pero lo que verdaderamente asombra de este film que acabó con la Caza de brujas es su franca sexualidad, su violencia y su ideario político absolutamente moderno. En este encontramos una visión metafórica de la propia tiranía de los ejecutivos de Hollywood, aquellos que esperaban otra entretenida y espectacular película religiosa y se encontraron con una cinta madura, inteligente y épica que, perfectamente, puede ser la mejor de su estilo.

VALORACIÓN:***** (Obra maestra)

Trailer de la película

Momentos históricos de los Oscars:CHARLES CHAPLIN Y SU OSCAR HONORÍFICO

2008-03-20T00:46:00.002+01:00

Corría el año 1972 y el señor Chaplin, una de las figuras más grandes de la historia del cine, recogía un Oscar que se le había negado durante toda su carrera. Exiliado voluntario de Estados Unidos después de su romance escándalo con una menor de edad, Chaplin era demasiado progresista y demasiado artista para ser aceptado del todo en el establishment de Hollywood. El creador de Charlot, de un tipo de comedia humanista ejemplificada en cintas como "Tiempos Modernos" o "El gran dictador"(en donde ejercía de actor, protagonista, montador o compositor de la banda sonora, ni más ni menos) es, como Greta Garbo o Rodolfo Valentino, sinónimo de cine; un nombre que hasta el espectador más inculto conoce aun sin haber visto ni una de sus películas. Ver a Jack Lemmon darle el bastón y el bombín característicos de su mítico personaje es uno de esos instantes que ponen todos los vellos de punta. Disfrutadlo...

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80 años de Oscars: "EL CAZADOR" (Michael Cimino, 1978)

2008-03-15T12:50:00.003+01:00

Antes de arruinar a la United Artists con la megalomanía de "La puerta del cielo" y de operarse para convertirse en señora, Michael Cimino fue uno de los genios del cine americano a la altura de Scorsese o Coppola. También este último acabaría arruinando un estudio, pero como dicen en Hollywood, no es lo mismo arruinar el propio que el ajeno, y más aún si este fue creado por monstruos sagrados de la industria como Charles Chaplin o Griffith. "El cazador" no se libró de críticas y ataques desde la prensa más liberal hasta la mismísima Jane Fonda, pero acabó triunfando en los Oscars con cinco estatuíllas incluídas las de Mejor Película y Mejor Director. Fonda, empeñada en que "El regreso"(que también trataba de forma poco amable la guerra de Vietnam) ganase, acusó a la cinta de Cimino de retrato racista y poco justo con los vietnamitas. A otros simplemente les pareció tan irreal como un cuento de ogros.

La historia de tres amigos que que luchan en Vietnam era audaz a tan sólo tres años de finalizar la única guerra que ha perdido el país de las barras y estrellas. Con una estructura clásica en tres actos, la película narra las vivencias previas de esos chicos de ascendencia rusa antes de la guerra, su mala experiencia en la misma mediante crueles escenas de ruleta rusa (ese juego en el que cuenta el valor que uno tenga al ponerse una pistola en la sien), y su vida posterior, marcada perpetuamente por el conflicto bélico. Es difícil entrar en unos primeros minutos llenos de planos generales bastante impersonales y una larga secuencia de boda que se presupone retrato costumbrista de los jóvenes. Sin embargo, el talento del director se hace aparente en sutilezas como el cruce de miradas de amor entre Robert DeNiro y Meryl Streep, el vino que mancha el vestido de novia como metáfora catastrófica y en la secuencia de la caza, cargada de un minimalismo poético sobrecogedor. La parte central, a base de silencios y de tensión, convierte el juego de la ruleta en metonimia de la participación americana en la guerra. Por eso choca la última parte, en la que escenas tan acertadas como la del coche del veterano que pasa de largo ante la fiesta de despedida que le tienen preparada sus amigos, o el tremendo plano subjetivo de las decenas de tumbas de soldados, se estropean con momentos que hacen buena la teoría del racismo de la cinta, y otros de dudosa tendencia política (la entonación final del "God bless America" por parte de los personajes es, como poco, ambigua)

Sin embargo, los aciertos superan cualquier desvío de la película, que también se beneficia de contar con un plantel de jóvenes actores que se convertirían en indispensables con el paso de los años. Así, Robert DeNiro, Meryl Streep o Christopher Walken realizan una de las mejores interpretaciones de su carrera. Lo que realmente conmueve de "El cazador" es la incapacidad de su director para igualarla posteriormente, y el amargo retrato que hace sobre la amistad convertida en sentimiento de pérdida irreparable. Con guerra o sin ella, la película de Cimino habla de la pérdida de la inocencia, de entrar en un camino oscuro e irreversible que sólo deja atrás la nostalgia de los buenos momentos compartidos.

VALORACIÓN:****1/2

Trailer de la película

DESPECHADAS DE CINE: "Las hermanas Bolena"

2008-03-10T12:50:00.003+01:00

Si preguntásemos a Freud sobre una figura femenina clave en sus estudios psicológicos, la "histérica" ocuparía un puesto de honor. Dados los cambios sociales que se han producido en el movimiento feminista, hoy sería políticamente incorrecto hablar del despecho surgido del desamor como un sentimiento exclusivamente femenino y basado en la idea preconcebida de la maldad de la mujer. El cine que se atrevía a desafiar el buen gusto y lo correcto dio muchos personajes de mujer despechada. En los 30, Greta Garbo, Marlene Dietrich y Bette Davis sufrieron por amor y acabaron convertidas en mezquinas másquinas de hacer daño. En "Susan Lenox" , Garbo le hacía pagar caro a Clark Gable haberla rechazado y en "Capricho imperial", la Dietrich era una vengativa y manipuladora Catalina la Grande. Una de sus frases ejemplificaba a la perfección su transición de niña inocente a perversa zorra aspirante al trono: "Ahora que sé lo que el pueblo ruso espera de mí, me siento mucho mejor"

Bette Davis hizo lo propio en "Jezabel", donde un vestido rojo era un desafío social que la llevaba a perder a su prometido, Henry Fonda. Su mejor venganza era salvar su despecho mediante el duelo a muerte, incitado por ella, de dos caballeros. El retrato más verosímil del engaño amoroso convertido en venganza lo "pintó" una magnífica Olivia deHavilland en "La heredera" de William Wyler. La forma en la que pierde su inocencia y acaba lastimando a su padre y a su amante sigue siendo conmovedora y una prueba de su talento como intérprete. Más recientemente, la adaptación de la novela "Las amistades peligrosas" en manos de Stephen Frears nos daba retratos fidedignos de la manipulación sexual como única salida a la falta de amor. Así, la marquesa encarnada por Glenn Close era una maquiavélica bruja dieciochesca que se permitía el lujo de hacer daño por puro placer. La versión adolescente de la misma historia, "Crueles intenciones", enfatizaba estos aspectos en una deliciosa Sarah Michelle Gellar.

"Las hermanas Bolena", dirigida por Justin Chadwick, es una muestra más de este tipo de personajes tamizados por la corrección política. Ana Bolena está encarnada por una Natalie Portman que muta en loba herida cuando su hermana capta la atención amorosa de un erótico Enrique VIII. La revancha, como saben todos los amantes de la historia, se volvió contra ella, acusada de bruja y guillotinada por el propio rey. Razones no le faltaban al monarca según la visión de los tiempos: la Bolena lo había apartado de su hermana, de su esposa Catalina de Aragón y del Vaticano. Nada da fuerza a una película floja, comercial y con aires de telefilme que no sabe aprovechar ( o no quiere dadas las limitaciones comerciales del erotismo en las pantallas norteamericanas) la lujuria que despiertan Eric Bana, Scarlett Johansson o la Portman. El intento es hacer cine clásico y copiar el modelo de cintas como "La vida privada de Elizabeth y Essex", pero la cinta se acaba convirtiendo en una radiografía del despecho al igual que "La solterona", vieja película cebada en la rivalidad entre Bette Davis y Miriam Hopkins. Con las miradas de odio entre Scarlett Johansson y Natalie Portman, el cine de Hollywood demuestra que las venganzas por amor siguen siendo patrimonio de las féminas.

VALORACIÓN de "Las hermanas Bolena": ***

"DE REPENTE EL ÚLTIMO VERANO" (Joseph L. Mankiewicz, 1959): El universo de Tenessee Williams

2008-03-01T14:42:00.007+01:00

Una gran dama sureña que dona un millón de dólares a un centro especializado en neurocirugía no es de fiar. Sobre todo si su verdadera intención es comprar a un médico para que opere a su sobrina de lobotomía, y si esa operación no es más que un truco para cerrarle la boca; una boca que sabe demasiado sobre la muerte de su hijo. .Tenemos amor edípico e incestuoso, ninfomanía, homosexualidad y canibalismo (la muerte real del hijo de la gran dama es una explosiva mezcla de ambas cosas) Todos esos elementos conforman un cóctel que solo puede ser obra del dramaturgo Tennessee Williams, uno de los grandes de la escena norteamericana del siglo XX.

La traslación al cine fue obra de Columbia, jugandose el tipo con la censura y llevando a sus estrellas al límite. Katharine Hepburn aceptó encantada ser la gran dama sureña que idolatra a su retoño y baja a su gran salón en una especie de trono-ascensor, pero acabó escupiendo al director, Mankiewicz, al finalizar el rodaje. Tal era la tensión que se vivía en un plató al que llegaba siempre tarde Elizabeth Taylor y en el que Montgomery Clift era humillado a diario entre copa y copa de alcohol. Sin embargo, a pesar de las dificultades, "De repente el último verano" rompió muchos tabúes, como lo había hecho "Un tranvía llamado deseo" años atrás. Hoy en día cuesta relacionar canibalismo con homosexualidad, y cuesta ver porqué los pequeños "vicios" del joven cadáver al que se alude en toda la historia suponen tal afrenta para su madre. Pero Williams habla de una sociedad cerrada y conservadora en la que el deseo puede aflorar con consecuencias dramáticas, y en la que la locura no es más que la excusa para enjaular los instintos más primitivos del ser humano.

Lo realmente destacable de la película es la capacidad de Mankiewicz para hacer una película gótica en lo visual, dado su estilo teatral, limitado casi siempre a la filmación de grandes diálogos. Aquí las conversaciones tienen la altura melodramática y desaforada de su autor original, pero están acompañadas de un expresionismo visual que llega a su cénit en momentos como el encuentro de la Taylor con los locos del hospital (magnífico montaje, acelerado y claustrofóbico), los contrapicados que muestran a Hepburn como el monstruo poderoso que es, o el flahsback final, impregnado de un onirismo trágico y cruel al tiempo que el director utiliza primerísimos planos de tía y sobrina, enfrentadas por fin a la verdad de la muerte de Sebastián, ese joven poeta homosexual al que nunca vemos, pero cuya presencia nos embauca de principio a fin como si se tratase de la "Rebeca" de Hitchcock. Ambas actrices realizan los papeles más iconoclastas de toda su carrera, siendo especialmente destacable Elizabeth Taylor, que aguanta el tipo en un difícil monólogo final, mostrando porqué muchos ya no la consideraban sólo una cara bonita. La escena de los bellos efebos devorando al joven al que han proporcionado placer sexual sigue siendo (aunque poco explícita y limitada por la censura de la época) una de las más crudas de la historia del cine, y una prueba feaciente de la visión de Williams: la sociedad es demasiado cruel para admitir el deseo carnal como algo innato al ser humano.

VALORACIÓN: **** 1/2

Oscars 2007: BARDEM, LOS COEN Y EL TALENTO EUROPEO

2008-02-25T14:01:00.008+01:00

"Esto va para toda España". Seguro que muchos de los insomnes espectadores españoles que estaban viendo la ceremonia número 80 de los Oscar se alegraron de que Javier Bardem se acordase de ellos mientras acababan con las reservas de café del país para no dormirse. Bardem ganó el Oscar al mejor actor secundario por "No es país para viejos", la mezcla de thriller, existencialismo rural, road movie y seca comedia dirigida por los hermanos Joel y Ethan Coen. Conste desde ya que el personaje de Bardem me parece demasiado unidimensional para considerarlo el mejor de su ya larga carrera, pero también es cierto que su presencia en la película es magnética. Los Coen han hecho una película que por momentos parece obra de Hitchcock, con una tensión insuperable y un inmejorable alargamiento del tiempo real en las escenas de suspense. También tengo que decir que no creo que funcione tan bien la parte más trascendente de la historia, la del policía encarnado por Tommy Lee Jones, el cual se dedica a perseguir al asesino Bardem y al pobre infeliz que ha encontrado dinero negro (Josh Brolin) y a deleitarnos con unos diálogos tan certeros y directos que son puro Coen (o lo que es lo mismo, un estilo que ofrece un humor negro, parco en palabras y muy americano). La película ganó el Oscar al mejor film de la noche y los Coen vieron recompensada su trayectoria de cineastas únicos e independientes con otra estatuilla compartida a la mejor dirección. No cabe duda de que la hazaña de Bardem será recordada durante décadas. No sólo es el primer actor español en conseguir un Oscar, sino que lo hace estando en la mejor película (según la Academia) del año, la cual ya pasa automáticamente a la historia del cine aunque sólo sea por esa nimia razón.

Respecto al resto de premios, la gran sorpresa fue el galardón a la mejor actriz de Marion Cotillard, protagonista de "La vie en rose". Hasta anoche no me di cuenta de que ésta era la misma chica que otorgaba un encanto especial a su pequeño personaje en el "Big Fish" de Tim Burton. También inesperado fue el Oscar a la mejor secundaria para Tilda Swinton. Si yo fuese miembro de la Academia esa categoría llevaría el nombre de Cate Blanchett escrito en mi sobre de votación. El Oscar a Daniel Day-Lewis estaba cantado y también en las quinielas de todo el mundo. Por otra parte, mi gran pena es el único Oscar (merecidísimo) para "Expiación" y su banda sonora creada por Dario Marianelli. Parece que la Academia ya no tiene en cuenta el peso emocional de una película o bien no han visto los ríos de lágrimas que la película de Joe Wright provoca en el respetable.

Penas aparte, es curioso que la elección de la Academia coincida tanto en los últimos años con la de los críticos. "Infiltrados"o "Million Dollar Baby" han demostrado que los años en los que ganaban películas más populares como "Braveheart" o "El señor de los anillos" quedan lejanos. Aun a expensas de las bajadas de audiencia en la ceremonia, los académicos premian filmes con grandes críticas y, en el caso de la película de los Coen, nada fáciles para el espectador medio. ¿Es esto positivo? Parece que se vuelve a premiar la calidad y, en ese sentido, no cabe duda de que lo es. No hay más que ver la gran cantidad de premiados europeos de este año para darse cuenta de que Hollywood hace lo que mejor ha sabido hacer siempre: fagocitar el talento ajeno y amoldarlo a su industria. Esperemos que el de Bardem sea aprovechado y que el "cine Oscar" siga siendo de alta calidad a pesar de películas flojas como "Michael Clayton" o la sobrevaloradísima "Juno".

Javier Bardem recoge su Oscar

"VIVIR PARA GOZAR" (George Cukor, 1938): Comedia social y política en el Hollywood de la Depresión

2008-02-20T08:49:00.002+01:00

Cuando George Cukor quiso que su amiga Katharine Hepburn protagonizase "Vivir para gozar", la negativa de Harry Cohn, mandamás de Columbia, fue inmediata. La Hepburn había sido declarada "veneno para la taquilla" por la revista Variety tras una serie de estrepitosos fracasos. Cukor le convenció finalmente y así es como la actriz de la mandíbula prieta llegó puntual al rodaje cada mañana de aquel lejano 1938. A primera vista, la idea de convertir a Cary Grant en un tipo corriente a punto de casarse con una millonaria no parecía muy distinta de la de otras screwball comedies de moda en aquellos años. Parecía una nueva oportunidad para explorar de forma crítica y divertida el modus vivendi de los ricos. Nada que no hubiesen explorado antes las cintas de Gregory LaCava o las alocadas farsas de Howard Hawks. Sin embargo, en aquel "Holiday" del título original había algo peculiar y tremendamente moderno.

El personaje de Grant no es sólo un intruso en un mundo de oropel sino un joven con una clara filosofía casi rousseauiana: irse de vacaciones mientras sea joven para descubrir la razón de trabajar y amasar dinero. Obviamente, ni su prometida ni su futuro suego comprenderán tan "escandalosa" idea, encontrando un halo de complicidad con su potencial cuñada, una encantadora Katharine Hepburn. A ella le regala Cukor grandes diálogos basados en la obra de Phillip Barry (el mismo que luego escribiría unas "Historias de Filadelfia" llevadas al cine con el mismo director y los mismos protagonistas) y algunos de los más emocionantes primeros planos de la película. Ésta posee una capacidad formal mucho mayor que otras películas de su autor. Sirva para ello un ejemplo: para comparar al matrimonio amigo de Cary Grant con otro remilgado e hipócrita de la alta sociedad, Cukor los registra a través de un montaje fragmentado e informal, mientras que a los segundos los filma en un largo y solemne travelling mientras suben unas escaleras. Otro ejemplo son los primeros planos que empequeñecen a Grant y lo convierten en un monigote que poco o nada tiene que ver con ese mundo de lujos.

Sin embargo, lo que ha hecho que la película perdure y que sea un clásico perdido en el limbo de las películas infravaloradas, es su visión del sueño americano y de la propia libertad. La realización personal es como ese cuarto de juguetes en el que Hepburn se siente comprendida: una especie de oasis en mitad del materialismo y el conformismo más cruel, ese que anega los deseos de ser diferente, de vivir la vida por algo más que por ganar dinero o aparentar una posición social. Entrar de vez en cuando en ese cuarto de juguetes sigue siendo refrescante y da a esta historia una universalidad a prueba de bombas.

VALORACIÓN **** 1/2

Video hecho por un fan con imágenes de la película

80 años de Oscars: "EVA AL DESNUDO" (Joseph Leo Mankiewicz, 1950)

2008-02-03T16:48:00.000+01:00

¡Qué ironía el hecho de que una película que comienza en une entrega de premios ostente el récord de nominaciones a los Oscar! ¡Qué ironía que los diálogos de la misma estén considerados como unos de los mejores de la historia del cine cuando hablan del teatro! Pero no se engañen, "Eva al desnudo" destripa hasta tal punto el mundo entre bambalinas que ni el cine se le escapa: ahí están esos comentarios sobre lo "menor" que es trabajar en Hollywood y sobre una estrella de la meca del cine que nunca llega a ver el espectador.

La excusa, el gran "mcguffin" de la historia, es Eva. A Eva la conocemos en la entrega de galardones teatrales y accedemos a ella a través de un largo flashback que nos muestra su historia: la de la pobre niña admiradora de una gran estrella que acaba suplantándola y escalando peldaños a base de trampas y fingida bondad. Es decir, la enemiga que todos deberíamos temer en el mundo real. Pero como decía, ella es el pretexto para enseñarnos el ego de autores, la tentación del dinero, la amargura de críticos que se aprovechan de su situación o la tristeza de una gran actriz que se ve traicionada y que teme perder su profesión y su amor al mismo tiempo que pierde su lozanía y su juventud. Esa gran estrella teatral es Margo Channing y en sus rasgos reconocemos los de una Bette Davis que siempre agradeció el personaje y lo consideró un salvavidas para su carrera. La gran Bette, inspirada (según dicen) en Tallulah Bankhead, se muestra estremecedora, débil, diva y majestuosa. Cualquier espectador sensato agradece la enfermedad de una Claudette Colbert que estuvo a punto de hacer el papel. Igualmente magnífica está Anne Baxter en su caracterización de Eva, pasando del servilismo a las maneras de arpía sin que apenas lo notemos. George Sanders y la siempre eficaz Thelma Ritter tampoco se quedan atrás con pequeñas pero grandes aportaciones.

Hay que reconocer que por muy bien que estén los actores, los diálogos les ayudan mucho. Y aquí están algunos de los más brillantes, irónicos y mordaces que podamos oir jamás. El propio Mankiewicz los escribió y consiguió así su gran obra maestra, esa que vencería en la ceremonia de los Oscars al mismísimo Wilder de "El crepúsculo de los dioses" (ganaría 6, incluído el de mejor película) Su eficacia no estaba en la puesta en escena ya que, si bien es correcta, nunca encontramos otra cosa que academicismo en ella. Así, cuando Eva Harrington explica su melodramático pasado, otro realizador nos habría regalado un falso flashback que hubiese hecho mucho más dura la reveladora verdad sobre el personaje. Mankiewicz prefería centrarse en tomas largas y movimientos de cámara seguimiento de unos actores geniales, de unas criaturas representando el mundo de la representación, de unas víboras que siempre nos podemos encontrar a la vuelta de la esquina...

VALORACIÓN:***** (Obra maestra)

HEATH LEDGER (1979-2008) que estás en los cielos...

2008-01-25T19:43:00.000+01:00

Martes, once y media de la noche: hora española en la que se conocía una de las noticias más terribles, sorprendentes e inesperadas de los últimos años, la muerte de Heath Ledger, una de las estrellas de Hollywood con más futuro. La razón, una sobredosis de somníferos que no se sabe si fue intencionada o accidental. Tras días de reconocimiento, duelo y un revuelo mediático que ha llegado a afectar al mismísimo presidente Bush, lo que queda es la obra de este joven actor que, como muchos otros (la muerte de Brad Renfro sirve de reciente ejemplo) ha dejado el mundo de los vivos demasiado pronto en circunstancias trágicas.

Conocí a Ledger como el guapo protagonista de películas terribles como "10 razones para odiarte" o la inflada "El Patriota"(Roland Emmerich, 2000), en la que encarnaba al hijo de un belicoso Mel Gibson. En principio, su melena rubia, cuerpo atlético y sonrisa perfecta no me hicieron fijarme en otra cosa que no fuese su físico. Con el tiempo, esa sensación fue transformándose en admiración. El chico se apartaba de su destino como joven florero de comedias insulsas y combinaba lo comercial con lo "indie". Ahí estaban "Destino de caballero" (Brian Helgeland, 2001) y "Monster's Ball"(Marc Forster, 2001) para demostrarlo. Por aquella época descubrí que había interpretado a un adolescente gay en su Australia natal, antes de la llegada de Hollywood y de la fama. Sin embargo, mi cariño incondicional lo despertó el Ennis del Mar de "Brokeback Mountain" (Ang Lee, 2005) Había algo de mágico en aquella combinación de fortaleza y vulnerabilidad del vaquero homosexual al que encarnaba que, sencillamente, me emocionaba. Era como si el John Wayne de "La legión invencible" (John Ford, 1949), o el Brando de "La ley del silencio"(Elia Kazan, 1954) se hubiesen metido en la piel del actor y volviesen a vivir.

La película se convirtió en referencia ineludible para millones de gays, en el Oscar al mejor director para Lee y en el reconocimiento definitivo (vía candidatura a la famosa estatuilla dorada) para el joven actor. También significó su unión real y ficticia con la actriz Michelle Williams, de la que se separó hace meses y con la que tuvo a su hija Matilda. Aunque mi universo no conecta con el de Terry Gilliam, la comicidad de Ledger en "El secreto de los hermanos Grimm"(2005) fue, inmediatamente, mi aspecto favorito de la película. No he visto "Candy"(Neil Armfield, 2006) pero admiro su capacidad para encarnar a un heroinómano en una cinta independiente justo después del boom "Brokeback". Su carrera profesional, al contrario que su ya cerrado ciclo vital, continuará en "El Caballero Oscuro" (Christopher Nolan, 2008) , en donde el temido Joker volverá a hacerle la vida imposible a Batman utilizando su ya mítico rostro.

El comienzo de Ledger en plena efervescencia noventera del cine "teen" y su evolución seria hacia otro tipo de cine no es distinta a la de muchos otros actores de Hollywood. La diferencia es que él, a sus 28 años, no podrá convertirse en la vieja gloria que intuíamos cuando abrazaba la camisa de Jake Gyllenhaal. Como otras estrellas que nunca alcanzaron la treintena, Ledger ya se encuentra en el cielo de nuestros recuerdos junto a Jean Harlow, James Dean o River Phoenix. El chico guapo que mutó en gran actor observa desde allí la meca del cine, esa misma que se ceba, llena de morbo, en su fallecimiento; la misma que lo convertirá en un mito cuya longevidad contemplaremos desde nuestra posición de simples mortales.

Uno de mis vídeos favoritos de la red: Luz Casal y "Brokeback Mountain". Perfecto para homenajear a Heath Ledger.

"EXPIACIÓN" (Joe Wright, 2007): El auténtico regreso de los clásicos

2008-01-20T13:44:00.000+01:00

Cuando una espléndida Vanessa Redgrave, encarnando a una anciana que desvela la verdad de la historia de amor imposibilitada por su imaginación infantil, aparece en pantalla, es entrevistada (en un cameo casi imperceptible) por el mismísimo Anthony Minghella, director cuya filmografía ha sido, dicen, un punto de referencia en la creación de "Expiación". El autor de "El paciente inglés" (1996) o "Cold Mountain" (2003) es experto en adaptar obras literarias modernas de carácter romántico con grandes dosis de épica y poesía, pero su cine no tiene nada que ver con los hallazgos de Joe Wright adaptando esta novela de Ian McEwan. Lo que Wright ha conseguido es lo que sólo conseguían los grandes del cine clásico: contar una historia con inventiva visual y hacer que interese tanto su argumento como su puesta en escena visceral, poética y talentosa, hasta tal punto que hay que verlo para creerlo. Wright ha hecho una película en la línea de los primeros trabajos de otro grande del cine británico: el mismísimo David Lean. Ha filmado, en suma, su propio "Breve Encuentro".

El romance visto a través de los ojos de una niña que ansía ser escritora y tiene una imaginación perniciosa, se convierte en manos del director en un retrato de culpa, de amor nunca consumado por culpa de los tristes designios del azar, y en una disquisición sobre el lado perjudicial de la literatura y del arte, sobre la necesidad de mentir y la de amar; sobre la necesidad de perdonar...Y Wright lo hace jugando con las espectativas del espectador, mostrándole la misma secuencia desde dos puntos de vista muy diferentes, conjugando flashbacks y saltos en el tiempo para llevarlo por donde quiere y adelantando momentos fatales con una banda sonora tristísima que llega a inquietar con el simple sonido del tecleo de una máquina de escribir. Además, su puesta en escena es digna de quitarse el sombrero: desde el impresionante plano secuencia de 4 minutos que muestra los horrores de la guerra, pasando por el dominio del travelling o de una secuencia que gana en erotismo a través del uso del primerísimo plano. Si Keira Knightley logra emociones nunca vistas en ella con su papel de la joven y rica Cecilia y tiene algo de las viejas estrellas del Hollywood de los años 30, son James McAvoy y Saoirse Ronan, como la Briony niña, los que consiguen interpretaciones insuperables y sorprendentes.

A pesar de un segundo tramo algo más flojo, de una parte (la de la guerra) en la que el dominio del ritmo y el seguimiento de los personajes es más irregular, "Expiación" es la prueba de que aún hay vida en el cine británico, de que todavía se pueden hacer melodramas dignos, intensos y de gran calidad; dramas que impactan, que provocan lágrimas a base de cogernos y pisotearnos el corazón, y que quedan en la cabeza hasta muchos días después de haberlos visto.

VALORACIÓN: ****

Un ejemplo de la magnífica banda sonora de la película, obra de Dario Marianelli. Tanto la banda sonora como la película han ganado sendos Globos de Oro.

BRAD RENFRO (1982-2008): Otro juguete roto de Hollywood

2008-01-17T17:11:00.000+01:00

Sorpresa y consternación es la que se puede sentir ante la muerte de un jovencísimo actor con algún que otro destello de gran profesionalidad en sus tempranas interpretaciones. El actor Brad Renfro ha sido hallado muerto en su domicilio de California a la tierna edad de 25 años. Las causas son desconocidas pero se apunta a las drogas, dados los numerosos problemas que el chico había tenido con la ley y con los estupefacientes.

Renfro pertenecía a esa generación de actores infantiles que despuntaron a principios de los años 90. Así, como a Christina Ricci, Macaulay Culkin o Thora Birch, la fama le llegó demasiado pronto durante esa década. En "El Cliente" (Joel Schumacher, 1994) era el pequeñajo que requería los servicios de la abogada encarnada por Susan Sarandon, que se ha mostrado consternada ante el fallecimiento. Después de ese primer éxito, fue uno de los niños maltratados en "Sleepers"(Barry Levinson, 1996) y en "Verano de corrupción" (Bryan Singer, 1998) le hacía frente al mismísimo Ian MKellen. Al crecer, su estrella se apagó un poco pero aún tuvo tiempo de brillar en la muy sexual y escandalosa "Bully" (2001), del siempre polémico Larry Clark, y en una de las películas de culto de la presente década, "Ghost World" (Terry Zwigoff, 2001). En la primera era el absoluto protagonista de una dura historia en la que su novia lo manipulaba hasta llegar al asesinato, como una feroz y adolescente Lady McBeth.

Con la muerte de Renfro se produce otro de esos ejemplos de niños prodigio que acaban teniendo una desastrosa transición a la etapa adulta, que en este caso ha derivado en su fallecimiento. Si Drew Barrymore supo reciclar su imagen a tiempo o Marisol (hoy sólo Pepa Flores) supo huir del estereotipo de heroína infantil explotada y manipulada por productores y ejecutivos, personalidades como Judy Garland o Natalie Wood siempre cargaron con la losa de no haber tenido una infancia "normal"...Renfro pertenece ya a este grupo y a esa "generación Culkin" que no siempre ha dado como fruto a grandes estrellas o a grandes actores (el apellido que denomina dicha generación es el ejemplo perfecto). Descanse en paz...

Un video hecho por un fan cuando el actor cumplió 25 años. Nadie podía adivinar que sería su último cumpleaños.

Qué bello es copiar posts

2008-01-17T16:52:00.001+01:00

Parafraseando a Frank Capra, qué bello es que te copie el administrador de un foro de la página web de un importante programa de cine en la radio.....( ¿ os suena la Ser?) y que ni siquiera te pidan disculpas personalmente ni lo hagan público en el foro....

Me encanta ver cómo todos compartimos las cosas en internet y, ya puestos, me encanta ser copiado por los grandes, por un programa que admiro y respeto. Sin embargo, les recomendaría copiar mejor los artículos, porque el de Titanic y su décimo aniversario incluía recuerdos muy personales y el pronombre "yo" aparecía en varias ocasiones.

Y bueno, ya puestos, si tanto les gusta lo que escribo, que me contraten. Me encantaría ser parte de un programa con tanta audiencia y al que, sinceramente y hablando totalmente en serio, admiro profundamente.

Mi artículo:
http://mas-cine-xfavor.blogspot.com/2007/12/titanic-10-aos-reina-del-mundo.html

La copia, antes de ser retirada (guardada en Google Cache):

ACTUALIZACIÓN. La copia, colocada de nuevo como si tal cosa, en la misma página... Sencillamente indignante:

http://www.loqueyotediga.net/foro/viewtopic.php?t=5062&sid=78da60c5220d009d9ae0a67e45c6fc44

LOS GLOBOS DE ORO SE CANCELAN

2008-01-08T12:41:00.000+01:00

La huelga de guionistas ha hecho que la ceremonia de los Globos de Oro (los premios de la prensa extranjera en Hollywood, generalmente considerados un anticipo de los Oscars) se haya cancelado de manera oficial. La solidaridaridad de grandes estrellas de la industria como Keira Knightley o Johnny Depp para con las exigencias de los guionistas, que, evidentemente, no habrían acudido a la ceremonia, debe de haber influído mucho a la hora de calibrar los pros y los contras de organizar una ceremonia vacía de stars y de caras conocidas. Está claro que es eso lo que más publicidad y cuantiosos beneficios genera a la retransmisión televisiva de los premios y si estos quedan deslucidos resulta mucho más económico cancelar la ceremonia y convertirla en una sencilla y minimalista lectura de premios, como será el caso.

Que nadie crea que la asociación de prensa extranjera lo hace para confraternizar con los guionistas: es la ausencia de estrellas la que obliga a ponerle candado al cielo.......Es de agradecer que las estrellonas sean las que mueven ficha y las que comprenden realmente que sin guiopnistas pocos papeles pueden representar. Ahora bien, ¿y el público hambriento de glamour?? ¿cómo reaccionará si, además de esta celebérrima entrega de premios, ve como se suspenden también los sagradísimos Oscars?? Mejor no pensar en las respuestas.

"CAPRICHO IMPERIAL" (Josef von Sternberg, 1934):Hollywood se vuelve barroco

2007-12-22T13:07:00.000+01:00

Atónitos se debieron quedar los jefazos de la Paramount cuando Sternberg les presentó, en un pase previo al estreno, su película "Capricho imperial". El director había conocido a Marlene Dietrich rodando con ella "El ángel azul" y cuando se marchó a Hollywood no dudó en llevársela consigo. Allí hicieron 7 películas juntos y ésta es, con diferencia, la más iconoclasta. De hecho, es una de esas joyas escondidas que se hicieron antes de que el restrictivo Código Hays se convirtiese en el salvaguarda oficial del puritanismo en el cine americano. Este biopic poco ortodoxo sobre los años jóvenes de Catalina la Grande surgió como respuesta a la "reina Cristina de Suecia" de Greta Garbo, la enemiga oficial de la Dietrich. Parecía que la Paramount espiaba los argumentos de la "divina" en la Metro y hacía films más o menos similares para la actriz alemana.

Sternberg dijo que su película era pura experimentación visual y sólo así puede entenderse. Poco importan el argumento ni los diálogos (aunque los que hay son geniales y captan perfectamente la ironía y decadencia del imperio ruso en escenas como la de la cena entre Catalina y su marido, llena de amenazas insinuadas), la gran estrella del film es la puesta en escena. Los primeros planos de Dietrich vuelven a ser tan místicos y eróticos como de costumbre en el cine del director, y nunca tan expresivos como cuando se insinúa al embajador o lo mira perpleja en la escena de su boda; o cuando la filma desde detrás de telas o velos calados. Esa escena es uno de los muchos ejemplos de la gran maestría de Sternberg a la hora de conseguir una luz especial (desde arriba, llena de matices claramente expresionistas) en sus películas y de mover la cámara por espacios infinitos. Las grandes grúas que se ven en toda la película impresionan, así como el uso irónico de la música clásica de Mendelsson y Tchaikovsky. El montaje es puro Eisenstein con paradojas tan divertidas como la que nos muestra el montaje paralelo entre los juegos frívolos de la protagonista y la muerte de su suegra al mismo tiempo. La exageración de las interpretaciones también apunta hacia la sensación de encontrarnos ante un fresco histórico-cómico. Marlene Dietrich mantiene la boca abierta en señal de asombro durante toda la etapa adolescente e ingenua de su personaje, y está mucho más en su salsa cuando las desdichas y la decadencia palaciega la convierten en una devorahombres sin escrúpulos a la hora de llegar al poder. Lo mismo se puede decir del resto de los actores, con un notable alto para Louise Dresser como la gordinflona e insoportable madre del futuro emperador.

Las triquiñuelas estilísticas de la película son tantas que no se pueden enumerar todas. Sin embargo, lo realmente asombroso es que Hollywood diese origen a una película tan estilísticamente moderna y adelantada a su tiempo. Yuxtaposiciones de imágenes tan sádicas como las que muestran las atrocidades cometidas por los zares (con un hombre sirviendo de campana, entre otras "amables" imágenes) mientras un criado se las cuenta a la pequeña Catalina, son un ejemplo de lo iconoclasta que es ésta película, capaz de convertir un poco de paja en la boca de la Dietrich en una magnífica metáfora sobre el deseo. El climax final, con planos generales llenos de masas, campanas repicando y el mismísimo ejército ruso entrando a caballo en palacio, nos revela la verdadera naturaleza de esta película: un ejercicio "camp", el kischt hollywoodiense elevado a la máxima potencia y una comedia histórica divertida, exagerada y muy europea en sus formas, engalanada por unos decorados barrocos, góticos e impresionantes. Una película asombrosa que sin duda alguna se puede colocar en los altares de cualquier buen cinéfilo.

VALORACIÓN: ****1/2

La todavía ingenua Catalina preguntando qué es un amante. Una prueba de la belleza y la ironía de la película y de la propia Marlene Dietrich.

NAVIDAD EN EL CINE: "La mujer del obispo" (Henry Koster, 1947)

2007-12-17T19:22:00.000+01:00

Cada año podemos ver en televisión las mismas películas navideñas una y otra vez y, sin duda alguna, la más clásica es "¡Qué bello es vivir!" de Frank Capra. Una buena alternativa, aunque no tan magistral como la de la película de Capra, sería "La mujer del obispo" o lo que es lo mismo, la historia de un obispo anglicano demasiado ocupado como para hacer caso a su esposa e hija hasta que la llegada de un ángel se lo recuerda. La ironía es que el ángel es todo un seductor y lo ayudará "robándole" la mujer de manera sutil para que se de cuenta de lo que está perdiendo.

Cuesta trabajo creer a Cary Grant encarnando a un ángel, pero viendo la película es perfectamente comprensible que fuese el elegido por encima de David Niven, que interpreta al obispo. Los papeles estaban intercambiados cuando la película comenzó a ser dirigida por otro director, William A.Seiter, pero su trabajo disgustó tanto al productor Samuel Goldwyn, que contrató a Koster. El nuevo director intercambió los papeles de los protagonistas y contrató a la candorosa Loretta Young en el papel de esposa después de que Teresa Wright dejase de estar disponible debido a su embarazo. No fue el único problema al que se enfrentó el realizador: en una charla que había de rodar entre Cary Grant y Loretta Young, ambos estaban obsesionados con aparecer con el lado bueno de su cara sin reparar en que los dos tenían el mismo. Esto hacía imposible rodar la escena entre ambos de manera normal. Sin embargo, el productor, un enfadado Goldwyn, llegó al estudio para poner orden y dijo que si sólo aparecía media cara de los actores también tendrían medio sueldo...El problema se resolvió inmediatamente.

El resultado es una película bastante simple en sus planteamientos, reiterativa en los valores morales y navideños que intenta transmitir, y llena de secundarios ilustres como Elsa Lanchester o Gladys Cooper. Está claro que el intercambio de personajes benefició a Cary Grant, tan simpático y encantador como de costumbre, y perjudicó a un David Niven que se pasa el 90 por ciento de la película enfadado con un personaje de poca entidad entre sus manos. A pesar de sus fallos y de su esquematismo, Koster consigue planos de gran calidad en los que la profundidad de campo (la película tiene al que posiblemente fue el mejor director de fotografía de la historia de Hollywood, el ilustre Gregg Toland, creador de maravillas en películas como "Ciudadano Kane") hace que los elementos en segundo término adquieran una gran importancia con respecto a los que aparecen en el primero. Con unos decorados nevados y entrañables, "La mujer del obispo" es una película bonita para ver este mes de diciembre y para asombrarse ante uno de los argumentos más rocambolescos que uno pueda imaginar: un ángel enamorado de la mujer de un obispo.....Sin comentarios.

VALORACIÓN: *** 1/2

Trailer de "SPEED RACER":Hollywood se pasa al anime

2007-12-12T23:29:00.000+01:00

Los Wachowski ya cambiaron el curso de la ciencia ficción con "Matrix" (1999) y ahora pretenden cambiar tendencias con su "Speed Racer", la adaptacíón de una de las series japonesas de anime más clásicas, "Meteoro". Aquella serie, que también se vio en España a principios de la década de los 70, contaba la historia de un adolescente que vivía aventuras con un coche de carreras. Como podemos apreciar en el trailer de esta película protagonizada por Emile Hirsch (atención chicas y chicos, estamos ante una nueva estrella: guapo, joven y con una interpretación en "Hacia lo salvaje", lo nuevo dirigido por Sean Penn, que huele a Oscar..), el estilo es colorido y respeta el look artificioso y onomatopéyico de los dibujos originales. La película llegará a los cines el próximo verano.

Después de piratas, de convertir en superproducción a todo superhéroe salido del lápiz de cualquier artista o de las mil y una adaptaciones de relatos fantásticos, parece que la meca del cine va a encontrar un gran filón en los anime japoneses. De hecho, ya se está preparando una versión con actores de carne y hueso de la mítica "Dragon Ball". Lo que a muchos les parecerá un sacrilegio (la occidentalización de algo puramente oriental como los dibujos animados japoneses) será una nueva forma de hacer caja para un Hollywood cada vez más falto de ideas. Dicho esto, hay que decir que el trailer pinta bastante bien. Aquí lo tenéis:

Títulos de crédito míticos:"LOS PARAGUAS DE CHERBURGO"

2007-11-29T22:56:00.000+01:00

Película de Jacques Demy del año 1964, con una jovencísima Catherine Deneuve. Romanticismo otoñal ya en los títulos de crédito. Una buena forma de despedir el mes de noviembre.....

"VUELVE A MÍ" (Charles Walters, 1949): Ginger y Fred vuelven por última vez

2007-11-27T13:55:00.000+01:00

Habían sido la pareja de oro en los años 30 gracias a la RKO, con sus bailes indescriptibles, los decorados art deco que les rodeaban y los argumentos de unas películas con olor a comedia ligera de enredo. Nada hacía suponer que se volverían a unir en esta película de la Metro en 1949, pero el público pudo verlos en color por primera vez y con 10 años más encima desde su última unión. La responsable indirecta fue Judy Garland, que con sus contínuas crisis nerviosas no pudo protagonizar la película junto a Fred Astaire, y alguien se acordó de Ginger Rogers.

Parece un milagro que un argumento escrito previamente a su reencuentro parezca tan apropiado para ellos: la historia de un matrimonio de artistas de musical que se enemista ante los deseos de ella de llegar a ser una gran actriz dramática. Esa misma había sido la razón de su separación: Ginger Rogers quería demostrar sus habilidades en el drama y llegó a ganar un Oscar en 1940. La película está cargada de emoción y es una especie de desafío al público que creía que, tras las cámaras, los bailarines-actores más famosos de la historia del cine, se llevaban fatal. Aquí se besan varias veces (en las viejas películas de los años 30 jamás lo hicieron), hacen bromas sobre los deseos de ella de enfocar su carrera hacia algo "más importante" y repiten número musical para reconciliarse (el "They can't take that away from me" que Astaire ya le cantó a Rogers en "Ritmo loco", 12 años antes). La crítica nunca ha admirado demasiado esta última reunión de la mítica pareja pero hay varias cosas destacables: la identificación con su propio "backstage", el mayor aprovechamiento de la comicidad de la Rogers, el número en la zapatería de Fred Astaire, los buenos y divertidos diálogos y el lujo de la Metro, casero y premonitoriamente hogareño (se acercaba la "década del hogar", los años 50) frente al moderno (y genial) art deco de los decorados de su etapa en la RKO. Eso hace olvidar unas canciones insulsas y sin mucho sentido en la trama, la presencia gratuíta del pianista Oscar Levant o los kilos de más de la Rogers.

VALORACIÓN:

Uno de los bailes de la pareja en ésta, su última película juntos.

EL TERROR DE LO COTIDIANO: "Henry, retrato de un asesino" (John McNaughton, 1986)

2007-11-24T13:54:00.000+01:00

Recordada por la polémica que levantó en el momento de su estreno y clásico de culto indudable hoy en día, "Henry, retrato de un asesino" no lo tuvo fácil a la hora de estrenarse en la gran pantalla. El productor pidió a McNaughton una película de terror de bajo presupuesto, en la línea de las secuelas de "Viernes 13" o "Halloween" que poblaban los cines por aquellos años. Sin embargo, éste le entregó una demoledora historia con estilo de docudrama marginal, realista y rompedor. Puede que por ser tan iconoclasta, tan heterodoxa, la película estuviese en el limbo de las clasificaciones por edad (tan habituales en Estados Unidos, y tan conservadoras) hasta su estreno en el otoño de 1989, tres años después de su realización.

"Henry.." comienza con un alejamiento de cámara muy hitchcockiano: cualquiera que recuerde el movimiento de cámara en espiral del cuerpo inerte de una Janet Leigh "postducha" en "Psicosis", lo identificará con el comienzo de esta película. Un montaje que muestra cuerpos inertes tras su asesinato se entremezcla con las imágenes del asesino, un Henry que conduce tranquilamente su coche. A partir de ahí, todo puede ocurrir; la tensión es constante durante todo el metraje. Nunca sabemos que consecuencias tendrá que enseñe a su compañero de piso (paradójicamente, mucho más amoral y malvado que el propio Henry, que parece carecer de cualquier sentimiento) a descargar su ira mediante el asesinato indiscriminado. Tampoco estamos seguros de que hará cuando persigue a una inocente mujer por la calle oscura de los barrios marginales que se ven en la película; ni tampoco que se haga amigo de la hermana de su compañero de piso y que ésta, ingenuamente, crea que él es la salida a su vida miserable al compartir ambos experiencias traumáticas en la infancia.

Esa experiencia traumática es quizá la única explicación de sus crímenes, pero al director no le interesa explicar demasiado. Henry mata de forma automática, como si se tratase de una máquina. Podría recordar al Michael Myers de "Halloween" pero, al contrario que en la genial película de John Carpenter, aquí no hay ningún tipo de adorno ni de concesión a lo cinematográfico. Henry no es juzgado en ningún momento, no se muestra ningún tipo de moralidad (tan apreciada por el público yankee) ni hay un personaje bondadoso como contrapunto de las maldades del protagonista. La hierática y genial interpretación de Michael Rooker ayuda a ver al asesino como un monstruo inexpresivo que encauza su rabia, tímidamente, mediante el crimen. Todo es suciamente real y desolador, con momentos que parecen salidos de la más oscura película que pudiese rodar un Stanley Kubrick, elipsis geniales, planos subjetivos que aterran y un final con una maleta abandonada en una carretera que produce sorpresa, estupor y asombro ante la genialidad de semejante película independiente. Tratad de verla en una noche oscura y sin prejuicios; el que aquí escribe os asegura que jamás la olvidaréis......

VALORACIÓN:

Trailer de la película

In memoriam:FERNANDO FERNÁN GÓMEZ (1921-2007)

2007-11-23T22:28:00.000+01:00

Autor de "Las bicicletas son para el verano", director de "El extraño viaje", actor grandísimo de comedias insulsas como "Morena Clara" y de auténticas obras maestras como "El espíritu de la colmena, gigantesco en "El abuelo" de Garci y en "La lengua de las mariposas" de José Luis Cuerda. ¿Hace falta decir algo más? Un auténtico hombre del renacimiento que lo hacía todo bien. Probablemente el mejor actor español del siglo XX junto a Paco Rabal. Sirva esta escena de "El abuelo" para mostrar una millonésima parte de su gigantesco talento. Descanse en paz.

Más información en: http://www.elpais.com/articulo/cultura/Fallece/Fernando/Fernan/Gomez/elpepucul/20071121elpepucul_8/Tes

"LA REINA CRISTINA DE SUECIA"(Rouben Mamoulian, 1933):El star system hecho arte

2007-11-23T00:09:00.000+01:00

Una noche cualquiera del invierno de 1995 un preadolescente descubre en la televisión autonómica, ya de madrugada, una vieja película en blanco y negro protagonizada por una actriz de la que ha oído hablar mucho, Greta Garbo. Su hermano y su madre juegan en ese momento una partida de cartas para matar el aburrimiento. Mientras tanto, el joven se enamora de la actriz, queda fascinado ante esa mirada, esas pestañas, esa forma de andar y de suspirar: pura poesía. Unos años más tarde, aquel niñito que no era otro que el que escribe estas líneas descubre de nuevo la película y se da cuenta de que, aparte de su admiración por la suprema Garbo, la cinta es una auténtica obra de arte. Desde ese momento hasta hoy, ésta ha sido una de mis películas preferidas.

La reina sueca del siglo XVII llamada Cristina, era justamente el personaje que la también sueca Greta Garbo necesitaba para volver a la Metro tras dos años de retiro del cine. Cansada de sus papeles de vampiresa, de su poco sueldo y de películas sin sustancia, el guión de su amiga ( y dicen que amante) Salka Viertel sobre el personaje histórico se mostraba perfecto para hacer una película de prestigio. Tras designar ella misma a su director de fotografía habitual (William Daniels), al director (el soviético Rouben Mamoulian en la que es, dicho sea de paso, su mejor película) y su propio sueldo, la Metro intentó convencerla de que su partenaire masculino fuese Laurence Olivier. La que iba a ser la primera aventura en Hollywood del prestigioso inglés se vio truncada por una cruda realidad: sus pruebas con Garbo fueron un fracaso. A su vez, ésta quería ayudar a su antiguo amante y compañero en el cine mudo: John Gilbert. Los pitidos de su voz en el cine sonoro (dicen que manipulados por el propio Mayer para destruirlo) lo habían arrinconado, robándole su estatus de star para siempre. Greta recordó los muchos favores que él le hizo e insistió en que estuviese en la película. Gilbert es quizá la única mancha de un film impecable, debido a su interpretación cargada de muecas, más propia de un cine carente de diálogos. Sin embargo, una nueva revisión de la película me ha hecho descubrir la honestidad y la humildad de su interpretación. Ni la suya ni la de Garbo tuvieron demasiada repercusión una vez que la película se estrenó el 26 de diciembre de 1933, convirtiéndose en una cara superproducción ignorada por el gran público.

Vista hoy, cuesta creer las audacias del guión a un año de que entrase en vigor el restrictivo "Código Hays". La película no escatima escenas a la hora de sugerir la bisexualidad de la monarca, bien sea con un beso a su doncella (mítica escena para el público lesbiano) o en los propios diálogos. Además, la franqueza sexual de la película (esas bromas sobre los dos "hombres" acostados en la misma cama, o la confusión de Gilbert creyendo que Garbo es un chico) es de un revolucionario que sorprende más tratándose de un estudio ultraconservador y familiar como M. G. M. Por si fuera poco, Mamoulian no quería que la película tuviese un final cerrado y feliz, como todas las producciones "made in Hollywood", e hizo no sólo que este fuese trágico, sino también abierto a cualquier posible interpretación por parte del espectador. Para ello, rodó el que quizá sea el primer plano más legendario de toda la historia del cine, ese travelling que se acerca al rostro de una Garbo pensativa que mira, desde la proa del barco, hacia el mar y hacia su propio futuro. Louis B.Mayer, como era de esperar, se negó, al principio, a rodar semejante conclusión de la historia, pero al final tuvo que ceder. Sin embargo, la superioridad cultural e intelectual del director, que intentaba explicarle la eficacia del tono de tragedia griega, lo dejó tan ofendido que Mamoulian no volvió a dirigir jamás una película para el estudio del león.

La riqueza visual de la película es incomensurable. Una de las principales habilidades de Mamoulian era escapar, en los primeros años del sonoro, de las restricciones que los micrófonos imponían en aquella época a la hora de en planificar escenas. Así, su cámara se mueve cuando hace falta, realiza travellings y registra una de las 10 mejores escenas de amor que se hayan visto jamás: la reina Cristina aprendiéndose de memoria la habitación en la que acaba de estar con su amado. Mamoulian estudió cada ángulo de la escena y la rodó minuciosamente como si de un ballet se tratase, con una rica simbología de los objetos (gran parte de la misma de origen sexual) propia del cine soviético. De este cine toma prestados el montaje y los planos generales en las escenas de masas (revueltas contra la reina en plena xenofobia hacia el embajador español, justamente en la época en la que Hitler ascendía al poder...), y la utilización de las sombras en la escena que divide, en una escalera, al pueblo de su reina. También consigue una dirección absolutamente pictórica con referencias a Velázquez (la reina siendo engalanada por sus doncellas en una claro homenaje a "Las Meninas") o a Murillo (la reina paseando, fantasmal, por el gran salón de palacio donde fue coronada de niña, en plena noche) y con algunos de los primeros planos más impresionantes que se hayan hecho de una actriz.

Desde que espectaculariza su aparición al inicio de la película, mostrandonos su cuerpo hombruno llevando atuendos masculinos y dejando para el final su rostro en primer plano, hasta que acaba la película, asistimos a una verdadera "ceremonia Garbo". Imágenes como la de la monarca quitándose la corona de su cabeza tienen tal fuerza icónica que se necesitarían años y mucha buena voluntad para analizar su poder de fascinación. Pero es que la propia interpretación de la actriz es asombrosa: divertida, acertadamente ayudada por unos diálogos precisos e inteligentes que hablan de la inutilidad de la guerra, la soledad del poder, o la presión de las masas (la misma que debía sentir la propia actriz en su vida real) su rostro doloroso y enigmántico, bello y expresivo, valiente y decidido, recrea una personalidad mítica que trasciende los estrechos límites de la pantalla. Así, lo que aquel niño de 12 años descubrió viendo la televisión aquella madrugada era algo más que pura magia: era la fascinante historia de una mujer adelantada a su tiempo e incomprendida por su carácter singular, interpretada por la estrella más grande que haya parido el celuloide: la "Divina" Garbo. Obra maestra.

VALORACIÓN:

Mítica escena en la que la reina memoriza la habitación en la que ha hecho el amor con el embajador español. Verdadero arte y poesía homenajeada por Bertolucci en su película "Soñadores" (2003).

El amor en el cine: "SOMEWHERE" ("West Side Story", Robert Wise y Jerome Robbins, 1961)

2007-11-20T22:10:00.000+01:00

Ganadora de 10 Oscars, éxito multitudinario cuya repercusión llega hasta nuestros días y uno de los primeros musicales que se atrevieron con la problemática social (el enfrentamiento entre bandas latinas y neoyorkinas tomando como referencia el "Romeo y Julieta" de Shakespeare). María y Tony, o lo que es lo mismo, Natalie Wood y Richard Beymer, cantaban (doblados en algunas ocasiones) así a su amor imposible:

"RAÍCES PROFUNDAS"(George Stevens, 1953): El caballero americano del Far West

2007-11-19T12:39:00.001+01:00

Cuando George Stevens rodó "Shane" o, lo que es lo mismo, "Raíces profundas" para los españoles, no podía sospechar que un argumento rechazado por varios estudios se convertiría en uno de los mayores éxitos de la década de los 50. La historia de un pistolero arrepentido de viejos pecados que se instala junto a una familia de granjeros y los ayuda a hacer frente a unos ganaderos que intentan echarlos del lugar, se convirtió en un complejo mosaico histórico, sentimental y de crecimiento. Shane representa la historia (mil veces imitada en el western tras esta película, y con influencias muy claras en películas como el "Sin perdón" de Clint Eastwood) del pistolero arrepentido de su pasado, condenado a volver a utilizar la violencia como argumento a pesar de lo mucho que le repele, a vagar sin ningún tipo de confort hogareño por los prados, como símbolo inescrutable de una época caduca. Una figura de proporciones míticas vista a través de los ojos de admiración de un niño.

No es casualidad que la puesta en escena de Stevens se centre en muchas ocasiones en la mirada de ese niño con una serie de primeros planos que lo muestran observando al protagonista, ya sea en peleas (la del bar tiene una especial comicidad al verse al niño comiendo una piruleta mientras lo presencia todo) o en cómo manejar el arma. Precisamente por eso, "Shane" es también una historia de crecimiento, con un niño que representa el puente de entendimiento entre una sociedad violenta como la que exponen los ganaderos, y la más pacífica y democrática, representada por los pobres granjeros. Las sutilezas en la representación de las imágenes la convierten también en una historia de amor. El personaje de la esposa, encarnado por una extraordinaria Jean Arthur (mítica musa del cine de Frank Capra) dirige una serie de miradas al protagonista que muestran una sutíl atracción sexual hacia él. La actriz, que no rodaría más películas después de ésta, pudo sentirse orgullosa de su legado interpretativo.

Es importante volver a resaltar la puesta en escena del director puesto que, a priori, la película tendría una exposición no muy diferente de la de los gastadísimos argumentos del western. La pelea en el bar, rodada desde todos los ángulos posibles, o la pelea entre Alan Ladd (Shane) y Van Heflin (el granjero que lo ha acogido en casa) mientras que los caballos enloquecen, son significativas: en ambas el director prescinde de la ya mítica banda sonora de Víctor Young, ambas están expuestas desde muchos ángulos y ambas conservan el punto de vista (el visual y el argumental) del niño (la segunda comienza y Stevens deja la cámara dentro de la casa y se centra en las reacciones de la madre y del pequeño). Además, Stevens crea poesía con los planos generales de grandes paisajes, rodea la escena del entierro de una aureola fordiana y sentimental centrando la cámara en el perro que hociquea la tumba de su amo, o se adelanta en ciertos ángulos de cámara al cine de Sergio Leone ( la cámara detrás de la pistola, en primer término, del villano Jack Palance).

Hay muchos westerns en la historia del cine, muchos de ellos son legendarios, los de John Ford son verdadera poesía visual unida a maestría argumental......pero "Shane" sigue siendo especial y uno de los mejores. La complejidad casi freudiana de los personajes trasciende el viejo conflicto entre lo viejo y lo nuevo, entre la violencia y la implantación de la democracia, que han caracterizado a este género tan americano. En la que quizá sea la gran obra maestra de George Stevens encontramos demasiadas cosas como para dejarlas pasar, y el final es uno de esos que hacen aflorar las lágrimas con los simples gritos de un niño. Por eso, y por mil razones más, "Shane" representa algunos de los mejores recuerdos de nuestra infancia y es la película de los sábados tarde para toda una generación de espectadores.

VALORACIÓN:

(¡SPOILER!!!) Mítico y sentido final de esta película que Stevens rodó en 1951 pero estrenó dos años más tarde, debido a su meticulosidad en el montaje final.

"SUEÑOS DE JUVENTUD (Alice Adams)" (George Stevens, 1935): Katharine Hepburn quiere ser rica

2007-11-19T01:43:00.000+01:00

Acusado por los defensores del cine de autor de no tener una visión artística propia y de no ser más que un mero artesano, George Stevens ha sido uno de los directores más maltratados por la memoria de Hollywood. Y sin embargo, tiene una trilogía de películas sobre América que se puede calificar de genial ("Un lugar en el sol", "Raíces Profundas" y, en menor medida, "Gigante"). Su primer éxito le dio a Katharine Hepburn uno de sus pocos triunfos en taquilla en la RKO, antes de que la revista Variety la considerase "veneno para la taquilla". La historia de una chica de clase media que pretende encontrar la felicidad fingiendo ser de clase alta para atrapar a un chico, metiendo a su familia en un grave entuerto financiero, fue la base de la novela "Alice Adams" de Booth Tarkington. Hepburn quería a William Wyler como director, pero para cuando éste fue elegido, Stevens era ya un amigo cercano de la actriz y acabó siendo el responsable de una película que fue para él el inicio de una próspera carrera.

Hay dos momentos en la película dignos de ser destacados: el baile de sociedad en el que Katharine Hepburn sufre todo tipo de inconvenientes y que desemboca en una triste vuelta a casa; y la cena en la que intenta que su futuro prometido, Fred MacMurray, conozca a su familia y se asombre de su (falsa) posición social. Ambos momentos contienen ya mucha de la sabiduría de Stevens en la puesta en escena. En el baile, los picados generales de una Hepburn solitaria mientras que el resto de las chicas disfrutan con sus parejas es desolador; en la cena, la ausencia de música, los planos detalle y la comicidad de los actores (en especial de una impagable Hattie McDaniell, la mítica Mammy de "Lo que el viento se llevó", fingiendo ser una criada digna de reyes sin conseguirlo) producen una situación exasperante y tragicómica. Además, Stevens otorga un gran protagonismo a la bellísima cara de una joven Katharine Hepburn, cuyas tendencias histriónicas al inicio de su carrera se muestran más útiles que nunca en el papel de una heroína mentirosa y pretenciosa por culpa de una sociedad clasista y excluyente.

Lejos de ser una gran película, anticuada en algún que otro detalle, y ensombrecida por la falta de entidad del personaje de MacMurray y de un final feliz ausente en la novela, "Sueños de juventud" es una primigenia muestra del talento visual de Stevens y de una encantadora (como de costumbre) Katharine Hepburn en la que probablemente es su mejor interpretación de la década de los 30.

VALORACIÓN:

"LAS 13 ROSAS" (Emilio Martínez Lázaro, 2007):Manipuladora, pero necesaria

2007-11-18T15:19:00.000+01:00

La suerte que ha corrido la representación cinematográfica de uno de los acontecimientos más tristes de nuestra historia, la ejecución de 13 chicas jóvenes a manos del gobierno franquista al término de la Guerra civil española, ha sido desigual. A día de hoy, se puede decir que es un éxito de público y una película que ha logrado calar en la gente, pero a la crítica no le ha gustado demasiado. Algunas de las razones eximidas son el histrionismo de algunas interpretaciones, la poca identificación con las chicas más que como colectivo que padece una injusticia o una ambientación demasiado preciosista a la hora de mostrar acontecimientos muy duros.

Lo cierto es que "Las 13 rosas" no es una gran película. La puesta en escena es demasiado convencional (infinitos primeros planos habituales en este tipo de dramas), la historia suena a tópica (hemos visto ya muchísimas películas sobre la Guerra Civil o sobre la represión posterior, como en el caso que nos ocupa) y la manipulación emocional a la que es sometido el espectador con la banda sonora de Roque Baños hace lo imposible para que no salgamos del cine con el pañuelo seco. Sin embargo, tampoco podemos acusar a la cinta de mal cine por una razón fundamental: la historia es real y debía ser contada a un público joven que seguramente no había oído hablar jamás de este grupo de chicas que fueron ejecutadas por razones nimias y, sobre todo, por tener ideas propias. La recreación del Madrid de la época es tan minuciosa que al director le es fácil conseguir momentos cargados de emoción como el paso de las ya prisioneras por el famoso parque del Retiro. La cinta de Martínez Lázaro posee dos mitades muy diferenciadas: en la primera se va presentando, de manera coral, a los persojanes (con muy poca fuerza los masculinos, todo hay que decirlo) y en la segunda asistimos a un drama rompedor, de una magnitud casi insoportable gracias al magnífico trabajo de las actrices.

Verónica Sánchez sorprende para bien y muestra una fuerza que la proyecta ya hacia una futura nominación al Goya; y lo mismo se puede decir de la generalmente secundaria Goya Toledo. Marta Etura también hace grande su personaje con un par de pinceladas y Pilar López de Ayala vuelve a mostrar que su mirada nació para mostrar emociones en el que quizá sea el personaje más conmovedor de todos: el de una católica cuyo único pecado ha sido el de ayudar económicamente a un músico amigo y republicano. En este personaje, en la carta que escribe a su pequeño hijo, vemos una de las virtudes que diferencia a la cinta de muchas otras películas parecidas (a pesar de caer también en la caricatura de los malos): la apuesta por el perdón, por el entendimiento en unos tiempos convulsos e injustos en los que no se podía pensar libremente: un mensaje éste que deberían captar muchos de los políticos de nuestro país que nos exaltan día a día con sus rifirrafes.

VALORACIÓN:

Trailer de la película

El amor en el cine:"I BRING YOU A SONG" ("Bambi", David Hand, 1942)

2007-11-15T20:06:00.000+01:00

La primera canción que aparece en una película sin que la canten ninguno de los personajes. Hecho histórico y tan destacable como la maravillosa animación y la poesía que se desprenden de estas imágenes. Por si alguien dudaba que Disney fuese uno de los grandes artistas del siglo XX, aquí está la prueba:

"LAS ZAPATILLAS ROJAS"(Michael Powell y Emeric Pressburger, 1948):Un cuento de hadas trágico

2007-11-14T13:50:00.000+01:00

La gestación y el éxito de un clásico indiscutible como "Las zapatillas rojas" es una historia tan apasionante como la de la propia película. En principio, Emeric Pressburger escribió un guión basado lejanamente en el cuento de Hans Christian Andersen del mismo título, en el año 1937. Por aquel entonces trabajaba para el mejor productor del cine clásico británico, Alexander Korda, y el proyecto estaría dedicado a su mujer, la actriz Merle Oberon. El problema era que Oberon no tenía ni idea de cómo danzar o el más mínimo conocimiento sobre ballet, por lo que sería imprescindible contar con una doble en esas escenas. La 2ª Guerra Mundial y la separación de la compañía de Korda, la London Films, hicieron el proyecto inviable hasta que Pressburger se unió a Michael Powell en la Archer Films y crearon algunos de los films británicos más rompedores de toda la historia del cine.

Hacer una película sobre ballet, con una protagonista desconocida (la bailarina Moira Shearer en su debut cinematográfico), con un presupuesto enorme y una secuencia de ballet que superaba los 10 minutos no era precisamente la idea de éxito de ningún productor. De hecho, el de esta película, el famoso Arthur Rank, se salió de la primera proyección de la película a sabiendas de que había parido un gran fracaso. La sorpresa vino después de que en Gran Bretaña la película fuese duramente criticada y despreciada por el público. Al otro lado del Atlántico, en Estados Unidos, el público recibió la película con un gran entusiasmo que tuvo repercusiones sociales insospechadas, como la cantidad ingente de niñas que se apuntaron a clases de ballet después de contemplar, entusiasmadas, la película. En los Oscars no le fue nada mal a la película aun siendo británica: 5 nominaciones y 2 estatuillas para la música y la dirección artística del film. Con el paso de los años, "Las zapatillas rojas" llegaría a convertirse en la más mítica de las películas del dúo Powell-Pressburger y en la película definitiva sobre el mundo del ballet.

La historia de una bailarina aspirante a estrella, su irascible y reprimido representante ( con connotasciones claramente homosexuales que los propios creadores de la película admitieron con el paso de los años) y su romance con un joven compositor que trabaja en la misma compañía fue la excusa perfecta del dúo de artistas para crear una nueva y rompedora obra que se mueve entre el kitsch, la tragedia y la poesía visual. Lermontov, el productor, quiere convertir a su chica en una estrella del ballet, en la mejor bailarina de la historia, pero tiene una sola condición para ella: jamás podrá enamorarse. El paralelismo con el cuento de Andersen, en el que una chica era "poseída" por unas zapatillas rojas hasta tener que cortarse las piernas,es obvio. El arte acaba destruyendo a la joven (notorio es que, antes de una trágica escena con un montaje soberbio, Powell sólo muestre planos detalle de las zapatillas rojas, como si de un objeto demoníaco se tratase, llevando a la chica a paso rápido y no al revés). Y es que el montaje de la película es rompedor, desde las panorámicas subjetivas mientras la protagonista baila, pasando por el increíble ballet, en el que la cámara lenta o rápida hacen juego con una rompedora puesta en escena que se salta el punto de vista del público en este tipo de espectáculos teatrales. Es el punto de vista de la protagonista, incluso cuando aparecen en sus ensoñaciones las figuras de su amado y del productor como anticipo del conflicto final de la historia, el que prevalece en todo momento. La puesta en escena no se queda atrás. Si en el ballet hay una especie de onírico descenso a los infiernos, los directores consiguen momentos inolvidables como el de la audición de la protagonista en lo que parece salido del cuento de "La Cenicienta", o expresivos

planos como el del espejo roto por Lermontov.

"Las zapatillas rojas" también se beneficia de unas geniales interpretaciones por parte de Moira Shearer y de Anton Walbrook. La de éste es la mejor de toda la película, con un personaje ambiguo donde los haya, cuyo carácter de productor estricto y sin corazón es conmovedor y da lugar a múltiples lecturas. Si la película no llega a ser, en mi opinión, una obra maestra, es porque la intepretación del joven compositor encarnado por Marius Goring es bastante endeble, y porque la primera hora de película es demasiado expositiva y está alargada innecesariamente. El propio Powell dijo de su película que era duro pedirle a un público que acababa de dar su vida por la guerra, pedirles que la diesen por el arte. ¿Daríamos la nuestra en pos de uno de los mayores dones del ser humano??

VALORACIÓN:

Primera parte de la impresionante secuencia del ballet, llena de fundidos, sobreimpresiones y todo tipo de trucajes visuales. Esta parte de la película inspiró a otros musicales de Hollywood como "Un americano en París" o "Cantando bajo la lluvia"

Video con canción de "THE KILLERS": GRETA GARBO NUNCA PASARÁ DE MODA

2007-11-14T00:39:00.000+01:00

Indescriptible la canción, el montaje y la selección de películas sonoras de la que, con diferencia, es mi actriz preferida. El video comienza con unas palabras de la escritora Mercedes de Acosta, con la que la actriz tuvo una relación bastante intensa e irregular de la que me gustaría escribir algún día en este blog.

Disfrutadlo!! (La canción se llama "Why do I keep counting?" y toma secuencias de películas como "Mata Hari", "Anna Christie", "La Reina Cristina de Suecia", "Margarita Gautier" o "Ninotchka".

"EL ORFANATO"(J.A. Bayona, 2007): La esperanza del cine español

2007-11-13T13:55:00.000+01:00

Año duro para nuestra industria, sin películas de los que más suelen vender entre el público: a saber, Pedro Almodóvar, Alejandro Amenábar o Álex de la Iglesia. No es de extrañar que nuestra industria se haya agarrado a este "orfanato" producido por Guillermo del Toro como un clavo ardiendo y que su promoción y la calidad de la propia película la hayan convertido en un éxito mayúsculo con vistas a repetirse fuera de nuestras fronteras.

La historia de la película puede recordarnos a otras muchas películas de terror: una adulta que fue huérfana en su infancia regresa al orfanato en el que se crió para vivir con su marido y su hijo adoptivo y para montar un orfanato para niños discapacitados. La cosa se complicará cuando su hijo comience a practicar extraños juegos con lo que parece que son fantasmas y desaparezca, provocando el terror y el pánico de una madre que ya no sabe qué es verdad y qué es mentira. Esta ambiguedad de la historia, el no saber hasta qué punto todo forma parte de la imaginación de la protagonista (a pesar de ese innecesario y demasiado explicativo epílogo con el personaje del marido) recuerda mucho al "Suspense" protagonizado por Deborah Kerr en 1960 y la aleja de la película con la que la han comparado innumerables veces, "Los Otros" (Alejandro Amenábar, 2001), donde todo quedaba atado y bien atado.

Sin embargo, el riesgo de no ser original en una cinta de terror es palpable. Los amigos invisibles o el niño con el saco en la cabeza bien podrían tener su fuente de inspiración en "El Resplandor" de Kubrick, los golpes de niños fantasmales en mitad de la noche podrían recordar a "Al final de la escalera" y el giro final en el guión a la eternamente imitada "El sexto sentido". Sin embargo, Bayona logra imbuir su película de una tensión muy particular llena de referencias al "Peter Pan" de Barrie y la convierte en un drama acerca de la necesidad infantil de amor maternal. Nada nuevo, pero sí muy logrado a través de una milimétrica y elegante puesta en escena y de una formidable interpretación de Belén Rueda: su monólogo (aunque su personaje crea que está dialogando en ese momento) acerca de cómo conoció a su hijo adoptivo mientras la cámara se le acerca en una sola toma, es una prueba muy significativa de que nos encontramos con una nueva dama doliente en nuestro cine, a la altura de Aurora Bautista o Maribel Verdú.

VALORACIÓN:

Trailer de la película

"LEJOS DEL CIELO" (Todd Haynes, 2002): Problemas en el paraíso

2007-11-12T18:07:00.000+01:00

Bienvenidos al paraíso, a las casas perfectas y a los cálidos colores del otoño más bello que la gran pantalla ha podido ofrecer jamás. Un mundo de ensueño convertido en pesadilla cuando se rasca sobre la superficie. El intento de hacer una película que hablase sobre homsexualidad y racismo en un entorno tan conservador como la América suburbana de los 50 podría parecer una idea gastada; más aún el de homenajear o intentar mejorar a los viejos melodramas de Douglas Sirk que, precisamente en ese periodo, cuestionaban muchos valores sociales. Pero Todd Haynes salió airoso del empeño e hizo la que probablemente habría sido la gran obra maestra de Sirk si le hubiesen dejado hacerla con las libertades (al menos en teoría) de las que disfrutamos en pleno siglo XXI.

Cathy Whitaker es, aparentemente, una mujer feliz, esposa de un rico hombre de negocios, con una bonita casa, un exquisito gusto a la hora de planificar fiestas de sociedad y una bella imagen de mujer dulce y bondadosa. Sin embargo, un buen día descubre que su marido es homosexual y tiene encuentros furtivos con otros hombres y que la única persona en el mundo en la que puede confiar es su jardinero negro, lo cual dará lugar a todo tipo de mezquinos rumores que afectarán a los protagonistas de esta triste historia otoñal con amor imposible.

Como ejercicio de estilo, "Lejos del cielo" es magistral. Desde los títulos de crédito que se inician con las ocres hojas del otoño en una grúa de cámara hacia abajo, hasta el final que repite el mismo movimiento a la inversa para mostrarnos las primeras flores de la primavera (magnífica metáfora de una evolución en el comportamiento de la protagonista a pesar del tristísimo final de la historia) tenemos toda una serie de recursos dramáticos en la puesta en escena. A saber, los ángulos de cámara invertidos cuando la homosexualidad está presente en la historia, haciendo más hincapié en el escándalo y la tensión que puede suponer en una época tan restrictiva, o los encuadres perfectamente diseñados a la hora de hablar con imágenes al espectador (el sombrero de la cotilla periodista presente en la imagen en la que Cathy coloca inocentemente la mano encima del hombro de su jardinero negro, los agudos contrapicados de la gente que la mira o la descubre en compañía de éste o los momentos en los que la prensa la fotografía inesperadamente fuera de campo, resaltando la intromisión a su vida privada y la imagen de perfección esclavizadora que ha de mantener de cara a la sociedad). Además, Haynes consigue escenas de pura poesía visual (algunos tuvieron la osadía de llamar cursi a la película cuando no tiene ni un ápice de azúcar, sino todo lo contrario) como la grúa que acompaña el recorrido del pañuelo azul que Cathy ha perdido y que encuentra el jardinero o su triste mirada al observar a una enamorada pareja en un banco.

Gran parte de esa poesía es gracias a la magnífica fotografía, que recrea con luces y sombras la tristeza y opresión de ese bello pero falso mundo, y trata de emular el Technicolor que era parte fundamental del cromatismo dramático de las películas de Douglas Sirk. La película también tiene el honor de contar con la última banda sonora del genial Elmer Bernstein, que compuso una partitura "como las de antes" que sirve para hacer más sentidos muchos momentos del film. Si se parece o no a las películas de Sirk es cuestión de opiniones, pero los suaves fundidos encadenados, la manía por retratar a los personajes dentro de espejos para aprisionarlos o el travelling que acompaña a una triste Julianne Moore por su vacía casa, y que es calcado a ese otro desdichado paseo de Jane Wyman en "Obsesión" (Douglas Sirk, 1954), son elementos muy fáciles de encontrar en las películas del fallecido director alemán.

Haynes podría haber optado por la ironía pero esto habría convertido a su película en una parodia. Podría haber optado por la corrección política pero tampoco lo hace: Cathy es odiosamente perfecta (no hay más que ver sus intencionadamente cursis diálogos) y conservadora en ciertos momentos, la comunidad negra es igual de cerrada que la blanca y el homosexual marido es odioso y maltratador cuando le parece. Las intepretaciones son, por tanto, otro de los muchos aciertos del film, destacando, claro está, una incomensurable Julianne Moore. En su melancólica mirada hacia el tren que se lleva la única oportunidad de que su personaje fuese feliz vemos una de las grandes interpretaciones de la historia del cine.

VALORACIÓN:

Trailer de la película en español

DEBORAH KERR (1921-2007):La Dama del hielo volcánico

2007-11-10T16:27:00.000+01:00

Hacía años que Deborah Kerr se encontraba mal de salud debido al parkinson y a numerosos problemas de salud que el pasado 16 de octubre devinieron en la muerte de una de las grandes damas de la historia del cine. Por encima del tópico, la actriz nacida en Escocia en 1921 fue una de las pocas estrellas de Hollywood en hacer gala de una humildad que no era la habitual en el oeste californiano.

Con un físico imponente y pinta de no haber roto nunca un plato, la joven Deborah Kerr se introdujo en el cine gracias a una tía que trabajaba en la radio y pronto se convirtió en una de las estrellas de ese tándem de genios del camp y de la utilización del color que eran Michael Powell y Emeric Pressburger. De hecho, fue su interpretación de una monja atormentada por su pasado y su represión sexual en "Narciso Negro" fue la que llamó la atención de los ejecutivos de Hollywood y de la Metro en particular. Aunque no estaban muy convencidos de contratarla, la Kerr se acabó convirtiendo en el prototipo de dama británica, bella y fría, de la meca del cine. Como es habitual en Hollywood, para ser una estrella hay que pagar el peaje del estereotipo, de la clasificación injusta e inalienable. Así, títulos míticos del cine espectacular como "Quo Vadis" (Mervyn LeRroy, 1951) la convirtieron en una buena actriz que diese empaque a productos bastante menos artísticos que los que había realizado en Gran Bretaña.

En 1953, y huyendo del fantasma de su impoluta imagen, Kerr protagonizó "De aquí a la eternidad" (Fred Zinnemann, 1953) en donde interpretó a una adultera. Costó sudor y sangre convencer a Harry Cohn, el ejecutivo de Columbia, de que la fría Deborah era la volcánica y apasionada amante que buscaban pero, visto el mítico y erótico beso en la playa que protagoniza con un fornido Burt Lancaster, las dudas iniciales se desvanecieron inmediatamente. Tras protagonizar uno de los clásicos indiscutibles de la década, Kerr continuó la galería de personajes inolvidables con obras tan arriesgadas como "Té y simpatía" (Vincente Minelli, 1956) o con películas de adoración popular como "Tú yo yo" (Leo McCarey, 1957) al lado de Cary Grant. Los 60 llegaron bien con una indiscutible joya del cine de terror como "Suspense" (Jack Clayton, 1960). La interpretación de la Kerr rozando la locura por culpa de esos "inocentes" a los que alude el título original (estúpidamente cambiado, como tantos otros, en nuestro país) inspiró a la de Nicole Kidman en "Los Otros" y le dio una nueva nominación al Oscar, premio que solo se llevaría en 1994 y de manera honorífica; la Academia de Hollywood volvía a pecar de ceguera ante una de sus trabajadoras más incansables.

Sabido es por todos el amor que la actriz tuvo a España debido a sus largas estancias en Marbella con su marido, el escritor Peter Viertel. El autor de guiones como el de "La Reina de Äfrica" (John Huston, 1951) fallecía 3 semanas después que su esposa, convirtiendo su sepelio en una triste anécdota de amor duradero que se acaba con la muerte de uno de los cónyuges. En unos tiempos tan dados al divismo y al egocentrismo del individuo, es magnífico rendir homenaje a una señora que tuvo la suerte de ser una estrella y una gran actriz al mismo tiempo y, lo que es más importante, la suerte de no creérselo jamás.

Homenaje a la actriz en YouTube

"A VIDA O MUERTE"(Michael Powell y Emeric Pressburger, 1946): Amor más allá de la muerte

2007-09-13T12:40:00.000+02:00

Hace unos meses, en este mismo blog, hablaba de lo sorprendente que era descubrir viejas joyas del cine británico como "Narciso Negro" y alababa la película de Powell y Pressburger como una de las mejores películas (y de las más originales) de la historia del cine. "A vida o muerte" quizá no es una película tan redonda como esa otra, pero a buen seguro que sigue siendo un verdadero shock para el espectador actual.

La historia comienza cuando un oficial británico está a punto de morir dentro de un avión que va a estrellarse en plena Segunda Guerra Mundial. En esos momentos de angustia contacta con una chica americana por radio y ambos tienen una conmovedora conversación impropia en dos completos desconocidos. Poco después, y en un blanco y negro que contrasta con los rojizos y metafóricos colores que hemos visto en la trágica secuencia, vemos el cielo. Sí, el cielo con mayúsculas: un lugar marcado por la burocracia y una organización metódica en la que, sin embargo, se ha colado un gravísimo error: el piloto que había de morir ha sobrevivido y se ha enamorado de una chica americana. El encargado de devolverlo al cielo será un viejo aristócrata que perdió la cabeza, literalmente, durante la Revolución Francesa. A la originalidad absoluta de esta historia hay que añadirle la premisa básica con la que nació esta película (y la que más la perjudica, ya que el único fallo de la misma es la parrafada entre los dos "abogados" en el juicio final que se celebra para el piloto, en el que las comparaciones entre Gran Bretaña y Estados Unidos son aburridas, pueriles e innecesarias): era un encargo para fomentar, después de la guerra, la unión entre América e Inglaterra.

Powell y Pressburger supieron hacer mucho más por el film hasta convertirlo en una surrealista muestra del más allá y en una romántica y colorista historia de amor que subvierte la regla básica de ese otro clasicazo que es "El mago de Oz": aquí es la tierra el lugar pletórico de Tecnicolor y el cielo un lugar gris y organizado en blanco y negro. Además, la invención de la cámara de ambos realizadores no tiene fin: baste como ejemplo el travelling subjetivo desde la mesa de operaciones o el plano en el que el ojo del protagonista, un magnífico David Niven, se va cerrando como si la cámara estuviese en la parte interior del mismo. Son virguerías formales que incluyen una flor como transición entre el blanco y negro y el color (y entre dos mundos diametralmente opuestos) y depositaria de una lágrima por amor que será fundamental en la historia. Romanticismo poético, colores cargados de significado, originalidad y crítica a algunos de los aspectos más obsoletos del "british establishment"¿ se le puede pedir algo más a una película?

VALORACIÓN:

Escena en la que David Niven acaba de salvarse del accidente de avión y que muestra el surrealismo onírico de la película. Esta secuencia fue suprimida en Estados Unidos(donde la película se llamó "Escalera hacia el cielo") debido al desnudo del niño que aparece en ella.

JANE WYMAN (1914-2007):Mucho más que Angela Channing

2007-09-12T22:39:00.000+02:00

El pasado lunes, a los 93 años (90 según algunas fuentes) se iba para siempre la que quizá sea la villana más famosa de la historia de la televisión: la Ángela Channing de "Falcon Crest", Jane Wyman. Durante 9 años y 212 capítulos, la dueña y señora de aquellas viñas californianas hizo estremecerse a muchos teleadictos de odio, y no está de más decir que la TVE de los 80 habría sido muy diferente sin la presencia de este personaje. Sin embargo, la carrera de la Wyman abarca mucho más que esa serie y que el hecho de ser la primera esposa del que luego sería presidente de los Estados Unidos: Ronald Reagan.

Mirando muchas de las fotos de los dos actores, cuyo matrimonio duró 8 años desde que se casaron en 1940, es fácil de adivinar los tejemanejes de la industria que se ocultaban tras esas bellas y multifotografiadas uniones. En la mayoría de esas fotos aparecen posando, sonrientes en la piscina o incluso haciendo autostop como si estuviesen rodando una película. La razón de las múltiples rupturas de matrimonios de actores en aquella época se debían quizá a la fuerte presión publicitaria ejercida por los estudios. Aunque el divorcio de estos dos mediocres (él mucho más que ella, que se acabó resarciendo de la misma como veremos a continuación) actores de contrato de la Warner estuvo también marcado por el empeño de ella en rodar "Belinda" (Jean Negulesco, 1948) poco después de perder a un bebé nada más nacer. Ese 1948 marcó el año de su nacimiento como actriz respetada gracias a esa máquina de provocar lágrimas que era la película, la historia de una sordomuda violada y ayudada por un doctor a recuperar a su bebé en un juicio. Preparó el papel a conciencia tapándose los oídos y aislándose del equipo, y la Academia de Hollywood la recompensó con su primer y único Oscar.

Con anterioridad al mítico papel de la sordomuda, había despuntado gracias a "Días sin huella" (Billy Wilder, 1945) y a su papel de madre testaruda y calculadora en "El Despertar" (Clarence Brown, 1946), esa candorosa y mítica película de la infancia de muchos en la que un niño defendía a capa y espada a un ciervo. En los 50 cambió de peinado y de personajes. Si su nuevo look (con un rígido flequillo que sólo Joan Crawford se hubiese atrevido a lucir) no la favorecía precisamente, si lo hacían sus roles de ama de casa sufrida, sobre todo si estaba dirigida por el hoy maestro del melodrama, Douglas Sirk. Ciega por culpa de un playboy en "Obsesión"(Douglas Sirk, 1954) o madura enamorada de su jardinero ante la cruel incomprensión de toda una sociedad en "Sólo el cielo lo sabe" (Douglas Sirk, 1955), en ambas películas compartió cartel con un guapísimo Rock Hudson y se convirtió en el paradigma de la burguesa frustrada de aquellos conservadores años. En los años 60 tuvo su propio show televisivo y fue la madre de "Pollyanna" (David Swift, 1960), antes de que los 80 la convirtiesen en la mismísima encarnación del mal y en una de las personas más requeridas por la prensa amarilla al haber sido la primera esposa del que durante aquellos años fue el hombre más poderoso de los Estados Unidos. Jamás quiso hacer declaraciones sobre su famoso ex, considerando estas intromisiones en la intimidad de mal gusto. Personalmente, la gran paradoja que siempre acompañará a esta actriz desde mi punto de vista, será la de haber sido uno de los amores del muy conservador Reagan a la par que la actriz que protagonizó alguna de las críticas más enardecidas al mundo opresivo, reaccionario y bienpensante de América en las películas de Sirk. ¿No resulta curioso y hasta perverso que la exseñora Reagan mostrase, indirectamente, la cara más hipócrita de aquella sociedad que su exmarido tanto se molestó en defender como presidente?

Video homenaje a la actriz

Míticos títulos de crédito de la serie "Falcon Crest" (1981-1990)

VERANO 2007: Un estío salvado por una rata

2007-09-09T15:49:00.000+02:00

A la vista está que, desde que el "Tiburón" de Steven Spielberg saliese a las aguas a devorar a sufridos bañistas, los veranos de Hollywood no han vuelto a ser los mismos. Las superproducciones más potentes son las que suelen copar las carteleras desde entonces con el ánimo de hacer caja y entretener a millones de cerebros ociosos debido al calor. Este verano no ha sido una excepción, aunque la caja registradora se haya llenado a base de secuelas de poca calidad.

Jack Sparrow ha vuelto por donde se fue con la tercera entrega de "Piratas del Caribe". Floja, confusa (ya no se sabía quién tenía que matar a quién, quién tenía que apuñalar el corazón del cofre o de qué lado estaba cada cual) y por momentos aburrida, la película funcionaría, sin embargo, como una gran atracción para ver imágenes espectaculares. La de la espiral de olas en plena batalla o la del cielo cargado de estrellas sobre el que navega la embarcación ciertamente lo son. Aparte de detalles aislados como el del surrealismo implícito en las visiones de Sparrow cuando se encuentra solo en pleno desierto de arena o del homenaje manifiesto al cine de Sergio Leone en una de las secuencias, la película de Gore Verbinsky es nuevamente una cinta infantil, larga, espantosamente caótica y creadora de múltiples dolores de cabeza ante tanta ola y batalla.

Otra secuela floja, aunque más humana al menos, fue la de "Spiderman". También "Harry Potter" volvió con una entrega que ha dejado más indiferente que de costumbre. De ambas informamos en este blog. Además, hemos padecido películas de terror tan insulsas como "Turistas". Jugando con el ya tópico recurso del tráfico de órganos humanos, nos volvíamos a encontrar con los jovencitos turistas norteamericanos huyendo de unos salvajes asesinos. Lo único destacable de la película era la claustrofobia de las escenas submarinas.

Afortunadamente, nos hemos topado con una rata encantadora que quiere ser chef de cocina. El guión de "Ratatouille" es tan maravilloso, tan fresco, tan bien organizado en cuanto a sus situaciones y en cuanto a la descripción de personajes, que no dudaría en afirmar que es la mejor película de toda la historia de los estudios Pixar. Además, las imágenes que acompañan al guión están a la altura. Los planos parecen salidos de una película de Scorsese o Hitchcock y la delicia de ver el París iluminado en plena noche en la gran pantalla es indescriptible. Aunque sólo fuese por la escena con el crítico, esta película ya sería casi una obra maestra.

VALORACIONES:

"Piratas del Caribe:En el fin del mundo":

"Turistas":

"Ratatouille":

Maravillosa canción de "Ratatouille": Le festin

"ALADDíN"(John Musker y Ron Clements,1992):La Arabia más divertida

2007-09-09T14:26:00.000+02:00

En noviembre de 1993 se estrenaba en nuestro país, con un (hoy impensable) retraso de un año, otra de las joyas de la nueva era Disney, "Aladdín", basada en los clásicos cuentos de "Las mil y una noches" y, según más de un avezado crítico, en la magnífica "El ladrón de Bagdad"(Michael Powell, 1940). La tardanza de estos estrenos planificadamente navideños no impidió que la película se convirtiese, también en nuestro país, en una de las más taquilleras de la historia.

Desde el estreno de "La Sirenita", Disney vivió una época de florecimiento artístico y comercial que no se había dado desde la muerte del propio Walt. Volviendo a los orígenes de la compañía y actualizando su humor a la par que convirtiéndo sus películas en grandes musicales brodwayanos, la compañía del pato Donald o el ratón Mickey ganó Oscars y devolvió al público la pasión por ir a ver dibujos animados al cine. Asímismo, marcaron a toda una generación de niños entre la que tengo el honor de verme incluído. "Aladdín" siempre estuvo acusada de ser algo simplista y de no llegar a la altura de la precedente, "La Bella y la Bestia", pero su humor cargado de gags rápidos, sus divertidos personajes y su espectacular diseño inspirado en miniaturas árabes y a un profundo estudio en Irán del equipo artístico, son insuperables. Los gags humorísticos hacen que incluso en los momentos más potencialmente ñoños la película sea una auténtica atracción de feria. Así, cuando Aladdín se pasea con Jasmine en la alfombra mágica, hay espacio para la diversión (ella se da cuenta de que él es el mismo chico pobre del bazar gracias a un mimético contrapicado en el que el joven repite erróneamente un gesto mostrado a la chica en su encuentro previo; también vemos como hasta un escultor de esfinge comete un impagable y divertido error). Pero el mejor humor de la película, moderno, plagado de referencias a la cultura popular y de divertidísimos gags visuales viene a cargo del genio al que puso voz un inefable Robin Williams en la versión original (aquí en nuestro país fue el no menos genial Josema de "Martes y Trece" el encargado de tamaña tarea). Así, el genio se transforma continuamente en personajes como un diseñador gay (!!) un presentador de concursos o una tímida y enamoradiza chica gracias a los golpes de humor diseñados con buen tino en un guión que tiene una moraleja muy propia de Disney: como bien aprende el propio Aladdín, el precio de no ser uno mismo puede ser bastante caro.

La personalidad del genio y de aquellos que le dieron voz es tan amplia que deja poco hueco para el resto de los personajes, pero éstos no son los simples esquemas que críticos como Rogert Ebert afirmaron en su día. Aladdín sueña con ser alguien y no un simple ladronzuelo, y a este fín se le dedican dos canciones en el inicio de la película, cuando son presentados los personajes. También en ese inicio conocemos las ansias de libertad de Jasmine, los malvados propósitos de Jafar y la candorosa ingenuidad del sultán. Los animales vuelven a estar diseñados, como ya es habitual en Disney, mejor que los personajes humanos. El loro Iago es una maldad andante y protagoniza uno de los momentos más divertidos de la película: aquel en el que, tras ser perseguido por el sultán en alfombra voladora, él buen animal se la pega contra una columna y en sus alucinaciones, en vez de las clásicas estrellitas, ve a decenas de sultanes en alfombra rondándole la cabeza. Pero si hay unos personajes secundarios especialmente notables, esos son el mono Abu, que muestra su egoísmo sin ningún diálogo y sirve en la trama para que el protagonista se quede atrapado en la cueva; y la alfombra mágica, maravillosamente animada por ordenador hasta el punto de tener una personalidad definida. También protagoniza una de las secuencias más espectaculares, infográficamente hablando, de toda la película: aquella en la que Aladdín y Abu han de escapar de la cueva y se enfrentan con todo tipo de peligros.

La banda sonora de la película convierte la música clasicamente árabe en un espectáculo anglosajonizado aunque propio de un musical de Bollywood. Uno de los aspectos más criticados por decenas de asociaciones árabes en el momento del estreno de la película fue el de caer en los estereotipos que todos conocemos y que, a buen seguro, serían mucho más polémicos en esta década post 11 de septiembre de lo que lo fueron en la de los 90. Canciones como "Príncipe Alí", "Un genio genial" o la ganadora de un Oscar "Un mundo ideal" son pegadizas y se han convertido en inolvidables con el paso de los años. Las canciones, la calidad de la animación y el diseño de los personajes, demostraron al espectador, una vez más, que el humor ágil, divertido y frenético no es solo patrimonio de las películas con actores de carne y hueso. Además, muchos de los que fuímos niños en aquellas navidades de 1993 jamás olvidaremos nuestro paseo por mágicas alfombras, enormes dunas y maravillosos palacios árabes en uno de nuestros primeros paseos (el primero para un servidor, de ahí el cariño inconmensurable hacia esta película) por la gran pantalla.

VALORACIÓN:

Videoclip de "Un mundo ideal" para Sudamérica. Aquí en España también fue cantada por Michelle, pero con otro compañero de micrófono: Enrique del Pozo (sí, es increíble pero cierto)